민속공예품마을. 러시아의 민속 예술과 공예. 러시아 민속 장난감

러시아의 유명한 민속 공예 중심지

Bogorodskaya 조각 장난감.

모스크바 근처 보고로드스코예(Bogorodskoye) 마을은 세르기예프 포사드(Sergiev Posad) 시 근처에 위치해 있습니다. 조각된 나무 장난감 공예는 16세기와 17세기에 등장했습니다. 장난감에는 조각 장난감과 움직이는 장난감의 두 가지 유형이 있습니다. 보고로드스크 조각의 스타일은 정확하고 날카로우며 끌 자국이 선명하게 보입니다. 일반적으로 장난감은 도색되지 않아 나무의 자연스럽고 따뜻한 색상을 유지하지만 때로는 도색된 장난감이 만들어지기도 합니다. 주제는 농부, 사냥꾼, 군인, 동물과 새 등 다양합니다. 일상 생활, 전래 동화.

고로데츠 그림.

이 예술 공예는 19세기 중반 고대 볼가 도시 고로데츠에서 발전했습니다. 가정 용품, 물레, 셔터, 조각이있는 문, 그림 및 상감 장식을 장식하는 관습은 오래 전에 개발되었습니다. 나중에 그들은 상자, 가구, 접시, 나무 장난감. Gorodets 그림의 특징은 깨끗하고 밝은 색상, 선명한 윤곽, 흰색 선으로 기존의 볼륨과 그림 같은 느낌을줍니다. 고로데츠 예술가들은 꽃 패턴(꽃, 나뭇잎, 풀, 생명의 나무)뿐만 아니라 동화 속 인물과 장르의 장면(다과회, 보트 타기, 회전목마 등)도 묘사했습니다.

호클로마 그림.

이미 17세기에 Khokhloma 마을에서 박람회가 열렸으며 그곳에서 Nizhny Novgorod 지역 마을에서 만든 그림이 그려진 나무 접시를 판매했습니다. Khokhloma 그림은 금색과 검정색, 빨간색, 녹색, 때로는 갈색 및 주황색의 특징적인 조합으로 구별됩니다. 그들은 식물, 열매, 과일, 새 및 물고기를 묘사합니다. 패턴이 거의 전체 표면을 채웁니다. 배경은 금색, 빨간색, 검정색이 될 수 있습니다.

그젤 도자기.

모스크바에서 수십 킬로미터 떨어진 Gzhel 마을에는 숙련 된 도예가들이 오랫동안 살았습니다. 18세기 중반부터 Gzhel 장인들은 흰색 배경에 그려진 마졸리카 생산을 마스터했습니다. 그림은 종종 사람, 동물, 새의 조각 이미지로 보완되었습니다. 19세기부터 흰색 바탕에 코발트블루를 중심으로 그림(꽃무늬)이 그려지기 시작했다. 때로는 꽃 화환 외에도 Gzhel 예술가가 묘사합니다. 요정 새, 풍경, 사진 민속 생활.

스코피노 도자기.

고고학 연구에 따르면 이미 17세기에 랴잔 지역의 스코핀 시 지역에 도자기가 이미 존재한 것으로 나타났습니다. Skopino 도자기의 특징은 수제 제품에 새, 물고기, 환상적인 동물의 치장 벽토 이미지가 보완된다는 것입니다. 때로는 제품 자체가 동물이나 새의 형태를 띠기도 했습니다. 또한 접시(냄비, 항아리, 주전자, 그릇, 머그잔, 촛대)에는 꽃무늬를 장식하고 갈색, 녹색 또는 노란색 유약을 입혔습니다. 외부적으로 제품은 두꺼운 양각 껍질로 덮인 오래된 나무 가지와 비슷합니다.

Filimonovskaya 장난감.

Filimonovo 마을은 툴라 지역에 위치하고 있습니다. 이곳에서는 고대부터 지역의 가벼운 도자기 점토로 접시와 장난감을 만들어 왔습니다. 장난감의 모양은 독창적이고 특이합니다. 그림은 다소 길며 그림에서는 3-4 색상이 지배적입니다. 그림 자체는 흰색과 노란색 바탕에 가로 줄무늬가 교대로 배열되어 있습니다. 장식에는 원, 로제트, 삼각형, 지그재그 및 점도 사용됩니다. 새, 동화 속의 동물, 기수, 숙녀, 일상적인 장면(신랑 신부, 트로이카 타기 등)을 묘사한 장난감

Dymkovo 장난감.

어장의 이름은 Vyatka시 근처의 Dymkovo 정착지와 관련이 있습니다 (현재 Dymkovo는 Kirov 외곽입니다). 라이더, 화려한 프릴이 달린 아름다운 드레스를 입은 숙녀, 신사, 동화 속의 인물, 동물, 일상의 풍경이 그려져 있습니다. 포즈와 인물 자체는 다소 전통적이고 단순화되어 있습니다. 그림은 일반적으로 흰색 배경에 밝은 색상과 금도금을 사용합니다. 장식은 원, 물결 모양의 선, 줄무늬 및 체크 무늬 패턴을 사용합니다.

Zhostovo 트레이.

Zhostovo 예술 공예는 금속 쟁반에 장식 그림을 그리는 것입니다. 어업은 Zhostovo 마을(모스크바 지역)에서 시작되었습니다. 처음에 Zhostovo 장인은 종이 조각으로 물건을 그린 다음 유성 페인트와 바니시로 칠한 금속 쟁반을 만들기 시작했습니다. 그림의 주제 - 꽃, 식물 장식품, 풍경, 민속 생활의 장면. 장미, 모란, 양귀비, 과꽃, 달리아, 물망초, 제비꽃 및 기타 꽃, 포도 다발, 잘 익은 과일 바구니 및 열매가 묘사되었습니다. 트레이의 모양은 다양합니다.

Kasli 주철 주조.

Kasli의 제련 및 철강 공장, 첼랴빈스크 지역 18세기 중반부터 운영됐다. 공장에서는 울타리, 격자판, 접시, 심지어 가구까지 생산했습니다. Kasli 주조 작업자는 기념비적인 구조물뿐만 아니라 작은 조각품과 장식용 물건도 만들었습니다. 주철 조각품은 우아하게 나타났습니다. 옷이 부드럽게 흐르고 탄력있는 근육이 굴러갑니다. 주철이 살아나는 것 같습니다.

러시아의 민속 공예품과 공예품.

러시아 민속 예술과 공예는 국가 문화의 필수적인 부분입니다. 그들은 수세기에 걸친 세계에 대한 미적 인식 경험을 구현하고 미래를 바라보며 다국적 러시아 연방 문화의 독창성을 반영하는 깊은 예술적 전통을 보존합니다.

예술과 공예는 산업의 한 분야이자 민속 예술 분야입니다.

전통과 혁신, 문체적 특징과 창의적 즉흥성, 집단적 원칙과 개인의 견해, 수공예품, 높은 전문성의 결합은 장인과 공예가의 창의적인 작업의 특징입니다.

러시아 민속 공예품의 독특한 예술 제품은 우리나라뿐만 아니라 해외에서도 널리 알려져 사랑받고 있으며, 세계 문화 유산에 대한 러시아의 공헌인 민족 문화의 상징이 되었습니다.

세기에 기술적 진보, 기계 및 자동화, 표준 및 통일, 주로 천연 재료를 사용하여 주로 손으로 만든 수공예품은 특별한 의미를 얻었습니다.

러시아 민속 공예품의 종류. 그들의 특성

민속 예술과 공예는 복잡하고 다면적인 현상이다. 여기에는 다양한 방향, 유형, 형태가 포함됩니다. 그러나 그것들은 모두 제품의 실용적인 편의성과 자연의 아름다움의 결합으로 통합됩니다. 모습, 주변 자연에서 오는 것입니다.

안에 고대 러시아'사람들의 삶 전체는 말 그대로 아름다움에 대한 열망과 자연 환경과의 조화로 스며 들었습니다. 집, 난로, 가구, 도구, 의복, 식기, 장난감 등 민속 공예가의 손이 닿는 모든 것은 고국에 대한 사랑과 타고난 미의식을 구현했습니다. 그리고 평범한 집안 물건이 예술 작품이 되었습니다. 형태의 아름다움은 장식품, 사람 이미지, 동물, 새 및 줄거리 장면 형태의 장식 장식품으로 보완되었습니다.

고대부터 민속 공예가들은 나무, 점토, 뼈, 철, 아마, 양모 등 자연 자체가 제공하는 것을 창의력으로 사용했습니다. 그러나 작품에 자연의 이미지를 구현하면서 대가들은 그것을 문자 그대로 복사하지 않았습니다. 민속 환상에 비추어 현실은 때때로 마술적이고 동화 같은 특징을 얻었으며 현실과 허구는 분리 될 수없는 것처럼 보였습니다.

전문 예술가들에게 영감을 주고 계속해서 영감을 주는 것은 민속 예술과 공예의 독창성, 독특한 표현력과 비례성입니다. 그러나 그들 모두가 그 깊이와 영적 잠재력을 완전히 이해하고 다시 생각하는 것은 아닙니다.

유명한 민속 예술 연구원 M.A. Nekrasova는 현대 상황에서 “민속 예술의 진정성과 영성에 대한 사람들의 요구가 증가하고 있습니다. 그러나 민속 예술을 보존하고 유익한 발전을 이루는 방법을 찾는 것은 그 본질, 창의적, 정신적, 그리고 현대 문화에서의 위치를 ​​이해해야만 가능합니다.”

여러 세대의 경험을 통해 입증된 자연과 인간 세계의 통일성에 대한 긍정을 바탕으로 한 전통 민속 예술의 선도적인 창의적 아이디어는 현대 민속 예술 및 공예 예술에서 모든 의미를 유지하고 있습니다.

예술적 목재 가공.

나무는 러시아의 고대 상징 중 하나입니다. 고대 슬라브 신화에서 생명나무는 우주를 상징했습니다. 예로부터 그늘진 숲과 참나무 숲, 신비로운 짙은 덤불, 숲 가장자리의 연한 녹색 레이스는 아름다움을 사랑하는 사람들을 매료시키고 우리 민족의 창조적 에너지를 일깨워 왔습니다. 목재가 민속 공예가들 사이에서 가장 좋아하는 천연 재료 중 하나인 것은 우연이 아닙니다.

러시아의 여러 지역에서는 독창적인 예술적 목공 유형이 개발되었습니다.

나무 조각은 모스크바 지역의 보고로드스크 조각과 아브람체보-쿠드린스크 평면 부조 조각입니다. 키로프, 볼로그다, 톰스크, 이르쿠츠크, 아르한겔스크 지역에서 삼면체 홈이 있는 조각 제품 제조; 볼로그다(Vologda)와 키로프(Kirov) 지역의 자작나무 껍질 조각.

나무 그림의 전통 예술 공예품에는 니즈니 노브고로드 지역의 Khokhloma, Gorodetsky 및 Polkhov-Maidansky 공예품이 포함됩니다. Sergiev Posad는 Kirov, Gorky, Kalinin, Irkutsk 및 기타 여러 지역에서 불타는 그림, 불타는 그림; 아르한겔스크 및 볼로그다 지역에서 무료 브러시 페인팅 제품 생산. 이러한 공예품 각각에는 고유한 역사와 고유한 특성이 있습니다.

보고로드스카야 조각.

모스크바 근처의 Sergiev Posad 마을에서 멀지 않은 곳에 보고로드스코예(Bogorodskoye)라는 고대 러시아 마을이 있습니다.

유명한 보고로츠크의 목조 조각품과 장난감의 생산이 이곳에 집중되어 있습니다. 그들의 전통은 조각된 나무 장난감이 트리니티-세르지오 수도원 성벽 근처에서 판매되던 17세기로 거슬러 올라갑니다.

Bogorodsk 제품은 린든, 알더, 아스펜과 같은 부드러운 나무로 만들어집니다. 민속 공예가의 주요 도구는 도끼, 특별한 보고로츠크 칼, 다양한 크기의 둥근 끌 세트였습니다. 보고로드스크 칼날은 삼각형 경사로 끝나며 면도칼처럼 날카롭게 연마됩니다.

수세기에 걸쳐 소위 스윙 조각 기술이 개발되었습니다. 모든 제품은 그림이나 점토로 준비된 예비 스케치 없이 "즉시" 칼로 자르고 즉시 빠르고 정확하게 청소합니다.

보고로츠크 장난감은 조각품뿐만 아니라 독창적인 디자인으로도 흥미롭습니다. 대부분 움직이는 장난감입니다. 그들의 전통적인 영웅은 사람과 함께 활동하는 영리하고 활동적인 새끼 곰인 보고로드스크 곰입니다.

보고로드스크 말은 매우 아름답고 유연하며 표현력이 풍부하고 현실적이며 동시에 훌륭합니다. 보고로츠크 작곡의 인물 역시 매우 표현력이 뛰어납니다. 그중 가장 전통적인 것은 친절하고 교활하며 숙련된 러시아 농민의 고전적인 이미지를 대표하는 러시아 농민의 입상입니다.

자작나무 껍질로 만든 예술 작품.

전통적인 유형의 러시아 민속 예술 및 공예품은 자작 나무 껍질과 자작 나무 껍질로 예술적으로 디자인 된 제품을 생산하는 것입니다. 고대에도 자작나무 껍질은 눈부신 흰색으로 민속 예술가들을 매료시켰습니다. 가공 시 자작나무 껍질은 부드러움, 부드러움, 유연성 및 놀라운 강도 등 자연적인 특성을 유지하여 액체, 우유 및 꿀을 담는 그릇을 만드는 데 사용되었습니다.

러시아의 숲이 우거진 영토(Vologda, Arkhangelsk, Olonetsk, Vyatka, Vladimir, Nizhny Novgorod 지방, Urals 및 시베리아)에서 Perm 및 Tobolsk 지방의 공예품은 고대부터 자작 나무 껍질 제품으로 유명해졌습니다. 타임스.

러시아 국민의 다양한 자작나무 껍질 제품은 제조 방법, 사용된 자작나무 껍질의 특성 및 크기에 따라 여러 그룹으로 나눌 수 있습니다. 우선, 자작나무 껍질 전체로 만든 것을 강조해야 합니다. 모양이 가장 단순하고 만들기도 가장 쉽습니다. 여기에는 낮고 넓은 개방형 용기(체크맨, 상자, 다이얼)가 포함됩니다.

중요한 부분은 고리 버들 세공으로 표현됩니다. 여기에는 소금 통, 고리 버들 신발 - brodki, 덮개, 가방 - 어깨 패드가 포함됩니다. 가장 복잡하고 노동집약적인 도구는 비트뿌리, 상자, 투에스키입니다. 자작나무 껍질 제품을 장식하는 방법도 긁기, 조각, 엠보싱, 조각, 페인팅 등 다양한 방법이 있습니다.

자작나무 껍질 제품 장식.

자작나무 껍질 엠보싱은 자작나무 껍질 제품에 대한 가장 오래된 장식 유형 중 하나입니다. 자작나무 껍질에 스탬프나 엠보싱을 이용하여 문양을 새기는 기법이 널리 보급되었다. 모든 단순함을 위해 엠보싱을 사용하면 제품의 높은 예술적 품질을 얻을 수 있으며 릴리프 패턴으로 자작 나무 껍질의 독특한 표면을 풍부하게 할 수 있습니다. 장식할 표면에 균등한 간격으로 배치된 원, 줄무늬, 빗, 별과 같은 가장 단순한 기하학적 모양을 나타냅니다. .

제품의 크기와 유형에 따라 자작나무 껍질을 스트립과 판으로 자릅니다. 거친 바깥층이 제거됩니다. 디자인을 적용하기 전에 자작 나무 껍질에 송곳으로 줄무늬 또는 세포가 표시됩니다. 준비된 자작 나무 껍질은 내부 층이 위로 향하도록 보드 위에 놓습니다. 왼손에 스탬프를 잡고 패턴이 있는 면을 자작나무 껍질에 단단히 대고 망치로 세게 두드려 디자인을 적용합니다. 패턴의 깊이는 타격의 힘에 따라 달라집니다.

러시아 장인들은 자작 나무 껍질 조각을 꽤 널리 사용했습니다. 그러나 아마도 가장 뛰어난 거장은 러시아 북부의 자작나무 껍질이거나 천공된 자작나무 껍질이었을 것입니다. 볼로그다(Vologda) 지역의 Veliky Ustyug 시는 자작나무 껍질 조각 공예와 전통 민속 예술 분야에서 정당하게 1위를 차지하고 있습니다. 이 어업은 18세기 후반에 이곳에서 발생했으며, 이 어업이 발전한 둑에 있는 셰목사 강(Shemoksa River)의 이름을 따서 명명되었습니다. XVIII-XIX 세기. 도시 박람회에서는 우아한 자작나무 껍질 스너프 상자, 수공예품 상자, 게임 보관 상자, 구호 풍경과 줄거리 장면이 담긴 담배 케이스를 구입할 수 있습니다. 점차적으로, 조각된 이미지는 북부 뼈 조각의 영향을 받아 덜 부조적이고 장식적이고 투각적인 형태가 되었습니다. 19세기 말. Shemogod 조각의 주요 문체 특징은 투각 및 장식용 모티프, 내부에 로제트가 있는 나선형으로 꼬인 컬입니다. 자작나무 껍질 레이스를 더 쉽게 읽을 수 있도록 자작나무 껍질 아래에 호일이나 색종이를 놓았습니다.

자작나무 껍질 제품을 그리는 북부 러시아 공예는 그다지 명성을 얻지 못했습니다. 그중 주목할만한 것은 북부 드비나(Dvina)의 페르모고례(Permogorye) 마을에서 이름을 따온 페르모고르스크(Permogorsk) 그림으로 그린 ​​화요일입니다. Permogorsk tues의 그림은 흰색, 황금빛 크림색 배경과 나뭇잎, 컬, 꽃의 작은 꽃 패턴의 특징적인 조합으로 구별되며 그중 차 마시기, 모임, 사냥 등 다양한 삶의 장면이 묘사됩니다.

나무에 Khokhloma 그림.

세계적으로 유명한 Khokhloma 제품은 주로 니즈니노브고로드 지역에서 생산됩니다. 하나의 기업 호클로마 그림 Semenov시에 위치하고 있으며 다른 하나는 Semino 마을에 있습니다 (Nizhny Novgorod에서 100km). 호흘로마(Kkhokhloma) 회화 예술은 17세기 말에 시작되었습니다. 과거에 대규모 박람회가 열렸던 Khokhloma 마을에서 이름을 따 왔습니다. 그들은 대부분 페인트를 칠했거나 즉, 페인트를 칠한 목재 도구를 판매했습니다.

Khokhloma 제품(국자, 브라틴, 숟가락, 공급업체)은 린든 또는 자작나무로 만들어집니다. 소위 "린넨"(도색되지 않은 목재 블랭크)은 프라이머로 덮고 퍼팅하고 건성유로 3-4 번 윤활하여 각 층을 건조시킵니다. 건성유 마지막 층의 건조된 표면에 알루미늄 분말을 도포합니다. 결과적으로 반짝이는 "은색" 표면이 만들어집니다. 다음으로, 코클로마 제품의 표면을 사전 드로잉 없이 프리브러쉬 기법을 이용하여 유성페인트로 칠해줍니다.

Zhostovo에서 트레이 생산이 시작된 것은 1807년으로 거슬러 올라갑니다. 각 트레이는 일반적으로 금형을 만든 수의사, 퍼터 및 화가, 건조 후 제품을 바니시로 코팅하는 프라이머 등 세 사람의 손을 통과했습니다.

Zhostovo 글쓰기는 "그림"으로 시작됩니다. 흰색 페인트로 꽃과 나뭇잎의 실루엣을 적용한 다음 유약 (투명) 페인트로 말린 음영에 그림자를 적용합니다. 이 "음영" 기술은 꽃다발을 배경 깊이까지 담그게 합니다. 다음은 회화의 가장 중요한 단계인 '촘촘한 글씨 쓰기'이다. 하이라이트의 오버레이인 "하이라이트"는 볼륨과 빛을 드러내고 형태의 조각을 완성합니다. 다음으로 "그림"에서는 세부 사항을 배치하고 꽃잎, 잎맥 및 씨앗의 윤곽을 그립니다. 편지는 "바인딩"(얇은 풀과 덩굴손)으로 끝납니다.

표현 수단을 확장하면서 Zhostovo 화가들은 장식용 그림의 새로운 방법을 개발하고 있습니다. 이것이 바로 거북이 껍질을 연상시키는 패턴이 트레이 표면에 적용되는 새로운 "흡연"기술이 나타난 방법입니다.

트레이는 흑백 배경 외에도 유색 배경과 금색 배경으로 칠해져 있으며, 트레이 표면에는 청동 또는 알루미늄 분말이 도포되어 있습니다. 바니시 층을 통해 반투명하여 금 효과를 만들어냅니다. 황금색 배경에서는 색상이 특별한 밝기를 얻고 트레이는 값 비싼 물건처럼 보입니다.

역사의 흐름에 따라 Zhostovo 트레이는 가정 용품에서 장식 패널로 변모했으며 한때 농업에 도움이 되었던 공예품은 독특한 유형의 러시아 민속 예술의 지위를 획득했습니다.

민속 도자기.

도자기 - 구운 점토로 만든 다양한 물체. 그들은 도예가에 의해 만들어졌습니다. 가공에 적합한 천연 점토 매장량이 있는 곳이면 어디든, 도예가들은 사람들이 일상 생활에서 널리 사용하는 그릇, 주전자, 접시, 플라스크 및 기타 다양한 모양과 장식의 물건을 만들었습니다.

도자기에는 마졸리카, 테라코타, 도자기, 토기가 포함되며 점토 구성이 서로 다릅니다.

마졸리카는 유색 불투명 유약인 에나멜로 코팅된 도자기 점토로 만든 제품에 부여된 이름입니다.

테라코타는 유약을 바르지 않고 구운 점토로 만든 제품입니다.

도자기는 흰색 점토-융점이 높은 카올린 또는 도자기 제품에 백색도, 얇은 벽 및 투명성을 제공하는 장석을 포함하는 덩어리의 구성으로 구별됩니다.

파이앙스(Faience)는 도자기에 가깝지만 백색도와 투명도가 없고 파편이 더 두껍습니다.

그젤 도자기. Gzhel, Rechitsy, Turygin 및 모스크바 지역 Ramensky 지역의 다른 마을에서는 오랫동안 지역 마을의 거의 전체 인구가 수행한 도자기 제품 생산이 있었습니다.

이미 17세기에요. 그젤 장인들은 도자기로 유명했고, 그들이 사용한 점토는 품질이 높았습니다.

18세기 중반, Gzhel 장인들은 원시 에나멜에 칠해진 마졸리카 기술을 사용하여 제품을 생산하기 시작했습니다. 그들은 녹색, 노란색, 보라색 톤의 우아한 그림으로 접시, 크바스, 주전자를 장식했습니다. 그들은 꽃, 나무, 건축물 및 전체 줄거리 장면을 묘사했습니다.

선박은 또한 조각품으로 장식되었습니다. 전통적으로 렌더링된 인물, 새 및 동물 조각품은 별도로 제작되었습니다.

18세기 후반에 코발트는 그젤(Gzhel) 거장들이 가장 좋아하는 그림 재료였습니다. 흰색 배경과 파란색 언더글레이즈 그림의 조합은 Gzhel 생산 협회에서 일하는 현대 장인들에게 전형적인 것이 되었습니다.

Gzhel 제품을 장식하는 장식은 꽃무늬입니다. 꽃, 허브, 잎이 있는 구부러진 줄기, 옥수수 귀는 장식용으로 가공됩니다. 핸드페인팅은 디자인의 신선함과 자연스러움이 특징이며, 사물의 표면에 자유롭고 쉽게 위치한다. 스트로크 페인팅은 손의 움직임에 따라 달라집니다. 손으로 그림을 그리는 Gzhel 공예의 대가들은 점차 자신만의 창의적인 스타일을 만들어냈습니다. 제품을 복제할 때 겉으로 보기에 똑같은 유형의 그림을 반복하면서 그들은 항상 새로운 것을 선보입니다.

스코피노 도자기. 랴잔 지역의 스코핀 시는 유명한 민속 도자기의 중심지입니다. 19세기 중반에 스코핀에는 50개가 넘는 작업장이 있었습니다. 그러나 Skopin의 명성은 지역 도예가가 만든 복잡하고 기괴한 모양의 그릇과 환상적인 동물과 새 모양의 촛대에 의해 만들어졌습니다. 그릇은 환상적인 동물, 사자, 용의 조각 이미지로 풍성하게 장식되었습니다. 이러한 이미지는 종종 인기 있는 인쇄물에서 차용되었습니다. 즉, 일반적으로 박람회에서 판매되는 일반 사람들과 가까운 주제와 줄거리가 있는 그림입니다.

장인들은 물레를 사용하여 손으로 복잡하고 풍부한 디자인의 형태를 만들었습니다. 이는 재료와 기술에 대한 그의 뛰어난 숙달을 반영합니다. 사물의 다양한 모양과 조각적인 동화 이미지는 주인의 무한한 상상력을 증언합니다. Skopino 제품은 일반적으로 녹색 및 황갈색 드립 유약으로 덮여 있습니다. 강렬한 색상, 풍부한 조각 장식 및 기발한 형태는 Skopin의 예술 표현력과 밝은 독창성을 부여합니다.

스코피노 장인의 기술과 상상력은 그릇, 주전자, 피클용 통, 과일용 꽃병 등을 만드는 데 표현됩니다. 요즘 이 공예품은 확립된 전통을 기반으로 발전하고 있지만 그릇의 모양은 덜 복잡하고 기괴해졌습니다. .

Dymkovo 장난감. Vyatka시 근처에 위치한 Dymkovo 정착지의 장난감은 매우 유명해졌습니다. 이 공예품의 기원은 겨울 내내 공예가들이 말, 기수, 소, 새의 형태로 다양한 휘파람을 준비했던 고대 민속 명절 "휘파람"과 관련이 있습니다. 봄 휴가에는 활발한 휘파람 거래가 동반되었습니다. 그들의 밝고 다채로운 그림은 일반적인 즐거운 봄 분위기와 일치했습니다.

장난감은 지역의 붉은 점토로 만들어서 구워낸 다음 우유에 희석한 분필 흙으로 덮었습니다. 장난감은 계란에 희석된 아닐린 페인트를 사용하여 흰색 배경에 칠해졌습니다. 이 페인트의 색상은 강인함과 축제 분위기로 인해 놀랍습니다. 흰색 배경에 밝은 진홍색, 노란색, 파란색 그림이 점, 원, 술 형태의 장식품으로 풍부해졌습니다. 하나의 제품에 여러 가지 색상을 조합하려면 장인의 특별한 기술이 필요합니다. 때로는 패턴이 금박 조각으로 덮여있어 제품에 더욱 우아함을 더했습니다.

Dymkovo 장난감의 이미지는 도시 생활을 반영합니다. 신사 숙녀 여러분, 간호사, 보모, 패셔니스타, 늠름한 기수들은 밝은 색상, 특별한 표현력, 밝은 축제 및 유머로 구별됩니다. 제품의 모양과 그림은 전통적입니다.

시간이 지남에 따라 Dymkovo 장난감은 일상 생활에서 장식 장식으로 널리 적용됩니다. 이와 관련하여 Dymkovo 여성 공예가의 제품 규모도 크게 증가했습니다. 종종 민속 축제와 휴일을 묘사하는 여러 인물 구성이 있습니다.

Dymkovo 장난감은 캐릭터의 적절한 묘사, 재치, 삶의 기쁨으로 사람들에게 가깝습니다. 이것이 바로 그 변함없는 가치이자 독특함이다.

카르고폴 장난감. 아르한겔스크 지역의 카르고폴시는 러시아 전통 점토 장난감 민속 예술 공예의 중심지입니다. Kargopol에서의 기원은 이미 19세기에 광범위한 발전을 결정한 풍부한 지역 점토 퇴적물과 관련이 있습니다. 여기에서 그들은 요리를 만들고 장난감과 함께 말, 사슴, 숫양 등을 만들었습니다. 1930년에 세습 도예가 I.V. Druzhinin이 이곳에서 점토 장난감의 전통을 부활시켰습니다. 그가 그린 장난감은 스타일의 통일성을 특징으로 합니다. 농민 여성과 사냥꾼은 놀랍도록 예리한 성격을 보여줍니다. 동물 - 말, 소 등 -개별적인 특성이 부여됩니다. 그들은 쪼그리고 앉고 색상이 제한되어 있습니다.

Kargopol 장난감은 부분적으로 성형되었습니다. 몸통에 스커트를 놓고 다리를 부착했습니다. 장난감은 불에 타서 흰색 페인트로 덮여 있었습니다.

민속 공예가이자 이야기꾼 M. Babkina의 가슴에 태양의 표시가있는 쾌활한 폴칸 영웅은 큰 힘을 부여 받았습니다. 그의 이미지는 고대 슬라브 신화와 관련이 있습니다.

장인은 전통적인 조각과 회화 기술을 보존해 왔습니다. Kargopol 장식은 기하학적 패턴, 원 안의 십자가-태양, 원, 다이아몬드, 지그재그로 구성되며 상징적 의미를 갖습니다.

Kargopol 장인은 빨간색, 노란색, 갈색, 습지, 진홍색 등 부드러운 색상을 사용합니다.

Filimonovskaya 장난감. 툴라 지역의 Odoevsky 지역에 있는 Filimonovo 마을은 러시아 전통 점토 장난감의 중심지입니다. 공예의 기원은 오랜 도자기 생산과 관련이 있습니다. 19세기 이후 Filimonovskaya 장난감이 널리 알려졌습니다. 이들은 기하학적 패턴으로 장식된 동물 모양의 장난감으로 주로 휘파람을 불고 있습니다. 1967년 Filimonov에서 워크숍이 만들어졌습니다. 전통적인 Filimonovskaya 장난감은 지방 파란색 점토의 플라스틱 특성을 기반으로 합니다. 점토가 마르면 장난감이 깨집니다. 균열이 매끄러 워져 그림이 더 길쭉한 모양이됩니다. 발사되면 자연스러운 청흑색이 흰색으로 변합니다. 따라서 장난감의 배경은 계란에 희석 된 아닐린 페인트 (빨간색, 노란색, 녹색, 파란색, 보라색)로 칠해집니다. 기하학적 패턴은 줄무늬와 태양 표시로 구성됩니다. 종종 여성 인물은 줄무늬뿐만 아니라 꽃, 장미, 삼각형으로도 칠해집니다. 현대의 거장들은 작품에 전통적인 형태의 색상 조합과 장식품을 보존해 왔습니다.

레이스 만들기.

러시아 손으로 짠 레이스는 18세기 말부터 우리 민속 예술과 공예의 역사에 알려져 왔습니다. 손수 만든 레이스가 생겨나자마자 형태가 갖춰졌습니다. 민속 공예, 홈 크래프트 단계를 거치지 않고. 서유럽 레이스는 17세기 후반부터 18세기 초까지 러시아에 침투하기 시작했습니다. 귀족과 지주의 옷 장식으로 사용되었습니다. 레이스와 레이스 트림 패션이 확산되면서 많은 귀족들이 농노 레이스 제작 작업장을 세웠습니다. 18~19세기 전반으로 거슬러 올라가는 초기 레이스는 종종 진주를 첨가한 금실과 은실로 만들어졌습니다. .

손으로 짠 레이스는 나무를 깎아 만든 보빈을 사용하여 만들어집니다. 레이스 메이커 앞에는 꽉 채워진 쿠션, 즉 베개가 있습니다. 두꺼운 종이에 적용된 미래의 레이스 패턴이 베개에 고정되어 있습니다. 파편 그림에서 점은 실이 교차하고 엮이는 지점을 나타낸다. 레이스 제작자는 손에 리넨 면이나 실크 실이 달린 보빈 6~12쌍을 쥐고 있습니다.

볼로그다 레이스. 밀도, 백색도 및 패턴으로 인해 유리의 서리 패턴과 조용한 서리가 내린 날 숲 속 나무의 서리를 매우 연상시킵니다.

볼로그다 레이스의 기본은 촘촘한 "린넨 리본"입니다. 이 리본은 매우 기발하게 말려서 다양한 형태의 레이스 장식을 설명하기 때문에 "vilyushka"라고도 합니다. 볼로그다 레이스에는 꽃무늬가 일반적입니다. 넓은 손바닥 모양의 잎과 앞쪽에 6, 8개 이상의 꽃잎 로제트 꽃이 있는 대칭으로 펼쳐진 무성한 덤불의 모티브가 레이스 제품의 넓은 패턴 테두리를 형성합니다. 격자는 조화롭고 리드미컬하게 완벽한 특성을 갖고 있으며 강인함과 신뢰성이라는 인상을 줍니다. Vologda 레이스의 종류는 매우 다양하며, 여기에는 원형 냅킨, 러너, 식탁보, 장식된 벽 패널, 창문 커튼 및 커튼이 포함됩니다.

Mikhailovskoe 레이스. 가장 흥미로운 것은 Ryazan 지방의 Mikhailov 마을에서 생산되는 레이스입니다. 여기에서 그들은 흰색뿐만 아니라 다색이고 밝은 두꺼운 실로 만든 촘촘한 레이스를 만들었습니다. 러시아 농민들의 화려한 의상과 잘 어울렸어요. 여성뿐만 아니라 남성들도 셔츠에 입었습니다. 그들은 그것을 여성용 앞치마, 수건, 시트 등을 바느질하는 데 사용했습니다. 그것은 "망토", 부채 모양의 인물, 소위 종과 같은 뾰족한 이빨의 단순한 모습을 가졌습니다. 레이스는 흰색, 빨간색, 파란색의 세 가지 색상의 실만 사용했지만 매우 능숙하게 결합되어 각 레이스 조각이 새로운 방식으로 다채롭게 보였습니다. 1950년대에는 Mikhailovsky 레이스의 출현에 눈에 띄는 변화가 일어났습니다. 패턴이 강화되고 새로운 컬러가 등장하고 있습니다. 이러한 변화는 주로 재능 있는 예술가인 레이스 제작자의 이름과 관련이 있습니다. D.A.Smirnova. 그녀의 작품에는 인간의 모습이 처음으로 등장한다. D.A. Smirnova와 공예가들은 러시아 민속 예술의 독특한 현상으로 컬러 패턴의 아름다움을 보존하기 위해 노력합니다.

자수는 민속 예술의 가장 일반적인 유형 중 하나입니다.

민속 자수 장식은 고대에 뿌리를두고 있습니다. 사람들이 주변 자연을 영성화했던 시대의 흔적을 보존하고 있습니다. 그리고 당신의 옷과 가정용품에 태양, 생명나무, 새, 여성의 형상을 상징으로 붙입니다. 활력, 행복, 다산, 그들은 집에 번영을 가져올 것이라고 믿었습니다.

역사적 발전 과정에서 각 국가는 자수 패턴의 특정 특성, 독특한 기술 기술 및 독특한 색상 솔루션을 개발했습니다.

자수가 필요하지 않습니다. 복잡한 장비- 바늘, 실, 캔버스 - 옷을 자수하고 바느질하고 집을 장식할 우아한 물건을 만드는 데 필요한 전부입니다. 자수는 농촌과 도시 인구의 일상 생활에서 널리 사용되었습니다. 인구 중 부유한 부분의 의류 및 가정용품을 장식하기 위해 다양한 유형의 자수가 적극적으로 사용되었습니다.

농민 자수는 주민들의 창의성과 관련이 있는 특별한 가치가 있습니다. 시골 지역. 오늘날까지 그 가치를 잃지 않는 예술적, 문체적 특징이 형성된 것은 바로 이 자수였습니다.

우리나라 사람들의 자수는 예술적, 기술적 기술과 일상 생활에서의 사용 성격이 매우 다양합니다. 모든 연방 및 자치 공화국, 지역, 지역, 지구에서 재능있는 자수가의 독특한 작품을 찾을 수 있습니다.

현대의 봉제공예가 형성되는 과정은 모호하다. 각 지역에서는 생활 방식, 공통 문화 전통의 발전, 이웃 민족 문화의 상호 영향 정도와 관련이 있습니다. 현재 자수는 러시아, 우크라이나, 벨로루시, 몰도바, 우즈베키스탄 및 타지키스탄의 예술 공예 기업에서 특히 폭 넓은 발전을 이루었습니다.

금 자수는 이전에는 종교적인 목적으로 물건을 만들고 머리 장식을 장식하는 데 사용되었습니다. 이러한 자수는 Nizhny Novgorod, Tver, Vologda 및 기타 여러 지역에서 일반적이었습니다. 그러나이 자수는 Torzhok에서 가장 많이 개발되었으며, 그곳의 여성 공예가들이 금 자수 예술을 현재까지 가져 왔습니다. 여기서 그들은 단조 솔기, 캐스트 솔기, 패스너 등 노동 집약적 인 바느질 기술을 사용합니다. 패턴을 만들 때 패턴 완화의 큰 효과를 얻기 위해 판지, 자작 나무 껍질 또는 가죽 조각을 바닥 아래에 놓았습니다. .

트베리 지역의 현대 Torzhok 금 자수 산업은 독특하며 전통적인 기술을 유지하면서 벨트, 핸드백, 모자, 조끼, 특별 행사용 폴더 등 우아한 품목을 생산합니다.

단순한 줄무늬, 고리, 별부터 복잡한 꽃 패턴 구성에 이르기까지 금 자수에는 다양한 패턴이 사용되었습니다. 이전과 마찬가지로 금 자수는 스팽글 줄무늬와 다양한 희박 솔기를 포함하여 보완되며 특히 스카프, 숄, 가슴 장식과 같은 의상에 추가 사항을 디자인할 때 자주 사용됩니다.

블라디미르 지역에서 발달한 자수의 일종. 이것은 소위 블라디미르 솔기라고 불리는 모든 종류의 배너와 투각 추가 및 밝은 장식 자수가 있는 얇은 흰색 표면입니다.

선박- 작은 수공, 종종 고품질의 생산을 가능하게 하는 수공구의 사용을 기반으로 합니다.

선박시작과 함께 일어났다 생산 활동인류는 오랜 역사적 발전의 길을 걸어왔습니다. 다양한 모양: ㅏ) 가정 공예- 자급 농업 조건에서; 비) 맞춤 공예- 자연 경제가 분해되는 조건에서; V) 시장에 공예품. 공예 및 무역 중심지로서 도시의 출현과 발전은 주문형 공예품, 특히 시장용 공예품의 출현과 관련이 있습니다. 가정 공예품은 종종 가정 산업(즉, 비농업 제품 생산), 주문 공예품 및 시장용 공예품(수공예 산업)이라고 불립니다. 러시아 통계 문헌에서는 대개 19~20세기의 모든 장인이 등장합니다. 장인이라 불렸습니다.

집에서 만드는 공예자본주의 이전 사회의 역사 전반에 걸쳐 널리 퍼져 있다. 농촌 인구는 소비하는 수공예품의 대부분을 생산했습니다. 점차적으로 주문 제작 공예품과 시장이 주도적인 역할을 하기 시작했습니다. 고대 그리스에서는 고대 로마, 고대 동양 국가에는 독립된 가정을 운영하고 주문하거나 시장에 판매할 제품을 생산하는 장인이 상당수 있었습니다.

어울리는 전문 공예특히 도시에서는 이러한 현상이 발생하게 되었습니다. 새로운 구체생산과 새로운 사회 계층 - 도시 장인. 이 계층의 이익을 보호하는 발전된 형태의 조직(길드)의 출현은 중세 도시 공예 개발에 특히 유리한 조건을 만들었습니다. 도시 공예의 주요 부문은 의류 제조, 금속 제품 생산, 유리 제품 등이었습니다. 산업 혁명(18세기 중반~19세기 전반) 동안 기계 사용을 기반으로 한 공장 산업이 대체되었습니다. 공예. 공예품(주문 및 시장용)은 소비자의 개별 요구를 충족하거나 값비싼 예술 제품(도자기, 직조, 예술적 조각등.

저개발국에서는 공예품이 더 많이 보존되었습니다. 그러나 여기에서도 이들 국가의 산업화로 인해 공장 산업이 대체되고 있습니다. 관광 서비스 및 수출과 관련된 민속 예술 및 공예품이 보존되어 있습니다.

공예품의 종류

고대부터 인류는 다음과 같은 공예품을 알고 있습니다.

그리고 많은 다른 사람들.

러시아에서는 1917년 이후 장인과 수공업자의 수가 급격히 감소하여 산업 협력으로 통합되었습니다. Gzhel 도자기, Dymkovo 장난감, Palekh 미니어처, Khokhloma 그림 등 세계적으로 유명한 민속 예술 공예품 중 소수만이 살아 남았습니다.

예술적 공예

예술적 공예- 예술제품을 만드는 장인들의 창의적인 경험을 축적하는 과정에서 발전한 다양한 재료(금속, 가죽, 직물 등)의 예술적 가공을 위한 전문적인 노동기술과 기술기술의 문화. 전문적 경험예술 공예는 가장 미학적으로 효과적인 기술과 재료의 예술적 처리 기술의 발견을 통해 발전하여 완벽하게 만듭니다. 이 경험은 수세기에 걸쳐 축적되어 대대로 이어졌습니다. 옛날에는 국가의 복지와 문화의 전반적인 수준이 예술 공예로 판단되었습니다. 고대 러시아와 서유럽 중세 시대의 대가들은 다양한 직업으로 나뉘었으며, 그 안에서 그들은 특정 재료를 예술적 처리하는 다양한 기술을 사용할 수 있는 보편적인 능력을 가졌습니다. 따라서 금은세공인들은 단조, 주조, 엠보싱, 세공, 조각, 은흑화, 에나멜 세공 기술을 숙달했습니다. 그들은 제품 유형(무기, 책 프레임, 보석류등.). 이러한 종류의 전문화는 도자기, 직조, 예술적 재봉 등에서 이루어졌습니다. 예를 들어 고대 키예프에는 60개의 다양한 공예 직업이 있었습니다. 장인은 사회적 지위에 따라 왕실에서 일하는 세습 장인과 수도원 장인, 그리고 도시와 마을 사람들로 구분되었습니다. 첫 번째는 신중하고 오랫동안 주문하여 작업에서 최고의 완성도와 기술을 달성했습니다. 포사드스코에 예술적 공예시장과 관련된 도시 장인의 작업에 반영되었습니다. 그들은 경제적 수단을 사용하여 예술적 효과를 얻을 수 있는 능력을 개발하여 제품을 값비싼 샘플에 더 가깝게 만들었습니다. 사람들의 일반적인 미적 이상과 육체 노동의 전문적인 예술성이 예술 공예 문화의 발전을 결정했습니다. 모든 항목은 창의적으로 만들어졌습니다. 주인의 예술성은 높은 평가를 받았습니다. 대가의 범주에 속하는 것은 가장 어려운 예술 작업을 완벽하게 수행하는 능력으로 결정되었습니다. Rus'에는 서양 길드처럼 조직된 공예 기업이 있었습니다. 그들의 활동은 특별한 규칙과 법률에 의해 규제되었습니다. 기반으로 개발 중 민속 전통, 예술 공예, 각 국가는 국가 정체성을 유지하는 동시에 세계 스타일의 발전을 반영했습니다. , 그 발전은 각 민족의 예술적 이미지, 미학 및 문화와 분리 될 수 없기 때문입니다.

민속 예술과 공예

민속 예술과 공예 (민속 공예) - 간단한 즉석 재료와 간단한 도구를 사용하여 만든 다양한 제품. 이 전통적인 유형의 공예는 기술과 독창성을 사용하여 자신의 손으로 물건을 만드는 다양합니다. 작업은 직물, 목재, 비철금속, 종이 등을 대상으로 할 수 있다. 일반적으로 미학적 가치뿐만 아니라 실용적인 적용이 가능한 것에 적용되는 용어이다.

민속공예복잡한 구조를 포함하여 기본적인 필수품이 만들어진 덕분에 시골 공예품에서 유래되었습니다. 농촌 공예품은 고대부터 알려져 왔으며 실제로 인류에게 새로운 도구와 가정 용품이 필요한 순간에 나타났습니다. 다양한 지역과 지역에서 다른 나라예술과 문화가 달랐기 때문에 그들의 기술도 달랐습니다. 민속 예술과 마찬가지로 민속 공예품은 종교적, 문화적, 때로는 정치적 신념에 의존하는 경우가 많습니다.

많은 수공예품자연 또는 자연에 가까운 재료로 만들어졌지만 많은 현대주의자들은 산업 부품 및 메커니즘과 같은 특이한 요소와 디자인도 사용합니다.

제품은 생산과정이 본격화(공장형 대량생산)되기 전까지는 민속공예품으로 간주됩니다.

왜냐하면 수공이런 종류의 기술은 지성을 발전시키고 다양한 종류기술, 때로는 교육 과정학교와 기관에서는 무언가를 만들기 위해 특별한 작업을 소개합니다. 많은 제품을 만들려면 특정 기술이 필요하지만 일반적으로 누구나 기술을 배울 수 있습니다. 많은 유형의 공예품이 등장한 후 어느 정도 시간이 지나면 인기를 얻게 되지만 그렇지 않은 경우도 있습니다.

공예의 역사

이미 고대 세계에서 공예 활동의 시작이 발견되었으며, 주로 재료 소유자의 집과 노예의 손에 의해 알려진 물체의 가공에서 나타납니다. 우리는 그리스 수공업 노동의 이러한 성격에 대한 호머의 증거를 가지고 있습니다.

합당하지 않다고 여겨지는 공예 노동에 대한 그리스인의 경멸로 자유인, R.은 영구적인 전문 활동으로서 집의 일부인 상인과 노예를 제외하고는 매우 제한된 사람들의 작업이었습니다.

그러나 그리스의 일부 공예품은 가장 간단한 도구와 도구를 사용했음에도 불구하고 높은 수준으로 향상되었습니다. 시간이 지남에 따라 소비재는 사치품뿐만 아니라 하층 인구의 일상적인 요구를 충족시키기 위해 널리 보급되었습니다.

이미 그리스에서는 장인들이 기원전 5세기 중반부터 등장한 비교적 대규모 산업과의 경쟁을 경험하기도 했습니다. 이자형. 일반적으로 수공예품 생산은 로마에서도 마찬가지입니다. 노예 노동의 전문화를 통해 자신들의 필요를 충족시키는 고립되고 폐쇄된 농장의 존재를 고려하면, 로마에는 자유로운 농업으로 발전할 수 있는 토양이 없었습니다. 전문적인 활동; 다른 사람들의 노동 생산물을 끊임없이 필요로 하고 그에 대한 대가를 지불할 수 있는 파견대가 없는 상황에서 로마 장인, 부들러 등(인공품)은 프롤레타리아 계급을 보충해야 했습니다. 소득원으로 사용되는 알려진 재산이 있는 경우에만(보통 소액) 토지 계획), 장인은 무작위 주문을 이행하여 편안하게 생활하고 추가 수입을 얻을 수 있습니다. 작은 부동산의 상당 부분을 흡수하는 대규모 부동산이 형성됨에 따라 토지, 주로 자유민으로 보충 된 장인은 부업을 찾아 고객의 집에서 수행해야했습니다.

모든 artel의 생산량을 늘리기 위해 artel을 경제적으로 통제하거나 한 명 이상의 소유자가 인수한 다음 공장이나 공장으로 성장할 수 있습니다. 모든 공예에서 점점 더 복잡하고 에너지 집약적인 기계 및 메커니즘의 출현, 특히 과학적 성과의 참여로 공예가 산업으로 성장했습니다. 복잡하고 수많은 기계와 메커니즘, 지식 집약적 프로세스의 존재는 바로 어업이 끝나고 산업이 시작되는 선입니다. 여기에 대한 예는 19세기 러시아에서 이전에 주로 직조 협동조합으로 구성된 전형적인 정착지였던 Ivanovo가 수많은 직조 공장이 있는 도시로 변모한 것입니다. 또한 현대적이고 과학적인 프로세스를 더욱 많이 활용하면서 Ivanovo는 섬유 산업러시아에서. 다음은 생산량 증가, 복잡성 증가, 사용 장비 수 증가, 그리고 과학의 참여를 통해 공예가 산업으로 "진화"된 몇 가지 다른 예입니다.

• 베이킹과 제분은 각각 식품 산업의 일부가 되었습니다.
• 신발 제조는 수년에 걸쳐 신발 산업으로 발전했습니다.
• 직조와 방적 공예가 함께 섬유 산업을 탄생시켰습니다
• 재봉이 의류산업으로 발전하다
• 대장장이는 금속 가공과 관련된 여러 산업의 조상이되었습니다.

그럼에도 불구하고 많은 공예가 그들이 탄생한 산업과 함께 계속 존재하고 있으며, 해당 산업에 많은 전문가가 채용되는 전문적인 환경을 조성하고 있다. 예를 들어, 높은 자격을 갖춘 목수나 제화공은 가구나 신발 산업에서 자신의 잠재력을 활용합니다.

구식 공예품에 대한 일상적인 아이디어 현대 사회그 현상은 기만적이다. 그리고 우리 시대에도 새로운 공예품이 계속 등장하고 있습니다. 해당 영역에서 정보 기술개발이 시작되면서 소셜 네트워크 SMM 전문가 또는 더 흔히 커뮤니티 관리자라고 불리는 기술이 등장했습니다. 그런 새로운 공예품적어도 12개는 셀 수 있습니다.

그러나 우선, 수세기와 많은 어려움을 거쳐 대대로, 주인에서 주인으로, 아버지에서 아버지로 전해지는 이러한 예술 작품이 Rus의 어디에서 왔는지 알아내는 것이 가치가 있습니다. 아들아, 민예품이 우리 시대에 이르렀구나!

Trans-Volga 지역의 고대 숲에있는 Uzola 강에는 Novopokrovskoye, Khryashi, Kuligino, Semino와 같은 고대 러시아 마을이 있습니다. 이곳은 세계적으로 유명한 곳이다 호클로마 어업. 이 마을에는 아버지, 할아버지, 증조부의 전통을 이어가며 나무 접시를 그리는 대가들이 오늘날에도 여전히 살고 있습니다.

단, 출현 시간을 설정 호클로마 그림연구자들은 아직 성공하지 못했습니다. 결국 나무 접시와 기타 도구는 오랫동안 보관되지 않았습니다. 잦은 사용으로 인해 마모되어 사용할 수 없게 되었습니다. 버려지거나 불에 타서 새것으로 교체되었습니다. 제품이 우리에게 도착했습니다 코클로마대부분 19세기의 대가들이다. 그러나 다양한 문서 정보에 따르면 어업은 더 이른 시기, 아마도 17세기에 시작되었을 것으로 보입니다.

황금색 배경에 진사와 검은 색 페인트로 그림을 그리는 Khokhloma의 독창적 인 기술 특성은 고대 러시아 예술에서 유사점을 찾습니다.

문서에는 16세기 말과 17세기 초 Trinity-Sergius Lavra에서 손님을 맞이하는 동안 금과 진사로 장식된 나무 국자와 컵이 선물로 주어졌다고 나와 있습니다.

17세기 초 볼가 횡단 지역은 트리니티-세르지오 라브라(Trinity-Sergius Lavra)에 할당되었으며, 그중에는 코클로마. 농민들은 이 금박 접시를 보았을 뿐만 아니라, 그림을 그리는 방법도 알고 있었습니다. 그러나 Khokhloma 마스터는 자신 만의 "금 도금"방법을 가지고있었습니다. 접시를 주석 가루로 문지르고 건성유로 덮은 다음 조각 된 금박 오븐에서 가열했습니다. 건조유 높은 온도노란색으로 변했고, 그것을 통해 빛나는 주석은 금으로 변했습니다.

다음 중 하나 최고의 스승들 호클로마 그림이 공예품에 대해 다음과 같이 말했습니다. (금은 접시를 모방한 그림의 본질은 고대 러시아의 장식 예술에서 암시되었습니다... 코클로마, 아마도 이 위대한 예술에 대한 뒤늦은 반성이었을 것입니다...)

19세기에는 어업이 크게 성장하여 국내 시장뿐만 아니라 중앙아시아와 서유럽 국가에도 대량으로 상품을 공급했습니다. Nizhny Novgorod 지방의 Semenovsky 및 Balakninsky 지역, Makarinsky 및 Varnavinsky-Kostroma 지방의 여러 마을이 요리 및 기타 가정 용품 생산에 참여했습니다. 그중에는 분업 같은 것도 있었어요. 한 마을에서는 목재를 가공했고, 다른 마을에서는 디자인을 적용했습니다.

초기 작품 코클로마러시아 박물관 소장품의 연대는 19세기 후반으로 거슬러 올라갑니다. 다양한 용도로 사용되는 약 170개의 가정용품이 있습니다. 요리는 디저트 로제트와 유사한 작은 것부터 직경 70-80cm의 거대한 것까지 모든 크기의 그릇과 컵으로 표현됩니다. 다양한 공급자와 소금 통 및 다양한 숟가락.

저렴한 일상 요리는 펠트 천이나 비옷 버섯으로 만든 특수 스탬프를 적용한 단순한 패턴으로 구별할 수 있습니다. 이들은 나선, 다이아몬드, 작은 장미 및 잎입니다.

더 비싼 품목은 브러시를 사용하여 손으로 칠하여 허브 패턴의 다양한 구성을 만들었으며 약간 구부러진 얇은 빨간색과 검은 색 나뭇 가지와 무성한 깃털 풀잎이 리드미컬하게 결합되었습니다.

때로는 빨간색과 검은 색의 푹신한 풀이 큰 곱슬 줄기의 주요 장식 모티브를 보완했으며 각 컬은 붉은 열매로 끝났습니다.

1960년대에는 멀티 아이템 세트와 서비스가 생산되기 시작했다.

현대 Khokhloma는 우리나라뿐만 아니라 국경 너머에서도 널리 인정을 받았습니다. 밝게 칠해진 수저 세트, 컵, 스푼, 가구 등이 가장 큰 규모의 여러 전시장에 전시되어 있습니다. 국제 전시회. 그리고 이 독특하고 쾌활한 예술은 항상 모든 국적의 사람들 사이에서 사랑과 이해를 찾습니다.

모스크바 지역에 마을이 있습니다 조스토보, 주민들은 150 년이 넘는 시간 동안 단 한 가지, 즉 트레이를 장식하는 기술을 마스터했습니다. 민화 화가들의 손길을 거쳐 이 물건은 예술 작품의 특성을 갖게 되었습니다. 부케로 수집하거나 반짝이는 검정색 배경에 자유롭게 펼쳐 놓은 정원과 야생화가 쟁반을 장식하고 사람들에게 영혼의 기쁨, 자연의 영원한 꽃의 시를 선사합니다. 결국 자연을 사랑하지 않는 사람, 꽃과 그 아름다움, 향기, 그 안에 담긴 위대한 생명의 힘에 무관심한 사람은 거의 없습니다. 이 주제는 모든 사람에게 가깝기 때문에 팬이 너무 많습니다. 조스토보우리나라뿐만 아니라 해외에서도 인재를 찾고 있습니다.

그리고 옛날 옛적에 19세기 초에 조스토보 Papier-Mâché 제품 생산을위한 첫 번째 작업장 인 상인 Philip Nikitievich Vishnyakov는 자신이 새로운 공예품을 설립했으며 결국 러시아의 독특한 중심지 중 하나가 될 것이라고 의심조차하지 않았습니다. 민속문화. 장식화의 독창적인 예술은 가정용품에 대한 민화의 전통과 정물화의 이젤화를 통합하여 민속 예술가들이 자신만의 방식으로 이해하고 재작업한 독창적인 예술로 발전했습니다. 첫 번째 트레이는 종이로 만든 마셰로 만들어졌으며 상자, 스너프 상자, 빈티지 상자 및 상자도 함께 제작되었습니다. 처음에 그들을 장식 한 그림은 판화와 그림으로 그린 ​​풍경, 여름과 겨울 말 삼인조, 테이블에서의 다과회와 같았습니다. 필드 중앙의 검은색 바탕에 배치되어 인물의 실루엣과 국지적 색점을 선명하게 읽을 수 있었습니다.

1830년대에는 트레이가 조스토보금속으로 만들어지기 시작했습니다. Papier-Mâché를 더 내구성이 뛰어난 소재로 대체하려는 아이디어는 18세기에 유명한 생산 중심지였던 Nizhny Tagil의 Zhostovo 트레이에서 영감을 받았습니다. 19세기에는 타길에서 우랄 민속 그림 도구의 특징인 꽃 무늬로 장식된 쟁반이 만들어졌습니다.

트레이 생산의 또 다른 유명한 센터는 상트 페테르부르크였습니다. 다양한 조개 껍질 사이에 꽃, 과일, 새를 묘사한 곱슬 모양과 복잡한 패턴의 쟁반과 기발한 컬이 이곳에서 유행했습니다.

조스토보거장들은 니즈니 타길(Nizhny Tagil)과 상트페테르부르크 화가들의 경험을 고려했지만, 자신들이 좋아하는 스타일과 기법을 사용했을 뿐만 아니라, 이를 바탕으로 트레이 장식을 위해 자신만의 독특한 스타일과 개성을 창조했습니다. 1870~1880년대에 발전했습니다.

이때 수요는 쟁반도시에서. 선술집, 술집 및 호텔에서는 트레이가 의도된 목적과 실내 장식으로 사용되었습니다. Zhostovo의 트레이 생산은 점차적으로 Papier-Mâché의 래커 미니어처에서 분리되었습니다. 모스크바, 상트 페테르부르크 및 기타 지역에서 판매용 트레이를 생산하는 많은 작업장이 생겼습니다. 그때부터 지금까지 조스토보주변 마을은 이 독특한 예술의 일종의 보호 구역입니다.

수집 Zhostovo 트레이러시아 박물관에는 작습니다. 그러나 여기에는 공예 생활의 다양한 기간에 공연되었으며 당시 예술의 특성과 수준을 명확하게 반영하는 일류 작품이 포함되어 있습니다.

가장 유명한 작품 중 하나는 자개 그림으로 장식된 타원형 쟁반이다.

거의 모든 골동품 트레이에는 해당 트레이가 제작된 작업장의 표시가 있습니다. 이 표시를 통해 작업장 소유자의 이름을 알 수 있으며, 이를 통해 트레이 생성 시간을 확인할 수 있습니다.

모스크바에서 북동쪽으로 50-60km 떨어진 Ramensky 지역의 Yegoryevskoye 고속도로를 따라 24개의 아름다운 마을과 작은 마을이 서로 합쳐져 있습니다.

그젤- 마을 중 하나의 이름 - 독특한 예술과 민속 공예의 상징인 전체 지역의 집단이 된 이전 볼로스트 센터.

그젤(Gzhel)은 이곳에서 제작된 고도로 예술적인 작품에 붙여진 이름입니다. 도자기, 흰색 바탕에 코발트로 칠해져 있습니다.

그젤 1339년 Ivan Danilovich Kalita의 영적 편지에서 서면 출처에서 처음 언급되었습니다. 그 이후로 수세기에 걸쳐 가장 수익성이 높은 볼 로스트 중 하나로 통과되었습니다. 그젤모스크바의 위대한 왕자와 왕의 가족의 상속으로 상당한 수입을 얻었습니다.

16세기에 Gzhel 주민들은 잉여 가정용품을 모스크바로 운반했고, 일부는 일을 위해 그곳에 머물렀습니다. 그들은 또한 모스크바 박람회와 경매에도 참석했습니다. 경매에서 우리는 러시아의 다른 지역, 다른 나라의 장인이 수입한 제품에 대해 알게 되었습니다.

농민 공예와 무역을 기반으로 Gzhel의 새로운 유형의 농민 인구가 점차 등장했습니다.

18세기 70~80년대 그젤러시아 예술 마졸리카 생산의 중심지가 됩니다. 사실 1724년 Afanasy Grebenshchikov 제조소가 문을 연 이후 많은 Gzhel 주민들이 그곳에서 도예가로 일했습니다. 정통하고 효율적인 그들은 새로운 마졸리카 제품 생산의 비밀을 빠르게 파악하고 고국으로 돌아와 원시적이지만 수많은 새로운 단조를 시작하고 이전과 마찬가지로 일반 황토로 제품을 만들었을뿐만 아니라 새로운 기술다른 유형의 점토와 광물 첨가제가 혼합된 흰색 덩어리.

원래의 그젤 제품끊임없이 수요가 있었습니다. 수공예 농민들은 새벽부터 황혼까지 일하면서 점토를 다루고 일상 생활에 필요한 물건을 만들었습니다. 그들 각각은 자신만의 스타일을 가지고 있었고, 제품을 만들 때 주변 세계에 대한 자신만의 비전을 제시했습니다. 접시와 장난감의 가치는 구매자의 취향에 따라 결정되고 수요에 따라 결정됩니다. Gzhel 제품의 인기는 당시 사람들의 실용적인 목표와 예술적 취향을 충족하는 요구 사항을 충족했음을 의미합니다. 18세기 중반 러시아에서는 도자기 생산이 매우 빠르게 발전하기 시작했지만 Gzhel 제품은 끊임없이 수요가 있었습니다. 여기에서 도자기 생산은 Kolomenskaya, Serpukhovskaya 및 모스크바 지방의 기타 지역으로 퍼집니다.

18세기 말은 번영의 시대였다. 그젤 마졸리카; 지역 장인들은 주전자, 금간, 크바스 제조에 특히 뛰어난 기술을 습득했습니다. 이 작업에는 엄청난 인내와 기술이 필요했습니다. 이 그림은 흰색 에나멜로 덮인 부드럽고 굽지 않은 조각 위에 그려졌기 때문에 수정이나 변경이 허용되지 않았습니다. Gzhelians는 또한 그들의 삶의 전형적인 장면, 유머로 가득 찬 구성, 군인, 농민 여성, 패셔니 스타 및 멋쟁이가 바쁘게 움직이는 작은 마졸리카 조각품을 별도로 제작했습니다. 줄거리는 표현력이 풍부하고 이해하기 쉬웠으며 계획의 명확성과 창작자 인 단순한 민속 공예가의 순진함으로 매료되었습니다.

수십 년 동안 Gzhel 주민들은 스토브와 벽난로를 장식하기 위해 놀라운 아름다움의 타일과 다양한 그림을 만들었습니다. Hermitage는 현재 컬렉션에 500개 이상의 샘플을 보관하고 있습니다.

많은 그젤 마스터러시아의 다른 지역에서 도자기 제작에 참여했습니다.

그들은 18세기 말에 Gzhel을 반파엔스로 만들려고 노력했습니다. 해외에서 수입한 이 재료로 만든 물건은 너무 비싸서 소수만이 구입할 수 있었지만 무의식적으로 Gzhel 주민들이 생산 기술을 습득하도록 강요했습니다.

Semi-faience에는 이미 두꺼운 파편이기는하지만 흰색이 있었고 마졸리카 제품과 같이 원시 에나멜이 아니라 소성 후 단단한 파편에 페인팅이 수행되어 작업 속도가 크게 향상되고 결함이 가속화되었습니다.

세미파앙스(Semi-faience)는 마졸리카만큼 놀라운 예술적 현상이 되었습니다. Gzhel 주민들은 19세기 초에 토기와 유사한 흰색 식기를 획득했습니다. Gzhel 사람들은 점토에 석회를 첨가하여 단순 파앙스(simple faience) 또는 세미 파앙스(semi-faience)라는 재료를 얻었고, 19세기에는 그 재료로 수만 개의 필수 가정용품을 만들었습니다.

그젤 사람들이 자신만의 독특한 코발트 회화 스타일을 발전시키는 데는 시간이 걸렸지만 점차 반쯤은 완성도에 이르렀습니다. 파란색은 Gzhel semi-faience와 분리할 수 없는 클래식한 색상이 됩니다. 이것은 이전에 마졸리카에서 사용되었던 윤곽선 그리기를 다색 채색으로 대체한 새로운 시각적 회화 언어였습니다. 파란색 페인트는 유약과 가장 잘 결합되고, 소성 시 결함이 덜 발생하며, 시대를 초월한 광채를 발산합니다. 그림에는 사물의 인간화와 영성화 요소도 포함되어 있습니다.

19세기 중반쯤 그젤국내 최대 세라믹 제품 공급업체였습니다.

19세기 후반에 러시아 도자기 생산에 중대한 변화가 일어났습니다. 이제 대규모 기계화 공장이 선두에 있습니다. 경제적인 생산, 고품질 제품, 적당한 가격 덕분에 판매 시장에서 승리할 수 있었습니다.

1926년에는 도자기 및 토기 산업에 종사하는 근로자 수가 그젤스카야지역에는 506명이 있었습니다.

Gzhel 파트너십은 1972년 서로 다른 마을의 6개 소규모 작업장이 합병된 결과로 만들어졌습니다.

Zhirovo 마을에서는 도자기 벽난로, Troshkovo 및 Fenino 마을에서는 도자기와 마졸리카 요리를 생산합니다. Fenino 마을에는 이탈리아 회사와 함께 타일 및 타일 생산을 위한 생산 시설이 건설되고 있습니다. Kolomino-Fryazino 마을에서는 도자기 장난감을 만들고 현대 생산 Turygino와 Bakhteevo 마을에는 예술 도자기 생산의 주요 중심지가 있습니다.

그젤 마스터조상의 전통을 깊고 신성하게 보존하고 창의적으로 발전시키고 증식시킵니다. 현대의 도예가들이 만들어낸 반동화의 세계 그젤, 과거의 예술과 현재의 예술 사이에 명확한 선을 긋는 것은 어렵습니다. 수세기 전에 러시아 국민의 영혼 속에 일어난 봄은 마르지 않습니다. 수세기의 시간을 거쳐 그는 아직강력한 미적 힘으로 남아 있으며 순수성을 잃지 않습니다. 민속 공예가의 전통의 연속성과 그들에 대한 충성심은 우리 시대 Gzhel 도자기의 성공과 인기의 씨앗입니다.

이야기 그젤수세기 전으로 거슬러 올라갑니다. 민속 예술장수할 운명의 유명한 민속 공예품이 오늘날 새로운 힘을 얻고 있습니다. 그젤의 파랑새는 사람들의 삶을 꾸미고 미의식을 기르기 위해 지구의 여러 곳으로 날아갑니다.

고대부터 Rus'에서는 자작나무 껍질그들은 집안에 필요하고 편리한 물건을 만들었습니다. 바구니와 상자를 엮었습니다. 그리고 자작나무 껍질 화그들은 꿀과 베리, 사워 크림과 버터를 저장했습니다. 이러한 "포장"에서는 모든 것이 오랫동안 신선하게 유지되었습니다.

그리고 또한 자작나무 껍질했다 관그리고 관, 모든 종류의 상자, 접시, 심지어 인피 신발까지. 그들은 밝고 쾌활한 색상으로 칠해졌습니다. 그들은 꽃과 열매, 녹색 나뭇 가지와 멋진 새, 알려지지 않았거나 잘 알려진 동물을 그렸습니다. 때로는 주인의 붓 아래에서 실제 그림이 탄생하기도 했습니다. 익살꾼들이 발랄라이카를 연주하고, 곰들이 춤을 추었습니다... 아름다운 패턴과 화려한 장식에서 눈을 뗄 수 없습니다...

– 날카로운 칼로 얇은 레이스 패턴을 자르기에 탁월한 소재입니다. 이 아름다움은 숙련된 레이스 장인이 엮은 것 같습니다. 이러한 투각 자작나무 껍질 "레이스"는 관, 관, 분말 콤팩트 및 상자, 꽃병 및 컵을 장식하는 데 사용되었습니다. 그리고 기발한 패턴과 디자인을 강조하기 위해 장인들은 때때로 자작나무 껍질 "레이스" 아래에 컬러 호일이나 운모 조각을 배치했습니다.

그들은 또한 특별한 우표를 사용하여 자작나무 껍질에 패턴을 새겼습니다. 이것을 엠보싱이라고 합니다. 이 방법은 그것으로 만든 제품을 특히 우아하게 만들었습니다.

오랫동안 다양한 가정용품 및 예술품 제조에 사용되어 왔습니다. 오늘까지 이르렀다 자작나무 껍질 편지, Veliky Novgorod 및 러시아의 다른 도시 발굴 중에 발견되었습니다. 자작나무 껍질 제품은 그림, 조각, 엠보싱으로 장식되었습니다.

자작나무 껍질 거래우리나라 전역에 널리 퍼졌습니다. 자작나무 껍질로 예술 제품을 만드는 전통은 러시아 유럽 지역의 북부 및 북동부 지역, 볼가 지역, 시베리아 및 야쿠티아에서 보존되어 왔습니다.

그리고 오늘 XXI에서는 세기가 지나도 고대 민속 공예품과 조상의 예술에 대한 관심은 사라지지 않았습니다. 우리에게 아름다움을 선사해주신 스승님들의 재능에 감탄합니다. 그리고 그것이 금과 은으로 만들어진 것이 아니라 평범하고 겸손하지만 마법의 자작 나무 껍질로 만들어 졌다는 것은 전혀 중요하지 않습니다.

기원 메젠 그림아직도 미스터리로 남아있습니다. 일부 연구자들은 그것을 코미 공화국의 그림과 비교하고 다른 연구자들은 그것이 고대 그리스 이미지에서 유래했다고 믿습니다. 회화 연구원 V.S. 예를 들어 Voronov는 이에 대해 다음과 같이 말했습니다. "이것은 고대 그리스 스타일의 가장 깊은 잔재를 요소에 보존하여 두꺼운 레이스로 나무 물체의 표면을 덮는 장식품입니다." 메젠 그림이 나타난 지 아마도 100년 이상이 지났기 때문에 우리 시대에 이것을 확립하는 것은 매우 문제가 됩니다. 1904년에 알려졌지만 물론 그림은 훨씬 더 일찍 시작되었습니다. 그림의 특이한 성격, 그림의 성격, 말과 새의 이미지에 대한 원시적이고 전통적인 해석은 연구자들이 이웃 북부 민족의 예술과 암벽화에서 메젠 그림의 기원을 찾도록 장려합니다. V.S. 러시아 여러 지역의 나무 민화 스타일을 연구한 보로노프는 메젠을 "신비하고 호기심이 많은" 작품으로 꼽으며 고대 그리스 스타일과의 연관성을 지적했습니다.

이 유형의 그림의 기원은 메젠 강 하류로 이어집니다. 아르한겔스크 지역. 다양한 그림을 그리는 데 사용되었습니다. 가정용품- 물레, 국자, 상자, 상자, 관. 19세기말부터 팔라쉬첼리에(Palashchelye) 마을이 메젠회화의 중심지가 되었기 때문에 메젠목화라고도 불린다. "궁궐 그림".

영역 메젠 그림매우 광범위합니다. Vashka가 있는 Mezen 분지 외에도 서쪽에는 Pinega 지역과 북부 Dvina 하류에서 Onega 반도까지, 동쪽에는 Izhma 및 Pechora 분지가 포함됩니다. 여기에서는 Palashchelye뿐만 아니라 다른 마을에서도 Mezen 그림이 있는 물레를 찾을 수 있습니다.

대부분의 경우 Mezen 그림은 사슴, 말, 사람의 모습을 묘사했지만 사람의 실루엣만 그려졌습니다. 이 그림의 모든 것이 단순하고 간결하다는 사실에도 불구하고 그림으로 전체 에세이를 작성하고 기호로 일종의 메시지를 전달할 수 있습니다. 결국, 요소, 발광체, 지구, 가족의 보호 및 보충에 대한 많은 징후가 있습니다. 해독을 알면 각 작품을 읽을 수 있습니다.

기본적으로 옛날에는 물레를 그렸습니다. 메젠 물레정말 독특했어요. 첫째, 일반 물레가 바닥, 라이저 및 칼날의 세 부분으로 구성된 경우 Mezen에서는 물레를 일체형으로 만들어 뿌리가 바닥이 될 수 있는 나무를 선택했습니다.

둘째, 그림 자체가 독특했습니다. 과학자들은 매우 엄격하게 묘사된 물레의 앞부분이 기하학적 패턴을 사용하여 하늘, 땅, 지하세계의 세 부분으로 나누어져 있다고 믿습니다. 새와 소위 "창"이 하늘에 묘사되어 하나님과 소통 할 수있었습니다. 그런 다음 줄지어 늘어선 말과 사슴 또는 나무가 묘사되었으며, 종종 머리 꼭대기에 새가 앉아 있었습니다. 지하 세계에는 사슴과 말도 그려져 있지만 검은 색 페인트로 음영 처리되었습니다. 그리고 뒷면에는 레벨을 엄격하게 유지하는 아티스트가 "내가 사랑하는 사람에게 선물합니다."와 같은 비문을 만들 수 있습니다. 비슷한 메시지가 적힌 물레는 결혼이나 아이의 탄생을 위해 남편이 아내에게 선물한 것입니다. 그건 그렇고, 남자들만이 그림에 참여하여이 예술을 대대로 물려주었습니다.

전통적으로 메젠 페인팅으로 칠해진 물체에는 빨간색과 검정색(그을음과 황토색, 나중에는 빨간색 납)이라는 두 가지 색상만 있습니다. 그림은 특별한 나무 막대기(바이스), 케이퍼칼리 또는 검은 뇌조 깃털, 또는 사람 머리 브러시를 사용하여 프라이밍되지 않은 나무에 적용되었습니다. 그런 다음 제품이 건조되어 황금색을 얻었습니다. 현재 브러시가 더 자주 사용되기 시작한 것을 제외하고는 일반적으로 Mezen 페인팅의 기술과 기법이 보존되었습니다. 약간의 내부 차이 현대 메젠 회화초기에는 남성만이 그림을 그렸는데, 요즘에는 여성이 더 많이 그린다는 점에서도 옛날 방식을 느낄 수 있습니다.

이제 Mezen 회화는 거의 모든 러시아 전역에서 실행되고 있으며 일부 학교에서는 미술 커리큘럼에 포함되어 있습니다.

발랄라이카 - 러시아 민속세줄 뽑아낸 악기, 삼각형의 나무 몸체 모양. 발랄라이카러시아의 필수적인 음악적 상징이 되었습니다. 발랄라이카의 기원에 대한 역사는 수세기 전으로 거슬러 올라가며 명확하지 않습니다. 어떤 사람들은 이 도구가 Rus에서 발명되었다고 믿는 반면, 다른 역사가들은 다음과 같이 주장합니다. 발랄라이카의 역사키르기스-카이삭 민속악기인 돔브라(dombra)에서 유래되었습니다. 같은 단어 "발랄라이카"많은 추측과 논란을 불러일으키고 있습니다. 가장 기본적인 가설은 "발랄라이카"라는 단어가 대화, 빈 반지를 의미하는 balacat, balabonit, balabolit, balagurit와 같은 단어와 동일한 어근을 가지고 있다는 것입니다. 이 모든 단어는 이 민속 악기의 독특함을 전달합니다. 가볍고, 재미있고, "스트러밍"하고, 그다지 심각하지 않습니다.

대부분의 역사가들은 이렇게 생각합니다. 발랄라이카 1715년경에 발명되었지만 많은 것들이 있습니다. 역사적 문서예전 얘기 발랄라이카 창조의 역사. 발랄라이카에 대한 최초의 서면 언급은 1688년 6월 13일자 문서인 "Streletsky Prikaz에서 Little Russian Prikaz까지의 추억"에 포함되어 있습니다. 발랄라이카. 다음 추적 문서 발랄라이카의 역사, 1715년으로 거슬러 올라갑니다. 이것은 1715년으로 거슬러 올라가는 피터 1세의 서명이 있는 "등록부"입니다. 상트페테르부르크에서 "왕자 아빠" N. M. 졸로토프의 광대한 결혼식을 축하하는 동안 머머들이 들고 다니는 다른 악기들 외에 4개의 발랄라이카 명명되었습니다.

아직 발랄라이카그녀의 다양한 시기를 경험했다 이야기. 이제 이 민속 악기는 잊혀졌는데, 그렇다면 새로운 힘모든 마을과 마을에서 인기를 얻었습니다. 러시아 사람들이 이 악기의 소리에 그토록 매료되는 이유는 무엇일까요?아마도 이러한 명랑하고 쿵쿵거리며 가볍고 재미있는 소리는 우리 조상들이 농민 생활의 모든 어려움을 잊는 데 도움이 되었거나 아마도 이 소리가 Rus의 삶의 모든 본질을 전달했을 것입니다. 이제 발랄라이카의 소리를 듣고 우리는 쉽게 볼 수 있습니다 우리 조상의 눈으로 역사를 살펴봅니다. 이 독특함에 어떤 우여곡절이 기다리고 있을지 누가 ​​알겠습니까? 러시아 민속 악기그러나 이제 우리는 발랄라이카가 전 세계에서 가장 잘 알려져 있다고 자신 있게 말할 수 있습니다. 러시아 민속 악기.

민속 예술과 공예- 집단 경험을 바탕으로 한 민속 공예가의 작품, 기념품(예: 장난감)을 생산하는 작품을 포함하여 지역 문화 전통을 발전시키는 미술 워크숍.

선박- 작업자의 개인적인 기술인 수공구 사용을 기반으로 하는 소규모 수동 생산으로 미적 측면뿐만 아니라 실용적인 적용도 가능한 고품질, 종종 고도로 예술적인 제품을 생산할 수 있습니다.

예술적 공예- 집단적 경험, 노동 전문 기술 문화 및 다양한 재료(가죽, 금속, 목재 등)의 예술적 가공을 위한 기술 기술을 기반으로 합니다.

민속 예술과 공예다양한 제품을 보유하고 있습니다. 민속 예술과 공예는 기본적인 필수품이 만들어진 덕분에 고대부터 가정 공예품과 마을 공예품으로 거슬러 올라갑니다. 농촌 공예품은 고대부터 알려져 왔으며 실제로 인류에게 새로운 도구와 가정 용품이 필요한 순간에 나타났습니다. 지역과 지역, 민족마다 문화와 예술이 다르기 때문에 공예도 달랐습니다.

제품이 고려됩니다 민속 공예생산 과정이 산업 또는 공장 유형의 자동화 또는 대량 생산에 투입되지 않는 한. 민속 예술과 공예품 중 하나 또는 다른 유형의 예술 제품을 만드는 기술은 대대로 이어졌습니다.

러시아의 러시아 민속 공예품

페도스키노 미니어처- Papier-Mâché에 유성 페인트를 칠한 전통 러시아 래커 미니어처 그림의 일종으로, 18세기 말 모스크바 근처 Fedoskino 마을에서 발전했습니다. Fedoskino 소형화가들이 가장 좋아하는 그림 주제는 당시 인기 있는 주제였습니다. 셋", "티 파티", 러시아와 리틀 러시아 농민 생활의 장면. 가장 가치있는 관그리고 관, 복잡한 다중 그림 구성으로 장식됨 - 사본러시아와 서유럽 예술가들의 그림.

"페도스키노 래커 미니어처"는 셰이딩(구성의 일반적인 스케치), 쓰기 또는 다시 페인팅(더 자세한 작업), 글레이징(투명 페인트로 이미지 모델링) 및 하이라이트(마무리)의 3~4개 레이어로 구성된 유성 페인트로 칠해집니다. 피사체에 하이라이트를 전달하는 가벼운 페인트로 작업하십시오). 원래 Fedoskino 기술은 "스루 라이팅(through-writing)"입니다. 반사 재료(금속 분말)를 페인팅하기 전에 표면에 적용합니다. 금박또는 금박또는 인서트는 다음에서 만들어집니다. 진주의 어머니. 투명 레이어를 통해 표시 글레이즈이러한 라이닝은 이미지 깊이와 놀라운 글로우 효과를 제공합니다. 미니어처 그림 외에도 제품은 "선조"(젖은 바니시 위에 깔린 원하는 모양의 호일 미니어처 조각 장식), "tsirovanka"(시트 위에 놓인 바니시의 패턴을 사용하여 디자인 긁기)로 장식됩니다. 제품 표면의 금속), "타탄"(자를 사용하여 드로잉 펜을 사용하여 액체 페인트를 적용한 복잡한 메쉬) 등

Zhostovo 페인팅, 페인팅은 일반적으로 검정색 배경(때때로 빨간색, 파란색, 녹색, 은색)에서 수행되며 마스터는 한 번에 여러 트레이에서 작업합니다.

그림의 주요 모티브는 넓은 정원과 작은 야생화가 번갈아 피어나는 단순한 꽃다발이다.

목적에 따라 트레이는 가정용(사모바르, 음식 제공용)과 장식용의 두 그룹으로 나뉩니다.

트레이의 모양은 원형, 팔각형, 결합형, 직사각형, 타원형 등입니다.

Palekh 미니어처, Palekh 미니어처의 전형적인 주제는 일상 생활, 고전 문학 작품, 동화, 서사시 및 노래에서 차용되었습니다. 작품은 일반적으로 검정색 바탕에 템페라 물감을 사용하고 금색으로 칠합니다.

Dymkovo 장난감, Dymkovo 장난감은 수제 제품입니다. 각 장난감은 한 명의 주인이 만든 것입니다. 모델링부터 페인팅까지 장난감을 만드는 일은 결코 반복되지 않는 독특하고 창의적인 과정입니다. 두 개의 완전히 동일한 제품은 없으며 그럴 수도 없습니다. 각 장난감은 독특하고 독특하며 흉내낼 수 없습니다.

생산을 위해 지역의 밝은 빨간색 점토가 사용되며 고운 갈색 강 모래와 완전히 혼합됩니다. 인물은 부분적으로 조각되었으며, 개별 부분은 액상 황토를 결합 재료로 사용하여 조립 및 조각되었습니다. 몰딩 흔적을 매끄럽게 처리하여 매끄럽고 깔끔한 표면을 연출합니다.

2~50일 동안 완전히 건조하고 700~800도에서 소성한 후 장난감을 템페라 흰색으로 2~3겹으로 덮습니다(이전에는 우유에 희석한 분필을 사용하여 표백했습니다). 이전에는 브러시 대신 막대기와 깃털을 사용하여 계란과 크바스를 섞은 템페라 페인트로 장난감을 칠했습니다. 페인트 칠한 장난감을 다시 계란으로 덮어 색이 바랜 아닐린 페인트에 빛과 밝기를 부여했습니다. 오늘날에는 아닐린 염료와 소프트 코어 브러시가 페인팅에 사용됩니다. 빨간색, 노란색, 파란색, 녹색, 주홍색이 많은 넓은 범위를 사용하면 Dymkovo 장난감에 특별한 밝기와 우아함이 부여됩니다. 엄격한 기하학적 장식은 다양한 구성 방식에 따라 만들어졌습니다. 셀, 줄무늬, 원, 점이 다양한 조합으로 적용됩니다. 패턴 위에 금박이나 금박으로 만든 다이아몬드 장난감을 붙여 장식을 완성합니다.

가장 일반적인 주제는 아이들이 있는 유모, 물 운반선, 황금 뿔이 달린 숫양, 칠면조, 수탉, 사슴 그리고 물론 젊은이, 어릿광대, 숙녀입니다.

하프톤과 눈에 띄지 않는 전환은 Dymkovo 장난감과는 거리가 멀습니다. 그 모든 것은 삶의 기쁨에 대한 느낌이 넘쳐흐르는 것입니다. 그녀는 특히 Vyatka 강 정착지의 형제 자매들과 가까운 쌍으로 또는 다른 사람들과 그룹으로 활동하는 데 능숙합니다.

Kargopol 장난감 장인은 특별한 의미를 부여하지 않고 점토 잔해로 장난감을 조각했습니다. 점토 말, 마구, 사람과 동물의 인형은 저렴했고 특별히 수요가 없었으며 돈을 벌기보다는 자신의 즐거움을 위해 더 많이 조각되었습니다. 처음에는 접시와 같은 장난감이 "화상"이었습니다. 소성 후, 뜨거운 제품을 두꺼운 밀가루 용액인 "채터박스"에 담갔습니다. 탄 밀가루는 그릇이나 장난감의 밝은 표면에 검은색 레이스 패턴을 남겼습니다. 긁힌 고풍스러운 장식품으로 장식된 이러한 장난감은 예술성이 없어 석기 시대 예술가들의 작품을 더 연상케 했습니다. 더 비싼 유약 접시와 장난감도 만들어졌습니다. 1930년대 초, 도자기 산업은 점차 쇠퇴했고, 장난감 생산도 더 일찍 중단되었습니다. 소수의 장인만이 계속해서 만들었습니다.

오늘날까지 살아남은 가장 초기의 Kargopol 장난감은 1930년대~1940년대에 일했던 Ivan Virenturg와 Ekaterina Abdulaeva Druzhinin의 작품으로 간주될 수 있습니다. 이들은 주로 석회, 그을음 및 유색 점토로 칠해진 농민과 여성의 단일 인물입니다. 그들은 대략적으로 조각되었으며, 평평한 얼굴과 전체적인 체형 및 의복의 세부 사항은 고대 석조 여성을 연상시킵니다. 그림의 그림은 타원, 원, 십자가, 반점을 결합하여 고대 장식 모티프를 연상시킵니다.

현대 Kargopol 장난감은 덜 구식입니다. 오늘날의 거장들은 전통적인 형태를 유지하면서 더 우아하게 만들고 때로는 세부 사항을 더 명확하게 강조하며 유화와 템페라를 아낌없이 사용하되 과도한 변종을 피합니다. 인간 형상 외에도 Kargopol 주민들은 말, 소, 곰, 사슴, 동화 및 서사시의 영웅을 조각합니다. Kargopol 장난감에서 가장 인기있는 캐릭터 중 하나는 Polkan이었습니다. 반 말, 반 남자 (원래 반 남자, 반 개), 두꺼운 수염, 명령 및 견장 착용. 다른 동화 속 영웅들 중에는 사자, 시린 새, 머리가 두 개 달린 말이 있습니다.

Kargopol 장난감 제작자들은 전통을 유지하면서 작품의 새로운 형태와 주제를 고안합니다. 이것이 트로이카, 수레, 사냥 등 다중 그림 구성이 나타난 방식입니다. 그들은 석회암 배경에 유색 점토로 그린 희미한 패턴이 아니라 밝은 템페라 그림으로 장식되어 있습니다.

Abashevskaya 장난감 - 휘파람, 동물을 묘사하고 종종 환영 같은멋진 모습. 조각상은 짧고 넓은 간격의 다리와 길고 우아한 목을 가진 길쭉한 몸체를 가지고 있습니다. 세심하게 조각된 작은 머리에 깊게 긁힌 눈이 돋보인다. 염소, 사슴, 숫양의 머리에는 곡선형, 때로는 다층 뿔이 장식되어 있습니다. 무성한 앞머리, 곱슬 수염 및 갈기가 명확하게 모델링되어 있으며 스택으로 윤곽이 잡힌 윤곽은 엄격한 패턴과 높은 부조를 가지고 있습니다.

휘파람은 가장 예상치 못한 조합으로 파란색, 녹색, 빨간색과 같은 밝은 에나멜 색상으로 칠해져 있습니다. 뿔과 같은 개별 세부 사항은 은색이나 금색으로 칠할 수 있습니다. 때때로 그림의 일부는 도색되지 않은 채로 남아 있으며 눈에 띄는 에나멜 점과 뚜렷하게 대조됩니다. 평범한 애완동물도 주인의 손에 의해 멋진 생명체로 변신합니다.

Abramtsevo-Kudrinskaya 조각, 나무 조각의 예술적 공예,

Kudrinskaya 작업장에서는 특별한 스타일의 장식 조각이 형성되었고 평면 부조 조각과 기하학적 조각의 성공적인 조합이 발견되었으며 실용적인 대상에 조각 장식을 유기적으로 사용하는 원칙이 확립되었습니다. Vornoskov와 그의 추종자들의 제품인 국자, 상자, 통, 소금 통, 장식 접시 및 꽃병은 리드미컬한 꽃 무늬로 덮여 있으며 나무의 자연적인 아름다움을 강조하는 다양한 색조로 구별됩니다. 꽃무늬는 농부의 조각품과 가정 장식의 예뿐만 아니라 초기 인쇄 서적의 장식용 머리장식에도 기초를 두고 있습니다. Kudrinsky 마스터의 장식 개발은 나뭇 가지, 컬, 로제트와 같은 개별 요소의 조합에서 전체 제품을 덮는 통합 장식 구성으로 진행되었습니다.

보고로드스카야 조각, 보고로드스카야 장난감- 부드러운 나무(린든, 오리나무, 사시나무)로 조각된 장난감과 조각품을 만드는 러시아 민속 공예품입니다. 그 중심은 보고로드스코예(모스크바 지역의 세르기예프-포사드 지역) 마을입니다. 보고로드스카야(Bogorodskaya) 조각은 특별한 "보고로드스카야(Bogorodskaya)" 칼("파이크")을 사용하여 수행됩니다.

다음 중 하나 고유 한 특징공예품은 항상 움직이는 장난감을 생산해 왔습니다. 가장 유명한 장난감은 "대장장이"로, 보통 사람과 곰이 교대로 모루를 치는 모습을 묘사합니다. 일부 소식통에 따르면 나이가 300년이 넘는 이 장난감은 보고로츠크 공예와 보고로즈코예 자체의 상징이 되어 마을 문장의 일부가 되었습니다.

대장장이 장난감은 300년이 넘었습니다. 대장장이 장난감은 보고로드스크 공예의 상징이 되었습니다. 판자를 옮기기만 하면 바로 빠른 작업이 시작됩니다. 인물들은 명확한 리듬으로 움직이고, 시간에 맞춰 망치가 모루를 두드립니다. 원칙적으로 "Kuznetsov"와 매우 유사한 "Chickens"장난감도 오래갑니다. Pushkin과 Lermontov 시대에 아이들이 가지고 놀았습니다. 균형이 있는 복잡한 "재미"는 아이가 자연스럽게 민감한 리듬에 대한 아이디어를 기반으로 합니다. 그들의 메커니즘 자체는 간단하지만 그들의 행동은 효과적입니다. 소리는 장난감의 역동성을 향상시킵니다.

로스토프 에나멜, 에나멜(고대 러시아어 finipt, khimipet, 중세 그리스어 χυμευτόν, χυμεύΩ와 동일 - "I mix") - 응용 예술의 일종인 금속 기판에 유리 분말, 에나멜을 사용하여 예술 작품을 생산합니다. 유리 코팅은 오래 지속되고 시간이 지나도 퇴색되지 않으며, 에나멜 제품은 특히 색상이 밝고 순수합니다.

에나멜은 금속염을 사용하는 첨가제의 도움으로 소성 후 원하는 색상을 얻습니다. 예를 들어, 금을 첨가하면 유리에 루비색이 되고, 코발트는 파란색, 구리에는 녹색이 됩니다. 특정 페인팅 문제를 해결할 때 유리와 달리 에나멜의 밝기를 음소거할 수 있습니다.

로스토프 에나멜은 러시아 민속 예술 공예품입니다. 로스토프(야로슬라블 지역) 시에는 18세기부터 존재해 왔습니다. 미니어처 이미지는 프랑스 보석상 Jean Toutin이 1632년에 발명한 투명한 내화 페인트를 사용하여 에나멜 위에 만들어졌습니다.