현대 정물화 스타일의 사진. 현대 정물. 4부 현대미술에서 정물의 위치. 정물 구성 만들기
1970년대 서구 문화에서는 현재의 추상 미술에 도전하면서 포토리얼리즘(또는 하이퍼리얼리즘, 초현실주의)이라는 새로운 회화 운동이 등장했습니다. 사진과 크기로만 구별되는 거대한 유화 캔버스. 예술에서는 이런 일이 없었습니다. 예술가들은 사진을 삶이 아닌 기초로 삼았으며, 더욱이 일상적인 아마추어 사진을 찍었습니다. 포토리얼리스트의 그림에는 사진을 통해 전달되는 진부한 일상, 비인격적이고 2차원적이고 차갑고 비인격적이고 감정적이지 않은 현실이 담겨 있다. 이러한 사진을 복사할 때 초현실은 초연함과 결합됩니다. 포토리얼리즘의 이데올로기는 광고, 텔레비전, 주로 사진이 다양한 형태로 현대인의 시각적 인식을 지배하여 현실을 대체한다는 인식입니다. 사진은 현실만큼 실제적이고 중요한 대상입니다. 사진은 종종 현실 자체보다 훨씬 더 설득력이 있습니다. 현대 시각적 인식의 원리와 사회에서 예술가의 역할을 논의하면서 포토리얼리즘은 최초의 개념 예술이 되었습니다.
포토리얼리즘은 사진이 모든 현대 시각 문화의 기초인 현대 의식과 인식에 가장 적합한 시각적 언어임을 입증했습니다.
랠프 고잉스. "파란색 냅킨 꽂이." 1980년
랠프 고잉스.
현대사진(Contemporary Photography)은 예술가들이 사진을 매체로 작업하기 시작한 1990년대에 형성되었습니다. 현대 사진은 맥락 밖에서 존재하지 않으며 훈련받지 않은 관객이 이해할 수 없습니다. 사진은 더 이상 미적 대상이 아닙니다. 모든 현대 사진은 두 가지 영역으로 나눌 수 있습니다.
1. 개념 사진(자체 탐구)
2. 학제간 사진(관련 학문 분야는 과학, 문화, 사회학일 수 있습니다. 예를 들어 사회학 또는 고전 사진과의 문화적 대화).
현대 사진과 병행하여 미술 (미술, 아름다움에 관한 예술)이 있는데, 그 유일한 임무는 주변 세계의 아름다움을 전달하는 것입니다. 미술은 현대 사진에는 적용되지 않습니다.
개념사진은 사진에 관한 사진, 예술을 분석하는 예술이다. 그녀는 자신의 언어, 기능, 역할, 본성을 탐구하느라 바쁩니다.
작가의 주요 임무는 보는 이로 하여금 생각하게 만드는 것이라면, 개념 사진은 답을 주기보다 질문을 던진다. 사진이 만들어지는 동안 연구와 추론이 진행되는 동안 최종 결과인 사진 자체보다 더 중요합니다. 사진은 단순히 매체이자 표현의 시각적 형식이자 예술가의 탐구입니다.
현대 사진 시리즈는 새로운 의미를 갖습니다. 그것은 모더니즘과 같은 사진 역사가 아니라 Karl Blossfeldt와 같은 유형학입니다. 일부 작가를 제외하고 예술가들은 시리즈로 작업하는데(연재는 시리즈로만 탄생한다), 각 개별 사진은 일종의 이야기가 아니다.
처음에 개념적 사진은 미학적으로 매력적이지 않았고 다큐멘터리적이며 시각적으로 흥미롭지 않았습니다. 따라서 예술가들은 사진의 새로운 언어, 새로운 목적을 정의했습니다. 이미지에서 고전 사진의 모든 일반적인 유발 요인(“결정적인 순간”, 구도, 감정, 몸짓, 인식할 수 있는 장면, 중요한 것을 강조)을 제거함으로써 예술가들은 보는 사람이 사진 자체를 보고 생각하도록 강요하려고 했습니다. 그 성격에 대해. 개념적 사진은 비판단적이지 않고 건조하며 동떨어져 있습니다.
이후 이른바 '포스트 컨셉 사진'이 등장했는데, 이는 미학적 관점에서 더욱 보편화되고 제작 비용이 많이 들며 결과적으로 최종 예술 작품의 가격에 영향을 미쳤습니다. 일반적으로 포토리얼리즘을 따르는 이러한 작품은 크기가 엄청나고 대형 카메라로 촬영되며 가장 작은 세부 사항이 모두 보이는 방식으로 인쇄됩니다. 이러한 이미지 제시 방식 덕분에 사진은 최대한 현실에 가까워지고, 보는 사람도 사진에 담긴 현실을 공유할 수 있게 된다. 초세밀함은 비대해진 초현실성을 제공합니다. 동시에 많은 예술가들은 자신의 생각을 전달하기 위해 아마추어 사진의 미학을 사용합니다.
예술가들은 미술사 또는 사진의 역사와 문화적 대화를 나눌 때를 제외하고는 사진에 현대적인 언어를 사용합니다.
사진에 대한 개념적 접근 방식은 처음에는 정물화 장르에 대한 관심을 약화시켰을 수 있습니다. 그러나 일부 예술가 덕분에 사진 정물화는 새로운 발전 단계를 맞이했습니다. 따라서 Jan Gruver(1943-2012)는 주방용품을 예술적인 구성으로 변화시켰습니다. Gruver는 종종 자신의 작업에서 주제를 거의 삭제하면서 내용보다 형식을 선호합니다. 그녀의 작품은 종종 알아볼 수 없을 정도로 축소된 사물의 가장자리로만 구성됩니다. 모양만큼 질감도 중요합니다. Gruver 시리즈의 사진은 주방용품의 스냅샷이라기보다는 모양, 색상, 질감을 포함하는 공간 배치를 더 복잡하고 때로는 추상적으로 묘사합니다.
얀 그루버. 제목이 없습니다. 1978년
스위스 예술가 Peter Fischli(b. 1952)와 David Weiss(1946-2012)의 작품은 사진이 예술가가 일상을 표현할 수 있는 수단이지만 그들의 경우에는 왜곡되고 관습적이며 모호한 수단임을 확인합니다. “Equilibrium/Quiet Afternoon” 시리즈를 위해 그들은 일상의 물건들을 가져와 위태로운 구조 속에서 균형을 이루어 이상한 조각품들이 붕괴의 가장자리에서 흔들리도록 했습니다. 중력의 영향을받지 않는 그들의 조각품은 날카로운 취약성과 취약성을 가지고 있지만 카메라는 그들을 영원하게 만들었습니다.
피터 피슐리(Peter Fischli)와 데이비드 와이스(David Weiss). "조용한 오후" 1984년부터 1985년까지
천재이자 현존하는 일본 최고의 사진작가로 평가받는 아라키 노부요시(b. 1940)는 여성성, 여성의 모습, 섹스라는 주제에 특별한 관심을 갖고 있습니다. 아라키는 익고 약간 주름진 과일의 핵심을 사용하여 여성 기관의 모양을 반복했습니다. 1993년에 "Erotos" 시리즈를 만든 Araki는 자신의 예술에서 중요한 역할을 하는 두 가지 테마, 즉 Eros와 Thanatos의 테마를 결합하여 이름을 정했습니다(S. Freud의 이론에 따르면 "Eros"는 사랑이고, 창조, 성, 삶, " 타나토스" - 잔인함, 공격성, 가학성 및 죽음에 대한 욕망). 아라키의 사진에서는 이러한 힘이 충돌한다. 남성의 욕망의 근원은 이미 곰팡이가 생기고 부패하기 시작한 과일이 된다. 미술 평론가 제리 배저(Jerry Badger)는 “음란물은 실제로 보는 사람의 눈에 달려 있다”고 말했습니다.
아라키 노부요시. "에로토스". 1993년
Margriet Smulders의 사진 "Love Conquers All"은 상충되는 감정을 불러일으킵니다. 17세기 회화의 영향이 눈에 띄며, 가정의 편안함을 주제로 한 울림이 들린다. 이곳의 아름다움은 부패와 불가분의 관계가 있습니다. 스멀더스가 자주 거울을 들고 찍는 사진 속 꽃들은 곧 떨어질 것 같다. 그녀 자신은 꽃을 '모든 관계와 극적인 상황으로 이루어진 세상 전체'를 묘사하는 '배우'라고 부른다. 이 사진에는 모호한 위협감이 있습니다. 구도가 구부러진 가지로 여기저기 잘려 있고, 중앙의 푸른 물빛 공백이 사진 전체를 넘치게 하고 연약한 꽃을 파괴할 위험이 있습니다. Smulders는 고전적인 정물화 장르에서 작업하지만, 과장되고 비현실적인 색상은 꽃 사진에서는 일반적으로 볼 수 없는 거슬리는 효과를 만들어냅니다. 많은 현대 사진작가들과 마찬가지로 스멀더스는 죽음과 자연의 필연적인 부패를 보았습니다. 그녀의 사진 속 꽃은 치아와 혀처럼 썩어가는 별도의 신체 부위로 보입니다. “화려하고 유별나게 에로틱한 그림은 여러분을 다른 차원으로 안내합니다. 거대한 거울, 정교한 유리 꽃병, 두꺼운 휘장, 과일, 컷 부케 등이 바로 이러한 "캔버스"를 구성하는 것이라고 Margriet Smulders는 자신의 작품에 대해 말합니다.
마그리트 스멀더스. "사랑은 모든 것을 이긴다." 125x1100cm 조각. 2005년
이 작업은 작성자의 웹사이트 http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7에서 좋은 해상도로 제공되며 편안한 속도로 스크롤하여 어느 부분에나 붙일 수 있습니다.
Smulders의 다른 작품이 있는 즐거운 사이트 http://www.margrietsmulders.nl
미국 사진작가 제임스 웰링(b. 1951)은 자신의 작업을 “모더니즘의 부활이지만 역사적 맥락에서”라고 부른다. 꽃 시리즈는 사진의 과거와 진화 과정에 대한 심도 있는 분석입니다. 웰링은 흑백 필름에 식물을 잘라서 노출시키고, 그 흰색 그림자가 네거티브의 검은 배경에 반사됩니다. 그런 다음 다양한 모양의 컬러 필터를 사용하여 다시 노출시킵니다. 그 결과 꽃의 생생한 사진이 탄생합니다. 흰색 배경에 어두운 윤곽이 있고, 부드럽고 빛나는 색조가 무수히 많습니다. John Herschel은 "사진"(빛으로 글쓰기)이라는 용어를 만들었고 William Henry Fox Talbot은 "sciography"(그림자의 예술)라는 또 다른 용어를 만들었습니다. “Flower” 시리즈는 두 가지 정의의 결실입니다. 첫 번째 단계(네거티브 생성)에서는 식물의 그림자가 사용되고, 두 번째 단계(유색 포지티브 생성)에서는 그림자가 밝은 빛으로 채워져 식물의 그림자가 탄생합니다. 사진. Welling은 사진에서 그림자가 빛만큼 중요한 역할을 한다는 점을 상기시켜 줍니다. “내가 콘텐츠에 관심이 없다는 것은 아니지만 콘텐츠가 사진에 의미를 부여하는 유일한 것은 아닙니다.”라고 Welling은 말합니다.
제임스 웰링. '꽃' 시리즈 중. 작가의 사진촬영기법. 2006년
Welling 웹사이트의 꽃 사진. 다른 프로젝트도 찾을 수 있습니다. http://jameswelling.net/projects/17
Christian Marclay의 기념비적인 추상화(b. 1955) – “Reminder(적자생존)”. 제목은 죽어가는 매체를 상기시키는 단서 역할을 합니다. 자세히 살펴보면 깨진 카세트가 눈에 띄게 나타납니다. 풀린 자기 테이프가 전체 이미지를 따라 늘어져 있다는 것이 분명해집니다. 다윈의 이론과 테이프의 "멸종"에 대한 암시를 위해 Marclay는 거의 멸종된 19세기 청색활자 기술을 교묘하게 재현하고 추상 인상주의와 잭슨 폴록의 "멸종된" 스타일을 모방했습니다.
크리스티안 마클레이. "가장 강한 자가 살아남는다". 시아노타입. 2008년
“방사선은 다른 지점에 위치한 “거기”에 있던 실제 몸에서 방출되어 나를 만졌습니다. 사진에 찍힌 사물의 몸은 일종의 탯줄로 나의 시선과 연결되어 있다”고 롤랑 바르트는 썼다. 그의 말은 “사진은 그 안에 묘사된 대상을 뒤늦은 별빛처럼 우리에게 닿게 한다”는 수잔 손탁의 말을 반영한다. 영국 사진작가 Richard Learoyd(b. 1966)의 작품에는 흔적, 이정표, 사진과 현실을 연결하는 모든 실이 흥미롭게 짜여져 있습니다. 그의 작업실에서 그는 완전히 새로운 사진 기술을 개발했습니다. 그는 그 공간을 암실로 활용하여 포지티브 인화지에 거대한 캔버스를 만듭니다. 물체에 반사되는 빛은 눈에 들어오는 빛과 동일합니다. Barthes가 말했듯이, 물체와 관찰자는 광자의 탯줄로 연결되어 있습니다. Learoyd의 거울 이미지는 믿을 수 없을 만큼 가깝게 보입니다. 최초의 사진 이론가들은 그러한 사진을 "물질의 광기"라고 불렀으며, 앙드레 바쟁(Andre Bazin)이 말했듯이 "역시 사실인 환각"이라고 불렀습니다.
사진 '토끼가 있는 콘크리트 블록'에서 토끼의 생명 없는 몸은 반쯤 매달린 상태로 콘크리트 블록을 '잡고' 있는데, 이는 얼어붙은 생명의 패러디를 상징한다. 다른 많은 현대 예술가들과 마찬가지로 Learoyd의 복제품은 시청자의 공감을 거의 얻지 못합니다. 그의 혁신적인 사진 기술을 통해 작품을 가까이에서 볼 때에도 놀라울 정도로 선명한 디테일로 기념비적인 이미지를 만들 수 있습니다. 초현실적인 이미지가 담긴 거대한 캔버스에 관객은 매료됩니다. 여기에 제시된 사진에서 그러한 존재감, 그러한 신뢰성은 죽은 동물의 생명없는 몸과 뚜렷한 대조를 이룹니다. Learoyd의 포지티브 인화지 사용은 사진의 초기 형태 중 하나(죽은 자의 사진 촬영으로 유명해짐)인 은판 사진을 연상시킵니다. 빛은 물체에서 직접 나오며 은판 사진의 표면에 정착하는데, Learoyd 기법과 마찬가지로 중간 네거티브가 없습니다.
리차드 리어로이드. "토끼가 있는 콘크리트 블록." 2007년
Learoyd와 그의 카메라에 관한 비디오 http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694
독일 거장 Thomas Demand(b. 1964)의 작품 대부분은 뉴스의 작품을 포함하여 사진에서 복사되어 삼중 의미를 얻습니다. 본질적으로 이것은 원본 이미지 사진의 종이 조각 사진입니다. 이를 실현하면 현실과 허구의 차이가 분명해지는 거울 갤러리를 따라 시청자의 시선이 아래로 향하게 됩니다. 요구 사항은 사진을 선택하는 것부터 시작되며, 종이와 판지로 실물 크기의 3D 사본을 만든 후 촬영이 끝나면 폐기합니다. 원본 사진은 종종 잘 알려진 사건을 묘사합니다. 그의 작품 "투표 센터"에서 그는 2000년대 대통령 선거가 열렸던 팜비치 비상 운영 센터의 사진을 재현합니다. 해당 이미지는 “200~300장의 종이가 이 세상의 운명을 크게 좌우할 6주 넘게 구멍 난 종이를 고민하는 과정”에 대한 의문을 제기한다. 얼핏 보면 사진 속 이미지는 큰 사무실과 비슷하다. 하지만 자세히 보면 모든 전화기가 똑같고, 표면이 평평하고, 종이로 만든 사무실이라는 사실이 눈에 띈다. 종이는 구호 매체이자 이미지 대상(투표용지)입니다. 은은하게 현실을 모방한 <디맨드>는 사진의 진정성에 의문을 제기한다. 사진을 믿을 수 있나요? 거기에 묘사된 것은 진짜인가?
토마스 디맨드. "투표소". 2001년
Demand의 웹사이트 작업(모두 종이에 불과하다는 점을 잊지 마세요) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/
사람들은 종종 사진을 세상의 일부를 진실되게 포착하는 정보 전달자로 인식합니다. Ori Gersht(b. 1967)의 작업은 이러한 관점을 복잡하게 만들어서 보는 이로 하여금 사진과 인간의 시각 사이의 불일치를 찾도록 강요합니다. "Time after Time" 시리즈의 "Explosion" 이미지는 시간을 인간의 눈으로 볼 수 없는 작은 입자로 쪼개는 초현실적인 이미지를 보여줍니다. 또한 아름다움과 잔인함 사이에 존재하는 긴장감을 표면으로 드러냅니다. Gersht는 다음과 같이 인정합니다. “나는 아름다움과 거부, 꽃다발이 폭발하는 동안 파괴의 순간이 나에게 창조의 순간이 되는 방식 등 반대되는 것에 관심이 있습니다.” Gersht는 먼저 액체 질소로 꽃을 얼린 다음 꽃잎 사이에 작은 폭발성 발사체를 배치하고 고속 디지털 카메라와 이를 발사하도록 특별히 설계된 전자 장치를 사용하여 폭발 순간을 포착했습니다. 폭발 순간에 꽃다발이 불멸화되었습니다.
오리 게르쉬트. "꽃다발". 2000
CRG 갤러리 웹사이트 http://crggallery.com/artists/ori-gersht/의 또 다른 프로젝트
Sharon Core(b. 1965)는 원래 예술가가 되기 위해 공부했고 나중에 사진가로 재교육을 받았습니다. 결과적으로 그녀는 이 두 가지 표현 수단 사이에 명확한 선을 긋습니다. 사진을 그림으로 그리는 포토리얼리스트들과 대화를 나누며, 코르는 그림을 바탕으로 사진을 만든다. 사진 '사과'는 '콜로니얼 스타일' 시리즈에 포함됐다. 이 사진을 보면 그냥 옛 거장 시대의 그림 사진인 것 같습니다. "나는 조명, 아이디어, 규모 측면에서 19세기 그림의 '현실'을 무대에 올려 다른 시대의 환상적 이미지로 마무리합니다." 그 영감은 1812~1824년에 제작된 100개 이상의 정물화의 작가인 Raffaelle Peale에게서 영감을 받았습니다. Cor는 자신의 스튜디오에서 Peale의 그림에서 구도를 재현할 때 3차원 물체를 예술가 그림의 부조적인 2차원 표면으로 변형하려고 시도했습니다. 그녀의 기법은 사진과 회화 사이에 과감한 경계를 긋고, 보는 이로 하여금 작품의 장르와 진정성의 역할에 대해 의문을 갖게 만든다.
샤론 코. "사과". 2009년
Laura Letinsky (b. 1962)의 작품 "Untitled No. 23"은 스타일 면에서 네덜란드와 플랑드르 전통이 뚜렷이 보이는 고대 정물화와 유사합니다. 그녀는 북부 르네상스와 남부 르네상스의 이상한 혼합에 영향을 받았다고 인정하며, 그녀의 작품은 이러한 "모호하고 혼란스럽고 무거운" 공간 감각을 반영합니다. Letinski의 구성은 자연광으로 표현됩니다. 그녀에게 빛은 배우이기도 하다. “통제할 수 없는... 빛은 놀라움을 선사할 수 있다.” 그녀는 대부분의 작품을 만들 때 아침 햇살을 사용하지만 "개와 늑대" 시리즈에서는 벨벳처럼 부드러운 황혼의 빛과 매우 긴 셔터 속도를 선택했습니다. 에피소드 제목은 개가 늑대로 변하는 마법의 시간인 황혼에 대한 프랑스 속담을 암시한 것입니다.
그녀의 대형 사진은 마치 손을 뻗어 만지기만 하면 되는 듯한 촉각적이고 친밀한 분위기를 자아낸다.
주제. “최후의 만찬은 식탁 위의 음식이 보조 캐릭터로 등장하는 식사 장면이라는 점에 놀랐어요. 그리고 주인공만 빼고 나머지는 다 그대로 놔두면 어떨까 생각했어요.” 주된 강조점은 사진이 더 이상 존재하지 않는 것을 보여준다는 생각입니다.
반쯤 먹은 오렌지의 버려진 껍질과 흩어진 피스타치오 껍질. 전체 장면은 저녁 식사 후에도 치우지 않은 테이블과 비슷합니다. "나는 성숙과 파괴, 정교함과 서투름, 통제와 우연 사이의 관계를 탐구하기 위해 음식물 찌꺼기와 버려진 음식을 사진으로 찍습니다." 이미지의 관점은 매우 특이합니다. 테이블은 기하학적으로 불균형해 보이고 바닥에 있는 피스타치오는 테이블 위의 껍질과 사실상 합쳐집니다. 레틴스키의 유령 같은 구성은 과거에 인간이 존재하지 않았던 불안한 분위기와 잊혀지지 않는 분위기를 조성합니다. "나는 '이후'에 무슨 일이 일어났는지, 무엇이 남아 있는지, 그리고 무엇이 영원히 사라지는지에 관심이 있어요."
로라 레틴스키. "무제 23호." 2009년
각 작가는 정물화에 대한 자신만의 접근 방식을 가지고 있으며 이미지와 표현 형식을 얻는 독특한 방법을 사용하여 각자 자신의 문제를 해결합니다. 그러나 어쨌든 모든 현대 사진에서와 마찬가지로 현대 정물에서도 아이디어가 가장 중요합니다. 진술서에 따라 촬영 방법(무대 또는 다큐멘터리)과 최종 이미지 표현 방법(가소화, 라이트박스, 작가 사진집, 대체 인쇄 방법 또는 최초의 사진 기술을 사용하여 얻은 이미지 등)이 모두 선택됩니다. .
선택한 이미지와 디자인에 따라 다양한 유형의 구도를 사용하고 조합하는 방법을 예제를 통해 살펴보겠습니다.
정물화의 제목은 '여행 중 잊혀진 등불 이야기'다.
이 정물을 만들 때 눈 덮인 저수지 해안으로 가져온 물체에서 불타는 랜턴 만 사용되었습니다. 그런 다음 오래된 책 표지의 질감을 Photoshop에 추가하여 불꽃을 강조했습니다.
정물의 구성을 선택할 때 아이디어는 매우 중요했습니다. 주요 대상에 방해가 되지 않도록 최소한의 대상이 있어야 하며, 해안이 뒤로 물러나는 원근감으로 배경의 풍경을 읽을 수 있도록 시점을 선택해야 했습니다. 텍스처 오버레이는 사진을 더욱 드라마틱하게 만듭니다. 구성은 대각선, 선형으로 구성되어 사물의 모양과 해안선을 강조합니다. 구성의 주요 악센트는 황금 비율 선의 교차점에 위치한 불입니다. 구성의 대부분이 왼쪽 가장자리로 이동하고 그 결과 불의 눈이 해안선을 따라 오른쪽 상단 모서리까지 계속 따라가며 거기에서 대각선으로 반대되는 균형 지점을 찾습니다. 그러한 지점은 직장에서 외로움을 높이기 위해 부재하는 지평선의 배가 될 수 있습니다.
정물은 "빨간색과 금색 톤의 교향곡"이라고 불립니다. 작품의 제목과 스타일은 색채의 조화를 예술적 디자인의 핵심 요소로 다루었던 작가 휘슬러의 작품에서 영감을 받았습니다. 그는 종종 자신의 작품을 "교향곡"이라고 불렀습니다. 물체의 부드럽고 둥근 모양을 강조하기 위해 구도는 타원형으로 구성되었으며, 시계 창에서도 타원형 모양이 이어집니다. 물체의 윤곽이 부드러워지고 흐려져 안개, 빛, 거의 수면 효과를 만듭니다. 물건 자체는 지식의 상징으로 선택됩니다. 깨진 석류는 지식의 구조이고 책과 두루마리는 그 결과이며 시계 (시간의 상징)는 필수 조건입니다. 이 작품은 색조와 색상 관계(어두운 색조)의 통일성을 기반으로 합니다.
"늙은 선원의 이야기" 또는 "늙은 선원의 이야기". 이 정물의 역사는 매우 간단합니다. 남부 국가와의 연관성에 따라 물체를 선택하고 부분적으로 채색된 오래된 사진 스타일로 처리했습니다. 그러나 정물 자체는 그 물체가 초상화처럼 보이도록 무대에 올려졌습니다 (르네상스 예술가 D. Arcimboldo의 작품을 기초로 삼았습니다). 따라서 작품에는 장거리 여행과 관련된 이중 연관성이 포함되어 있습니다. "먼 나라"의 물건과 화자 - "여행자 할아버지".
"기대". 사진은 모스크바의 빈티지 자동차 박물관에서 촬영되었습니다. 톤의 실루엣 리듬이 있는 균형 잡힌 구성. 작업의 요점은 각 주제마다 고유 한 시간이 있다는 것입니다. 이 구성은 승객(사물)이 보드 앞에서(몇 시간 동안) 자신의 차례를 기다리고 있는 기차역의 느낌을 만드는 방식으로 만들어졌습니다.
"가을". 가을을 주제로 한 정물은 어디에서나 매우 다양하고 풍부하며 아름답습니다. M. di Caravaggio의 그림 같은 정물화를 회상하면 Bacchus의 승리 인 "가을"의 모든 다산을 구현합니다. 따라서 이 정물의 구성은 이탈리아 예술가가 사용하는 기술을 기반으로 합니다. 개체는 윤곽이 잡힌 장식적인 방식으로 표시되며 구성은 "삼각형" 모양에 따라 구성됩니다. 적용된 질감은 작품에 클래식한 느낌을 주기도 합니다.
"데이지"또는 "시골 정물". 구성도 삼각형으로 구성되어 있지만 조명에 중점을 두고 있습니다(가벼움, 따뜻함, 부드러움). 색조와 색상 관계(밝은 색조)의 통일성은 작품에 평온함, 소박함, 단순한 아름다움을 제공합니다.
"건포도". 프리즈 선형 구성은 건포도 클러스터 라인의 아름다움과 전환의 부드러움을 강조하는 데 매우 적합합니다. 둥근 모양의 리듬은 구슬이 흩뿌려진 느낌을 만들어냅니다.
"다 사라졌어." 색조, 프리즈, 삼각형으로 둘러싸인 구성. 말린 꽃, "시든"사과, 부서진 먼지가 많은 접시는 노년의 상징으로 간주되었습니다. 꽃의 경사선은 사물 간의 '대화', 대화, 상호 지원 및 지원의 존재를 만듭니다. 악센트는 황록색 음영으로 배치됩니다.
"서리 내리는 가을" 물체에 존재하는 아름답고 차가운 청자색 그늘은 고상한 분위기, 가벼운 서리 및 서리 느낌을 조성합니다. 사과의 원래 색상은 유리의 서리가 내린 패턴과 유사합니다.
"모든 것이 잊혀졌습니다." 프리즈 윤곽 선형 구성. 말린 꽃, 시들어가는 사과, 부서지고 먼지가 쌓인 접시는 노년의 상징입니다. 정물화
"베리 차" 빨간색, 검은색, 흰색 색상의 리듬을 기반으로 하는 동적 대각선 구성, 선형입니다. 색상 조합은 베리 꽃 차와 관련하여 선택되었습니다. 따뜻하고 복잡한 적갈색 색조가 있습니다. 복고풍 스타일에 처리가 약간 강조됩니다.
"블랙베리". 복고풍 스타일. 블랙베리와 아욱꽃의 고귀하고 진홍색 색조가 컵의 노란색과 대비되어 강조됩니다.
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"교향곡". 대각선 구성, 선형. 꽃과 잎은 악보와 비슷한 순서로 배열되어 있습니다. 꽃병에 꽂힌 꽃은 음악(포르테, 피아노)의 다양한 색조를 상징합니다. 배경의 휘장은 전경 라인을 지원합니다.
이 작품은 색조와 색상 관계의 통일성을 기반으로 합니다. 비슷한 범위의 선형 구성. 정물에는 1. 취약성, 부드러움, 가벼움, 덧없음, 취약성(플록스), 2. 경도, 영원, 불변성, 정적(돌로 만든 꽃병)의 두 가지 원칙을 비교하고 이를 결합하는 아이디어가 포함되어 있습니다: 따뜻함, 우아함 , 가소성 및 꽃 윤곽과 돌의 채색 선의 독창성.
"바다 껍질". 컴포지션은 "원" 모양으로 구성됩니다. 꽃은 불가사리의 상징(우화)이고, 꽃병은 조개껍질이다. 추가된 질감은 작품에 햇빛에 반짝이는 황금빛 파도의 효과를 줍니다.
"양치기". 여기서는 동일한 꽃병이 바구니 역할을 합니다. 사물(꽃, 잎, 꽃병)의 배열은 평면적이고 장식적이며 윤곽을 이루고 있습니다. 이 작품은 로코코 시대의 프랑스 회화와의 연관성을 불러일으킵니다.
"저녁 그림자" 이 정물화에서 구성을 구성하는 데 중요한 역할은 물체 자체(과꽃과 사과)뿐만 아니라 (명확하고 읽기 쉬운 형태로 인해) 독립적인 주제로 작용하는 물체에서 떨어지는 그림자도 중요한 역할을 했습니다. 사진의.
"그녀를 위해..." 작곡의 색조 솔루션입니다. 정물은 오래된 엽서 스타일로 만들어졌습니다. 꽃병에 담긴 꽃(큰 흰 모란), 흰 진주 줄, 진주가 달린 반지와 귀걸이 등은 모두 정물의 "여성성"을 나타냅니다. 안개와 기타 질감을 추가하면 작품에 추가적인 가벼움과 경쾌함을 더할 수 있습니다.
"자연스러운 삶." 정물은 말 그대로 "죽은 자연"으로 번역됩니다. 그러나 과거에 이 장르가 예술에 등장한 이래로 상황이 바뀌기 시작했습니다. 이 장르의 새로운 이름이 사진에 나타났습니다. "정물"- "조용한 삶", 점점 더 많은 실험. 이 작품의 아이디어는 '새로운 정물의 탄생'이었다. 정물의 새끼 고양이는 정물의 주요 구성 요소 인 구성의 중심입니다. 선형 톤 구성은 삼각형으로 구성됩니다. 정물화의 밝은 톤, 역광을 받은 새끼 고양이의 털, 그리고 새끼 고양이의 포즈는 탄생을 상징합니다. 과일도 분위기를 유지하기 위해 작은 크기로 선택됩니다.
"애스터스". 고전적인 정물화로, 꽃병의 모양은 어두운 배경으로 강조됩니다. 구성은 대각선이며 오른쪽 꽃다발에있는 두 개의 과꽃 (라일락과 흰색)이 우세하여 전체 덩어리에서 두 개의 꽃이 어떻게 거울에 비친 자신을 존경했는지에 대한 이야기를 만듭니다. 그리고 거울 자체는 어두운 배경과 결합되어 작품에 연극적인 분위기를 더해줍니다.
부처. 객체 간의 색조 관계를 기반으로 하는 고전적 구성은 중심 축도 중요한 역할을 하는 "삼각형" 그림으로 구성됩니다(의미론적 포인트가 있습니다: Vermeer의 창가에 있는 소녀의 머리, 대조되는 그림). 책, 동전의 어두운 배경에 흰색 시트). 두 개의 평행한 양초와 그 양초에서 나오는 연기가 역동적인 구성을 제공합니다.
나비가 있는 고전적인 정물입니다. 물체 그룹의 통합과 구성 수치의 결론을 바탕으로 구축된 두 부분으로 구성된 구성 - 지지 그룹(이 정물에서는 나뭇잎 그룹으로 얻은 삼각형)이 기본 그룹(얻은 타원) 내부에 위치합니다. 물체의 일반적인 배열에 따라). 구성은 "윤곽", "선형"입니다. 왼쪽 하단과 오른쪽 상단 모서리(배경의 나비와 휘장)의 색상 지원도 (주전자의 시각적 선과 함께) 왼쪽 상단 모서리에 동적 출력됩니다.
마무트. "직각 삼각형" 모양으로 배열된 고전적인 "음조 구성"입니다. 정물 개체는 서로 균형을 이루는 두 그룹을 형성합니다. 그룹 1 - 주전자 두 개, 그룹 2 - 코끼리 두 마리.
세라믹. 타원형으로 배열된 "톤" 구성입니다. 그 안에 있는 역동적인 출력은 단풍잎, 옥수수 두 귀, 보드 손잡이의 시각적 선입니다. 긴밀한 배색은 사물을 하나로 묶어줄 뿐만 아니라 질감의 역할을 높여 개성을 강조한다.
정물 클래식. 기하학적 모양으로 결합된 두 개체 그룹의 상호 작용을 기반으로 구축된 "윤곽", "선형" 구성: 1 그룹 - 노란색-녹색 톤의 악센트를 기반으로 구축 - "반타원형" - 기본, 2 그룹 - 가까운 색상을 기반으로 한 "삼각형" - 추가. 이 구성에는 왼쪽 상단과 오른쪽 상단 모서리에 꽃 잎, 바구니 손잡이, 양초 상단, 주전자 손잡이 등 동적 출구가 포함되어 있습니다.
티케인. “밝은 톤과 어두운 톤의 대비를 바탕으로 한 톤 구성입니다. 주요 구성 센터는 대조 지점에 구축되고 추가 지점은 가까운 지점에 구축됩니다. 구성의 리듬은 배경의 줄무늬로 설정되며 균형도 잡혀 있습니다.
감귤. 설정 1. 기하학적 도형 "타원"으로 추가로 결합된 개체 그룹이 있는 대각선 구성. 구성은 윤곽선이며 가까운 색상 조합을 기반으로 합니다.
감귤. 설정 2. 두 부분으로 구성된 구성(삼각형과 타원), 윤곽선, 유사한 색상 조합을 기반으로 합니다. 동적 출력: 1 - 주전자의 잎과 목을 따라 왼쪽 상단 모서리까지 시각적 선이 표시됩니다. 2 - 왼쪽 및 오른쪽 하단 모서리에 있는 귤 껍질을 따라 시각적 선이 표시됩니다.
저자: Yulia Dorofeeva
정물은 모든 형태의 미술에서 가장 복잡한 장르 중 하나라고 할 수 있습니다. 그리고 사진에서도 마찬가지입니다. 예를 들어 자연은 그 자체로 아름답습니다. 좋은 풍경을 만들기 위해서는 작가가 매력적인 장소, 즉 아름다운 자연을 찾아 자연의 모습을 캔버스에 담아내기만 하면 된다. 예, 물론 어렵습니다. 매우 어렵다. 모든 사람이 사진으로 분위기를 전달할 수는 없습니다. 정물에서는 이것을하는 것이 더 어렵습니다. 실제로 정물에서는 풍경이나 초상화와는 달리 작가 자신이 이러한 자연을 구성하고 구성을 직접 구축하고 이미지에 대한 개체를 선택합니다... 이 모든 것은 사진 작가에게 적용됩니다. 정물 작업을 할 때 작가의 창의적인 상상력, 구성 법칙에 대한 지식, 질감과 빛의 감각이 매우 중요한 역할을 합니다... 결국 작가 이전에 자연과 인간이 이미 만든 풍경과는 달리 , 작가는 처음부터 정물을 만들어 빈 종이에 정리합니다. 이전에는 아무것도 없던 곳. 이것이 아마도 모든 예술가가 좋은 정물을 만들 수는 없는 이유일 것입니다. 화가들을 한번 보세요. 그들 중에는 정물의 진정한 주인이 많이 있습니까? 초상화나 풍경화가가 더 많은데... 사진 예술에 대해서도 마찬가지입니다.
이 기사에서는 좋은 사진 정물화를 만드는 방법을 알려 드리겠습니다. 물론, 우리는 이 문제에 대해 몇 가지 조언을 해줄 것입니다. 귀하의 창의적인 작업에 도움이 되기를 바랍니다. 창의적 성장의 원동력이 될 것입니다.
정물화는 어디에서 시작되나요?
정물은 개념, 즉 아이디어에서 시작됩니다. 주변을 둘러보세요. 집에서 정물화 구성을 위한 대상으로 관심을 끄는 것은 무엇입니까? 프레임에 포함되도록 "요청"하는 개체는 무엇입니까? 오래되고 "질감이 있는" 물건은 정물화에서 매우 좋아 보입니다. 다양한 꽃병, 시계, 골동품 책, 도자기 인형, 테이블 램프, 세트, 촛대 및 양초, 거칠고 큰 직물로 만든 일부 물건(냅킨, 식탁보...) 과일과 채소의 정물화를 잘 보세요. 꽃은 또한 정물화 화가들이 가장 좋아하는 대상 중 하나입니다. 또한 꽃은 신선할 뿐만 아니라 건조되어 있습니다. 여기에는 상상력의 한계가 없습니다. 정물화에는 다양한 물체가 적합합니다. 가장 중요한 것은 이러한 모든 물체가 형태, 색상, 질감, 의미에서 서로 조화를 이룬다는 것입니다... 예를 들어 펜치와 사과 꽃병을 하나의 스틸에 결합하는 아이디어는 무엇입니까? 삶?
최소한 가장 간단한 구성부터 시작하겠습니다. 정물, 그 주요 "캐릭터"는 과일 그릇이 될 것입니다. 누군가는 그러한 정물이 가장 흔하고 널리 퍼져 있으며 새로운 것과는 거리가 멀다고 말할 것입니다. 그래서 뭐! 동의하세요, 아름다운 꽃병에 담긴 아름다운 과일보다 더 아름답고 흥미로운 것이 있을까요? 이것이 우리 정물의 아이디어가 될 것입니다. 이제 그러한 아름다움 옆에 놓을 수 있는 물건이 무엇인지, 어떤 질감과 색상이 과일과 꽃병 자체의 색상 및 질감과 조화를 이루는지 결정해 봅시다. 이 모든 것을 고려하여 정물의 의미 론적 내용을 기억하십시오. 결국, 정물화는 다른 그림과 마찬가지로 이야기를 말해야 합니다. 예를 들어, 사과, 배, 체리가 담긴 꽃병이 있고 그 옆에는 여러 야생화와 우유 한 잔이 있다고 상상해보세요. 이 모든 것은 단순한 판자 소박한 테이블 위에 있습니다. 마을의 이른 아침에 대한 이야기입니다!
정물 촬영 장소 선택
무엇이든 정물화의 대상 테이블 역할을 할 수 있습니다. 집에 있는 모든 테이블이 이 역할을 할 수 있습니다. 그리고 테이블뿐만이 아닙니다. 정물 사진 촬영용 물체는 창틀, 침대 옆 탁자, 심지어 옷장 선반에도 놓을 수 있습니다. 여기서 주요 기준은 이 개체 테이블의 강도와 충분한 영역입니다. 당신의 창의적인 상상력이 차분하게 느껴지고, 그곳이 넓고 살기 편한 곳이 되도록 말이죠. 바닥에서도 정물 촬영을 위한 사물의 구성을 정리할 수 있습니다. 글쎄, 물건을 놓는 표면이 보기 흉하거나 작업 중인 정물에 대한 가능한 모든 기준을 전혀 충족하지 못하는 경우 아름다운 천, 즉 식탁보나 냅킨으로 덮을 수 있습니다. 예를 들어 종이 한 장이나 아름다운 합판을 그 위에 올려 놓기만 하면 됩니다.
정물의 배경을 잊지 마세요. 이러한 미술 장르의 배경은 매우 중요한 역할을 한다. 결국 그림의 전체 분위기(물론 사진도 포함)를 설정하는 사람은 바로 그 사람입니다! 예를 들어, 정물화의 배경이 검은색, 부르고뉴, 짙은 갈색 또는 이러한 색상의 조합인 경우 사진은 어떤 면에서는 약간 우울할 정도로 극적으로 나타날 것입니다. 밝은 배경(흰색, 분홍색, 연한 녹색, 파란색)은 정물에 부드러움, 관능미, 로맨스를 선사합니다. 밝은 배경에서 "여성" 정물을 촬영하고, 어두운 배경에서 "남성" 정물을 촬영하는 것이 좋습니다. 즉, 정물이 여성이나 남성의 것으로 보이거나 그들을 대상으로 한 것입니다.
정물의 배경 재료는 원하는 색상으로 칠해진 합판이나 판지 또는 눈부심이 아닌 무광택의 다른 재료 일 수 있습니다. 훌륭한 사진작가라도 눈부신 배경을 사용하여 작업하는 것은 매우 어렵습니다. 천을 배경으로 사용하면 아름답게 드레이프될 수 있습니다. 즉, 멋진 주름으로 놓을 수 있습니다. 어떤 사람들은 배경을 전혀 대상으로 사용하지 않고 정물화를 촬영하기도 합니다. 자연광을 사용하지 않고 어두운 방의 인공 조명 아래에서만 촬영하는 경우 가능합니다. 이 경우 조명 장치는 촬영 대상에만 향해야 합니다. 동시에, 이 빛의 지점 밖에 남아 있는 다른 모든 것들은 완전한 어둠 속으로 들어가 깊고 아름다운 무광 검정색 배경으로 변합니다.
정물 구성 만들기
구도를 만드는 것은 아마도 정물 작업에서 가장 어려운 단계일 것입니다. 어떤 사람들에게는 이 단계가 중요하지 않고 복잡해 보이지 않을 수도 있습니다. 언뜻보기에는 모든 것이 단순한 것 같습니다. 아름다운 물건을 테이블 위에 아름답게 놓고 사진 촬영을 시작하세요. 그러나 이것은 전혀 사실이 아니다. 더 정확하게는 완전히 틀렸습니다! 예를 들어 색상, 크기, 의미 등 일부 개체가 서로 조화를 이루지 않는다는 사실을 매우 빨리 이해하게 될 것입니다. 구성이 불균형하여 한쪽으로 "넘어지는" 것으로 드러납니다. 요컨대, 정물 작업의 이 단계가 가장 어렵고 가장 중요하다는 깨달음은 조만간 또는 조만간 여러분에게 올 것입니다. 그리고 그것이 완벽하지는 않다는 것을 이해하게 될 것입니다. 그러나 정물화를 위해 물건을 올바르게 배치하는 것조차 매우 어려운 작업입니다. 그리고 모든 사진작가와 아티스트가 이 문제를 신속하게 해결할 수 있는 것은 아닙니다.
그럼 실제 작업에 들어가겠습니다. 우리는 미래 정물의 구성을 만들기 시작합니다.
우선, 정물화에서 보는 사람의 관심의 중심이 무엇인지 결정해야 합니다. 간단히 말해서, 우리 그림의 주요 대상은 무엇이며, 전체 이야기가 전개되고 회전하는 대상이 될 것입니다. 글쎄요, 과일 한 그릇의 예를 사용하여 정물화에 대해 이야기하기 시작했으니 이 주제를 계속하겠습니다. 이 꽃병을 전체 구성의 중심이자 주요 대상으로 삼으십시오.
가장 먼저 고려해야 할 것은 사진과 정물화를 포함한 모든 그림의 의미 및 기하학적 중심이 항상 일치하는 것은 아니라는 것입니다. 간단히 말해서, 과일 그릇이 프레임 영역의 중앙, 즉 대각선 교차점에 확실히 위치한다면 이것은 나쁜 것입니다(대개 나쁜 경우입니다. 그러나 어떤 규칙에도 예외가 있다는 것을 잊지 마십시오...). 따라서 꽃병을 프레임의 한쪽으로 옮기는 것이 좋습니다. 근처에 하나 이상의 다른 물체를 놓거나 놓을 수 있습니다. 예를 들어 사과 하나를 꽃병 근처에 놓으십시오. 아니면 그 옆에 아름다운 와인 잔을 놓으십시오. 원한다면 과일 그릇을 훌륭하게 격리시켜 둘 수 있습니다. 그리고 이것은 또한 아름답고 조화로울 수 있습니다. 그러나 그럼에도 불구하고 이를 수행하는 것은 매우 어려울 것입니다. 미니멀리즘은 미술계에서 늘 어려운 장르였습니다. 단순할수록 좋습니다. 이것이 미니멀리즘의 주요 원칙입니다. 그리고 모든 예술가가 그것을 현실로 만들 수 있는 것은 아닙니다. 따라서 우선 여러 개체에서 정물 구성을 만드는 것이 좋습니다. 그러나 이 모든 물체는 의미 면에서 서로 연결되어 있고 색상, 모양, 크기 및 질감이 조화를 이루고 있다는 것을 잊지 마십시오. 예를 들어, 빨간 사과가 꽃병에 편안하게 놓여 있다면 그 옆의 아름다운 백설 공주 식탁보 위에 자랑스러운 빨간 장미를 놓을 수 있습니다. 아니면 빨간 양귀비. 그러나 부엌에서 가져온 믹서는 빨간색이라 할지라도이 구성에는 완전히 부적절합니다. 우리는 정물 속의 사물이 서로 보완하고, 서로 논쟁하지 않으며, 보는 사람에게 당혹감을 유발하지 않도록 노력해야 합니다.
그래서 우리는 구성을 결정했습니다. 다음 작업 단계로 넘어 갑시다.
불을 켜다
정물화에서 조명을 올바르게 배치하거나 선택하는 것은 구성 자체만큼이나 중요합니다.
특별한 스튜디오가 아닌 집에서 정물 작업을 하고 있다면, 자연광에서 촬영을 시작하는 것이 가장 좋습니다. 이 경우, 개체 테이블을 창에서 멀지 않거나 반대편에 배치하는 것이 좋습니다. 부드럽고 확산되며 동시에 창에서 피사체 구성으로 떨어지는 직접광은 물체로부터 아름답고 길고 부드러운 그림자를 생성하는 동시에 이러한 물체의 질감을 유리하게 강조하고 드러내며 볼륨을 부여합니다.
아무리 이상하게 보일지라도 창문에서 들어오는 자연광을 제어하고 조절하는 것은 매우 쉽습니다. 예를 들어 판지, 합판 또는 기타 재료로 만든 다양한 반사경과 댐퍼를 조작하면 이 작업을 쉽게 수행할 수 있습니다. 예를 들어 반사판은 개체 테이블의 무언가에 기대어 있는 일반 A4 용지일 수 있습니다. 그렇습니다. 신문을 접어서 "오두막" 옆에 놓아도 반사판 역할을 할 수 있습니다! 창문 커튼이나 블라인드를 사용하여 창문에서 빛을 차단할 수 있습니다.
저녁에 정물 작업을 하고 있고 일광을 이용할 수 없다면 인공 조명을 사용하여 작업해야 합니다. 일반 플래시는 이러한 광원으로 잘 작동합니다. 디퓨저만 올려두시면 됩니다. 이렇게 하지 않고 디퓨저 없이 촬영하면 배경에 거칠고 거칠고 보기 흉한 그림자가 생길 수 있습니다. 마음대로 사용할 수 있는 지속적인 인공 조명이 있다면 소프트박스와 함께 사용하는 것이 좋습니다.
추가 광원으로 테이블 램프를 사용할 수 있습니다. 예를 들어, 그것으로부터 나오는 빛의 광선은 배경을 향할 수 있습니다. 하지만 이 경우 배경에서 약 1m 떨어진 곳에 배치해야 합니다. 그렇지 않으면 배경의 밝은 부분이 매우 날카롭고 거칠며 추악해집니다. 당신이 만든 물체의 구성 뒤에 테이블 램프를 설치하여 백라이트 소스로 사용할 수도 있습니다.
여기요. 구성이 만들어졌습니다. 불이 켜져 있습니다. 모든 것이 준비되었습니다. 촬영을 시작합시다. 정물화는 삼각대에서 촬영하는 것이 가장 좋습니다. 왜? 특정 목표를 달성하려면 상당히 긴 셔터 속도로 작업해야 할 수도 있기 때문입니다. 그리고 삼각대가 없으면 그러한 촬영은 불가능합니다. 카메라는 안정적이어야 합니다. 여기에 대한 예는 20세기 중반 체코슬로바키아 사진의 고전인 Vaclav Jiru의 정물화입니다. Vaclav Jiru는 추가 광원을 사용하지 않고 자신의 스튜디오나 밤에 달빛만 이용하여 제작했습니다. 글쎄요, 그렇게 높은 목표를 설정하지 않았다면 핸드헬드로 촬영할 때 카메라가 흔들리지 않도록 잡으세요. 정물에서의 흐림 및 흐림은 제외됩니다. 이것은 예술의 장르입니다. 모든 것이 명확해야합니다.
정물을 촬영하는 과정에서 물체를 이리저리 재배치하고, 빛을 자유롭게 바꾸고, 광원을 다른 방향으로 옮기는 것이 좋습니다. 다양한 셔터 속도와 다양한 조리개로 촬영하세요. 카메라의 다른 설정을 변경하세요. 다양한 각도, 다양한 촬영 지점에서 촬영해 보세요. 다양한 렌즈로 촬영해보세요. 이동 중에 즉흥적으로! 다양한 옵션을 찾아보세요! 정물을 촬영하는 과정에서 일종의 흥분, 일종의 용기가 생깁니다. 정물 구성을 위한 점점 더 많은 새로운 옵션과 점점 더 많은 새로운 조명 구성표를 만들고 싶을 것입니다. 창의적인 상상력의 비행을 제한하지 마세요! 아마도 오늘 당신은 나중에 당신을 영광스럽게 할 최고의 샷을 만들 것입니다!
네, 그리고 한 가지 더 말씀드리겠습니다. 오늘의 마지막 추천입니다. 정물에 흰색이 많으면 사진 촬영을 시작하기 전에 카메라 설정에서 화이트 밸런스를 올바르게 설정하는 것을 기억하는 것이 좋습니다. 그렇지 않으면 나중에 컴퓨터에서 이미지를 후처리하는 과정에서 그래픽 편집기에서 색상 수정을 많이 해야 합니다. 즉, 포토샵에서.
예술 장르로서의 정물화는 15세기에 등장했으며 당시에는 매우 분명한 종교적 의미를 담고 있었습니다. 많은 성인의 이미지가 꽃꽂이로 장식되었습니다. 이미 17세기에 정물화가 마침내 하나의 장르로 형성되었고, 이때 구성의 기본 규칙과 고전 기법이 등장했습니다.
오늘날 대부분의 사진작가들이 실제 사진을 촬영할 수 있는 기회에 매력을 느끼고 있음에도 불구하고 사진이 출현한 이래로 정물화는 그 인기를 잃지 않았습니다. 마스터는 순간적이고 예상치 못한 것을 촬영하려고 노력합니다. 정적인 이미지는 많은 사람들에게 덜 매력적이고 흥미롭습니다.
어떤 사람들은 정물 사진이 어려운 사진이 아니라고 잘못 생각하는 경우도 있습니다. 시간이 흘러도 움직이지 않고 변하지 않는 것을 찍는 것이 그리 어렵지 않은 것처럼 보일 수도 있기 때문입니다. 사실 정물 사진은 길고 단조로운 작업의 결과물이다. 정물 사진가는 항상 빛과 사물을 가지고 작업해야 합니다. 그는 주기적으로 피사체의 위치, 배경, 각도를 바꾼다.
정물 사진의 좋은 예로서 사진을 보여드리겠습니다. 폴레트 타보르미나- 뉴욕 출신의 유명한 사진가. 대도시에 살고 있는 Paulette는 번잡함에서 벗어날 수 있는 자신만의 방법을 찾았습니다. 그녀는 자신의 스튜디오에서 야채, 과일, 꽃으로 구성된 정물화를 촬영하며 몇 시간을 보냅니다. Paulette Tavormina의 사진은 고전 회화의 고전적인 이미지를 연상시킵니다. 그들은 매우 예술적이고 매혹적입니다.
Paulette Tavormina는 또한 비행기에 꽃, 식물, 작은 곤충을 놀라운 구성으로 만들어냅니다. 이미지는 식물학 책의 삽화나 놀라운 식물 패턴처럼 보입니다.
Paulette Tavormina의 사진은 박물관, 기업 및 개인 소장품에 소장되어 있으며 파리, 런던, 모스크바, 뉴욕, 로스앤젤레스, 마이애미 및 시카고에서 전시되었습니다. 독학으로 사진을 배운 Paulette는 네덜란드 거장들의 그림에서 배우며 정물화를 촬영하는 자신만의 독특한 기술을 개발했습니다.
식물 패턴 
