미술 전시회. 미술 전시회 조직의 원칙으로서의 노출주의. 업종별

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미술 전시회, 예술 작품을 공개적으로 (보통 임시로) 전시하는 것인데, 관객에게 이젤 예술을 소개하는 주요 형태입니다. 미술 전시회는 민속, 국가, 지역 간에 열릴 수 있습니다. 고정식 및 이동식; 정기(연간, 2년에 1회 개최 - 비엔날레 및 3년 - 3년마다 개최 등).

미술 전시회는 참가자 수(개인, 그룹, 집단), 구성(예술 아카데미 회원, 미술 학생)에 따라 달라질 수 있습니다. 교육 기관등) 또는 예술 단체에 속해 있습니다. 에 전념하는 미술 전시회 특정 종예술 장르(회화, 조각, 판화, 수채화, 풍경, 초상화 등), 테마(소위 주제별 미술 전시회) 및 미술 동향. 미술사에서 매우 중요한 것은 박물관 미술 전시회(창고에 보관되어 있거나 다른 박물관에서 빌린 작품, 새로운 인수 전시회 등을 포함하는 주제별 및 개인 전시회)와 개별 현상 및 미술사 기간에 전념하는 미술 전시회입니다. 전시회에는 종종 다음 장소에 저장된 작품이 포함됩니다. 다른 나라. 전시회에서 현대 미술특별위원회(심사위원)가 주제와 품질에 따라 작품을 선정하고 상을 수여합니다. 전시위원회는 모든 활동을 수행하는 더 광범위한 기능을 가지고 있습니다. 조직적인 업무(전시물 수집 및 배치, 카탈로그 출판, 견학 조직 등). 미술 전시회의 역사는 고대 그리스(기원전 6세기), 이탈리아(XV-XVI 세기), 네덜란드 및 플랑드르(XVII 세기)에서 미술 작품이 대중에게 전시되던 때로 거슬러 올라갑니다. 프랑스에서는 왕립 회화 및 조각 아카데미가 1653년부터 회원들의 작품 전시회를 조직하기 시작했습니다(1699년부터 루브르 박물관, 살롱 참조). 18세기에 다른 주의 예술 아카데미(1760년대 이후 상트페테르부르크 예술 아카데미 포함)에서 정기 전시회가 조직되었습니다. 19세기에 미술 전시회는 미술 참여의 주요 형태가되고 있습니다. 공공 생활, 이데올로기 적, 예술적 경향의 투쟁을위한 경기장입니다. 19세기 후반. 공식 미술 전시회는 비공식 미술 전시회(예: 프랑스 거부자의 살롱, 1863)와 공개 전시회 협회(예: 1892년 이후 독일 및 오스트리아 탈퇴)에 의해 반대됩니다. 20세기에는 자본주의 국가에서는 고전 및 현대 진보 예술 전시회와 함께 부르주아 이데올로기를 장려하는 광고 및 상업적 성격의 많은 미술 전시회가 개최됩니다. 베니스 비엔날레(이탈리아, 1895년 설립)와 상파울루(브라질, 1951년 이후), 카셀(독일)의 정기 전시회 "Documenta" 등 최대 규모의 정기 미술 전시회에서 다양한 현대 경향을 선보입니다. 19세기 러시아에서. 순회 전시회(1871년부터)는 가장 발전된 성격을 가졌습니다. 19세기 말부터 20세기 초까지 러시아 예술 발전의 복잡하고 모순적인 성격. 미술 전시회(예술의 세계, 러시아 예술가 연합, 다이아몬드 잭 등의 전시회) 수가 급격히 증가했습니다. 소련을 비롯한 사회주의 국가에서는 일반 대중을 대상으로 한 미술 전시회가 큰 교육적 역할을 합니다. 사회주의 예술의 발전을 반영한 최대 규모의 주제별 미술 전시회 중 : "적군 15 년"(1933), "작품 전시회" 시각 예술사회주의 국가"(1959), "세계의 수호자"(1965), 연합 기념일 미술 전시회 "소련 권력 50 주년"(1967), 연합 미술 전시회 "V.I. 레닌 탄생 100주년을 기념하여" " (1970) , "국가의 청년", "노동의 영광"(둘 다 - 1976), "우리는 공산주의를 건설하고 있습니다"(1981) - 올인

예술은 집, 거리, 박물관 등 모든 곳에서 우리를 둘러싸고 있습니다. 그러나 예술적 창의성에 대한 특별한 노출이 있습니다. 바로 전시회에 갈 수 있는 기회입니다. 전시회는 특정 기간 동안 조직된 예술 작품을 일반 대중에게 전시하는 것입니다. 크고 작은 전시회가 있습니다. 그들은 특별히 건축되거나 개조된 방과 임시로 사용되는 홀(예: 박물관 홀, 문화 궁전, 극장 로비 등)에 전시됩니다. 이러한 전시회는 과거와 현재의 거장들의 작품을 때로는 함께 보여줍니다. 화가, 조각가, 그래픽 아티스트, 건축가, 장식 및 응용 예술 예술가. 그러나 대부분의 경우 한 전문 분야의 거장 전시회가 조직됩니다. 전시회는 개별 마스터, 특정 그룹, 학교 또는 운동의 작업에 전념할 수 있습니다. 일반적으로 특정 전시회 구성의 기본 원칙은 매우 유연합니다. 작품 선택은 주제, 유형, 장르, 주제 등에 따라 수행됩니다. 국제, 국내, 지역 전시회가 있습니다(소련에서는 모두- 연합, 공화당, 지역, 도시), 고정 및 이동.

전시회를 방문하는 것은 어느 정도 극장을 방문하는 것과 비슷하지만 그 차이는 여전히 상당히 눈에 띕니다. 거기에는 공연이 있을 뿐만 아니라 여기에는 미술 작품도 있습니다. 전시회에서는 많은 사람들이 전시회 전체를 열성적으로 살펴보거나 별도의 그림이나 조각상을 살펴보거나 대화하고 토론하는 모습을 볼 수 있습니다. 개인 작품. 여기서는 예술뿐만 아니라 사람들 사이의 소통의 순간을 더욱 강하게 느낍니다.

예술 작품의 공개 전시는 고대 그리스에서 이미 알려져 있었지만 현대적인 의미의 전시 활동은 18세기 프랑스에서 시작되었습니다. 이때 예술가들이 살롱에서 작품을 선보였기 때문에 이 이름이 붙여졌습니다. 지붕 창문. 이 혁신은 대중의 큰 관심을 불러일으켰고 예술의 민주화를 입증했습니다. 그 전에는 원칙적으로 예술은 감정가, 후원자 및 수집가의 특권이었습니다. 이제 예술 작품이 대중에게 공개되었습니다. 전시회가 언론에서 논의되기 시작했고 이에 따라 미술 비평이 탄생했습니다. 전시회 개막을 기념하여 다음과 같은 내용의 카탈로그가 인쇄되었습니다. 간략한 정보전시된 작품과 그 작가에 대해 나중에 전시된 작품의 복제물을 포함하기 시작했습니다. 이러한 모든 사업은 시간이 지남에 따라 개선되고 형식과 내용이 변경되었으며 이후 전시 활동의 특정 전통의 기초가 형성되었습니다. 19세기 초. 세계적인 명성을 얻은 파리 살롱에서는 최대 2,000여 점의 작품이 전시되었습니다. 파리와 런던에서 열린 세계 전시회는 현대 미술의 광범위한 전시장이 되었고, 미술 부서도 다른 부서와 함께 조직되었습니다.

살롱 조직은 공식 서클의 엄격한 감독하에 있었기 때문에 필연적으로 갈등이 발생했습니다. 작품을 선정하기 위해 특별히 만들어진 심사위원단은 종종 민주적이고 사실적인 예술 작품을 전시하는 것을 허용하지 않았습니다. 심사위원단의 행동에 불만을 품은 예술가들은 작품의 자유로운 전시를 반복적으로 옹호하고 심사위원단을 해산하거나 선택적으로 구성할 것을 요구했습니다. 그들은 또한 작업장과 기타 시설에서 일종의 비공식 "반전시회"를 조직했습니다. 따라서 G. Courbet은 1855년 파리 만국박람회에서 자신의 작품을 위한 별도의 전시관을 세웠고, 그는 이를 "현실주의"라고 지적했습니다. 프랑스에서는 화가들과 심사위원단 사이의 갈등으로 인해 1863년 공식 전시회에 출품되지 못한 그림들이 전시되는 '거부자들의 살롱'이 탄생하게 되었습니다. 이후 몇 년 동안 예술가들은 별도의 그룹 독립 전시회(예: 인상파 예술가 전시회)를 ​​조직하는 연습을 시작했습니다. 지난 세기 말까지 전시 활동을 포함하는 무료 예술 협회의 수가 눈에 띄게 증가했습니다. 프랑스의 사례는 많은 유럽 국가에 영감을 주었습니다. 세기가 바뀌면서 회화나 회화를 조각과 그래픽과 함께 따로 전시하려는 시도가 있었고, 조각과 그래픽을 따로따로 전시하려는 시도도 있었다.

부르주아 사회에서 전시 활동은 모순적이다. 예술의 대중화를 촉진하는 동시에 공식 이데올로기의 지휘자 역할을 한다. 또한 전시의 구성 역시 미술시장의 요소들과 연결되어 있다. 전시장에서 누가 '유행'하고 '인기'가 있는지 미술상들이 판단하는 경우도 있다.

XIX-XX 세기의 전환기에. 옛 거장을 기리는 전시회가 조직됩니다. 현재 이러한 종류의 전시회, 특히 잘 알려지지 않은 작품을 포함한 대규모 대표 전시회 또는 과거의 가장 위대한 거장의 창작물은 대중의 관심을 끌고 특정 국가의 예술적 삶의 강도를 나타내는 지표가됩니다. .

러시아에서는 처음에 상트페테르부르크 예술 아카데미에서 전시회가 열렸습니다. 19세기 초. 이 전시회에서 유명한 화가들은 O. A. Kiprensky, S. F. Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov와 같은 그림을 선보였습니다. 그러나 시간이 지남에 따라 아카데미를 지배하기 시작한 공식적인 학문주의 정신은 민주적 사고를 가진 예술가들의 항의를 불러 일으킬 수밖에 없었습니다. 몇몇 예술가들은 아카데미를 떠나 자신의 협회를 만들기로 결정했습니다(Peredvizhniki(순회 미술 전시회 협회) 참조). 협회는 러시아에서 비판적 사실주의 예술의 확산에 기여하여 폭넓은 대중 계층의 예술적 취향을 배양했습니다. 존재하는 동안 , TPHV는 세기가 바뀌면서 러시아에서 전시회(“World of Art”, “Blue Rose” 등)를 조직하는 다른 그룹 협회가 생겨나면서 40개가 넘는 전시회를 개최했습니다.

소련과 기타 사회주의 국가에서 미술 전시회는 광범위한 대중을 대상으로 하며 큰 교육적, 교육적 역할을 수행합니다. 이미 1920년대에 말이죠. 주요 대중 예술가 협회: 러시아 혁명 예술가 협회(AHRR)와 이젤 화가 협회(OST)는 “붉은 군대의 삶과 삶”(1922), “혁명, 삶, 노동”( 1924-1925), “소련 인민의 삶과 삶”(1926), 적군 10주년, 15주년, 20주년 기념 전시회(1928, 1933, 1938), “Art to 대중”(1929), “사회주의 산업”(1939). 우리나라 박람회에 포함 세계 전시회파리(1937)와 뉴욕(1939), 모스크바에서 열린 전체 연합 농업 전시회(1939)에서 소련 예술가들의 작품은 소련 예술의 이념적 목적성, 생명을 긍정하는 힘을 보여주고 사회주의 현실주의 발전에 기여했습니다. . 국가의 문화 생활에서 중요한 사건은 전시회였습니다. 애국 전쟁"(1942), 사회주의 국가의 미술 작품 전시회 (1959), "일상 생활을위한 예술"(1960), "세계의 수호자"(1965), 전 연합 기념 미술 전시회 "소련 권력 50 주년" " (1967), V.I. 레닌 탄생 100주년 기념 전 연합 미술 전시회(1970), 소련 건국 60주년 기념 전 연합 미술 전시회: “소련 – 우리 조국”(1982) , “예술가를 국민에게”(1982) 등

매년 우리나라에서는 창작 연합, 소련 예술 아카데미 및 문화 단체가 수천만 명의 사람들이 방문하는 5,000개 이상의 고정 및 순회 미술 전시회를 조직합니다. 일반적으로 국가 생활의 중요한 사건에 맞춰 지역별, 공화당 및 전체 연합 예술 쇼를 개최하는 특정 시스템이 있습니다. 따라서 CPSU 26차 대회에 헌정된 미술 전시회 “우리는 공산주의를 건설하고 있습니다”(1980-1981)의 주기가 매우 대표적이었습니다. 5개년 계획의 첫해에 탄생한 예술과 노동의 대공국이 오늘 재탄생하고 있습니다. 모든 연합 공화국의 대표자인 예술가들은 인민의 노동 생활에 적극적으로 참여하며 공산주의와 평화의 사상을 작품에 구현합니다.

우리나라 전시활동에서 가장 중요한 것 중 하나는 외국과의 문화교류의 일환으로 개최되는 전시이다. 사람들 간의 우호적 유대를 강화하고 세계 예술의 걸작을 접할 수 있는 기회를 제공합니다. 1960년에는 에르미타주 미술관과 푸쉬킨 미술관에서 “고대부터 현재까지의 멕시코 미술” 전시회가 열렸습니다. 1973년에는 카이로 이집트 박물관 소장품 중 '투탕카멘 무덤의 보물' 전시회가 모스크바, 레닌그라드, 키예프에서 열렸습니다. 러시아와 소련 미술 전시회는 해외(미국, 프랑스, ​​독일, 일본 및 기타 국가)에서 반복적으로 조직되었습니다. 루브르 박물관과 프라도 컬렉션 중 가장 큰 전시회가 1981년부터 1982년까지 우리나라에서 열렸습니다. 소련과 프랑스 국민 간의 문화적 유대 발전에 중요한 공헌은 "모스크바-파리"(1980-1981) 전시회였습니다. 국립센터예술과 문화의 이름을 따서 명명되었습니다. 파리의 J. 퐁피두와 모스크바의 푸쉬킨 미술관에 있습니다.

미술 전시회는 미술과 미술을 존경하는 관객 사이의 복잡한 상호작용 형태입니다. 그러나 전시회에서 방문객들은 창작물 자체만을 인식하는 것이 아닙니다. 그들은 전시에 참여하는 공간, 위치, 구성, 그리고 다른 관객들에 주목한다.

그러므로 지각의 심리학에 대해 이야기하면 미술 전시회일반적으로 방문객들이 그림만을 감상한다고 말할 수는 없습니다. 그들은 모든 것을 전체적으로 봅니다. 전체 구성이 마음에 들면 기꺼이 작품을 구매할 것입니다.

각 전시회에는 반드시 전시된 모든 작품을 하나의 선으로 연결하고 일반화하는 특정 플롯이 있습니다. 이러한 전시회는 일반적으로 다양한 주제, 줄거리, 운동, 작가 및 스타일에 대해 수집됩니다.

오늘날 특성에 따라 전시회를 나누는 문제는 특히 심각합니다. 그 이유는 바로 나타났습니다. 엄청난 양스스로를 재능 있는 예술가라고 부르는 사람들. 실제 전문가가 자신을 증명하는 것은 종종 어렵습니다.

~에 주제별 전시회이제 당신의 재능을 마음껏 발휘할 수 있습니다. 그들에 대해 시청자는 어떤 전문 작가를 선호할지 결정할 것입니다. 게다가 현대미술계에도 이런 행사가 필요하다. 미술계의 새로운 이름을 알아보는 데 도움이 될 뿐만 아니라 가족, 친구, 그리고 자신에게 소개하는 데에도 도움이 됩니다.

전시회는 항상 인기가있었습니다. 그러나 오늘날 그것은 모든 사람, 특히 젊은 세대에게 특히 중요합니다. 미술전시에서도 작품 판매는 계속됩니다. 그리고 이것은 매우 좋습니다. 결국, 당신이 그림을 보고 다른 사람처럼 이해하게 되면, 스스로 그림을 구입하는 것을 거부하기가 어렵습니다. 이런 서비스가 없다면 아쉽겠죠.

이로써 오늘의 미술전시의 컨셉을 정의할 수 있다. 아티스트가 자신을 표현하고 관객의 이해와 인기, 감탄과 사랑을 얻을 수 있는 곳이다. 대중은 아름다움에 익숙해지고, 도덕적 만족을 얻고, 현대성을 더 잘 이해하고, 그림도 획득하게 된다. 언제든지 전시회를 방문하고, 작가의 작품 세계를 경험하고, 그림을 직접 구입할 수 있습니다.