Photography sa modernong still life style. Modernong buhay pa rin. Part 4 Ang lugar ng still life sa kontemporaryong sining. Pagbuo ng isang still life composition

Noong 1970s, sa kulturang Kanluranin, na hinahamon ang abstract na sining ngayon, isang bagong kilusan ng pagpipinta ang lumitaw - photorealism (o hyperrealism, superrealism). Malaking canvases ng oil painting, na nakikilala lamang sa laki mula sa photography. Wala pang ganito sa sining - ang mga artista ay kinuha bilang batayan hindi buhay, ngunit ang pagkuha ng litrato, bukod dito, araw-araw, amateur photography. Sa mga kuwadro na gawa ng mga photorealist mayroong banal na pang-araw-araw na buhay, impersonal, dalawang-dimensional, malamig, impersonal, hindi emosyonal na katotohanan, na dumaan sa pagkuha ng litrato. Ang hyper-reality ay pinagsama sa detatsment kapag kinokopya ang mga naturang litrato. Ang ideolohiya ng photorealism ay ang pagkilala na ang advertising, telebisyon at, higit sa lahat, ang pagkuha ng litrato sa kanilang iba't ibang mga pagpapakita ay nangingibabaw sa visual na pang-unawa ng mga modernong tao na pinapalitan nila ang katotohanan. Ang potograpiya ay isang bagay na kasing totoo at kasinghalaga ng realidad - kadalasang mas nakakumbinsi ang photography kaysa sa realidad mismo. Tinatalakay ang mga prinsipyo ng modernong visual na pang-unawa at ang papel ng artist sa lipunan, ang photorealism ang naging unang konseptwal na sining.
Napatunayan ng Photorealism na ang photography ay ang pinaka-sapat na visual na wika para sa modernong kamalayan at pang-unawa, ang batayan ng lahat ng modernong visual na kultura.

Ralph Goings. "Blue napkin holder." 1980

Ralph Goings.

Ang kontemporaryong photography (kontemporaryong litrato) ay nabuo noong 1990s, nang magsimulang magtrabaho ang mga artist sa photography bilang isang media. Ang modernong photography ay hindi umiiral sa labas ng konteksto at hindi maintindihan ng isang hindi sanay na manonood. Ang potograpiya ay hindi na naging isang aesthetic na bagay. Ang lahat ng modernong litrato ay maaaring nahahati sa dalawang lugar:
1. Conceptual photography (ginalugad ang sarili);
2. Interdisciplinary photography (mga kaugnay na disiplina ay maaaring: agham, kultura, sosyolohiya; halimbawa, araling panlipunan o kultural na diyalogo na may klasikal na litrato).

Kaayon ng modernong litrato, mayroong Fine art (pinong sining, sining tungkol sa kagandahan), ang tanging gawain kung saan ay ihatid ang kagandahan ng nakapaligid na mundo. Ang pinong sining ay hindi nalalapat sa modernong litrato.

Ang conceptual photography ay photography tungkol sa photography, sining na nagsusuri ng sining. Siya ay abala sa paggalugad sa sarili: ang kanyang sariling wika, ang kanyang tungkulin, ang kanyang tungkulin, ang kanyang kalikasan.
Ang pangunahing gawain ng artist ay ang pag-isipan ang manonood, habang ang conceptual photography ay nagtatanong sa halip na magbigay ng mga sagot. Habang ang isang larawan ay nililikha, ang pagsasaliksik at pangangatwiran ay nagaganap, ang mga ito ay mas mahalaga kaysa sa huling resulta - ang larawan mismo. Ang potograpiya ay isang daluyan lamang, isang visual na anyo ng pagpapahayag, paggalugad ng isang artist.
Ang serye sa modernong photography ay may bagong kahulugan - ito ay hindi kasaysayan ng larawan, tulad ng sa modernismo, ngunit tipolohiya, tulad ng sa Karl Blossfeldt. Maliban sa ilang mga may-akda, ang mga artista ay gumagawa sa serye (isang pahayag ay ipinanganak lamang sa isang serye), kung saan ang bawat indibidwal na larawan ay hindi isang uri ng kuwento.

Sa una, ang conceptual photography ay aesthetically hindi kaakit-akit, dokumentaryo at visually hindi kawili-wili. Kaya, tinukoy ng mga artista ang isang bagong wika ng photography, isang bagong layunin. Sa pamamagitan ng pag-alis mula sa imahe ng lahat ng karaniwang pag-trigger ng klasikal na litrato ("ang mapagpasyang sandali," komposisyon, mga emosyon, mga kilos, isang nakikilalang eksena, na nagha-highlight sa pangunahing bagay), hinahangad ng mga artista na pilitin ang manonood na tingnan ang larawan mismo at isipin. tungkol sa kalikasan nito. Ang conceptual photography ay hindi mapanghusga, tuyo at malayo.

Nang maglaon, lumitaw ang tinatawag na "post-conceptual photography", na naging mas karaniwan mula sa isang aesthetic point of view at mahal upang makagawa, na dahil dito ay naimpluwensyahan ang presyo ng panghuling gawain ng sining. Bilang isang patakaran, ang mga naturang gawa, kasunod ng photorealism, ay may napakalaking sukat, na kinunan sa malalaking format na mga camera at naka-print sa paraang makikita ang lahat ng pinakamaliit na detalye. Salamat sa pamamaraang ito ng pagpapakita ng isang imahe, ang pagkuha ng litrato ay mas malapit sa katotohanan hangga't maaari, na nagbibigay-daan sa manonood na ibahagi ang katotohanang inilalarawan sa larawan. Ang hyper-detailedness ay nagbibigay ng hypertrophied hyper-reality. Kasabay nito, maraming mga artista ang gumagamit ng mga aesthetics ng mga amateur na larawan upang maihatid ang kanilang mga ideya.

Gumagamit ang mga artista ng modernong wika sa photography, maliban sa pagpasok sa cultural dialogue na may kasaysayan ng sining o kasaysayan ng photography.

Ang konseptwal na diskarte sa pagkuha ng litrato ay maaaring sa simula ay nagpapahina ng interes sa genre ng still life. Gayunpaman, salamat sa ilang mga artist, ang photographic still life ay nakatanggap ng isang bagong yugto ng pag-unlad. Kaya, binago ni Jan Gruver (1943-2012) ang mga kagamitan sa kusina sa mga maarteng komposisyon. Si Gruver ay madalas na nagbibigay ng kagustuhan na bumuo kaysa sa nilalaman, habang halos binubura ang tema mula sa kanyang trabaho. Ang kanyang mga komposisyon ay kadalasang binubuo lamang ng mga gilid ng mga bagay, na nabawasan nang hindi nakikilala. Ang texture ay kasinghalaga ng hugis. Ang mga larawan sa serye ni Gruver ay hindi gaanong mga snapshot ng mga kagamitan sa kusina at mas kumplikado, minsan abstract, mga paglalarawan ng mga spatial na kaayusan na kinasasangkutan ng hugis, kulay at texture.

Jan Gruver. Walang pamagat. 1978

Ang gawain ng mga Swiss artist na sina Peter Fischli (b. 1952) at David Weiss (1946-2012) ay nagpapatunay sa photography bilang isang paraan kung saan ang artist ay magagawang ipakita ang araw-araw, ngunit sa kanilang kaso - skewed, conventional, dubious. Para sa kanilang seryeng "Equilibrium/Quiet Afternoon," kumuha sila ng mga pang-araw-araw na bagay at binalanse ang mga ito sa mga delikadong istruktura upang ang mga kakaibang eskultura ay umuurong sa gilid ng pagbagsak. Ang kanilang mga eskultura, na hindi napapailalim sa gravity, ay may nakakaakit na hina at hina, ngunit ginawa silang walang hanggan ng camera.

Peter Fischli at David Weiss. "Tahimik na hapon" 1984-1985

Si Nobuyoshi Araki (b. 1940), na itinuturing na isang henyo at ang pinakadakilang nabubuhay na Japanese photographer, ay may espesyal na interes sa mga tema ng pagkababae, babaeng pigura at kasarian. Gamit ang core ng isang hinog, bahagyang kulubot na prutas, inulit ni Araki ang hugis ng babaeng organ. Ang paglikha ng seryeng "Erotos" noong 1993, si Araki ay dumating sa pangalan, na pinagsasama ang dalawang tema na gumaganap ng isang mahalagang papel sa kanyang sining: ang mga tema ng Eros at Thanatos (ayon sa teorya ni S. Freud, "Eros" ay pag-ibig, paglikha, kasarian, buhay, " Thanatos" - ang pagnanais para sa kalupitan, pagsalakay, sadismo at kamatayan). Sa mga litrato ni Araki, ang mga puwersang ito ay nagbanggaan: ang pinagmumulan ng pagnanasa ng lalaki ay naging isang prutas na nagsimula nang maging amag at mabulok. Sinabi ng kritiko ng sining na si Jerry Badger: "Ang pornograpiya ay talagang nasa mata ng tumitingin."

Nobuyoshi Araki. "Erotos". 1993

Photography ni Margriet Smulders "Love Conquers All" ay nagdulot ng magkasalungat na damdamin. Ang impluwensya ng mga pagpipinta noong ika-17 siglo ay kapansin-pansin dito at naririnig ang mga dayandang ng tema ng kaginhawaan sa tahanan. Ang kagandahan dito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa pagkabulok. Ang mga bulaklak sa mga litrato, na madalas kinukuha ni Smulders gamit ang mga salamin, ay tila mahuhulog na. Siya mismo ang tumawag sa mga bulaklak na "mga aktor" na naglalarawan ng "buong mundo, kasama ang lahat ng mga relasyon at mga dramatikong sitwasyon." Mayroong hindi malinaw na pakiramdam ng banta sa litratong ito: ang komposisyon ay pinutol dito at doon sa pamamagitan ng mga hubog na sanga, at ang matubig na asul na walang laman sa gitna ay nagbabanta na bahain ang buong larawan at sirain ang mga marupok na bulaklak. Gumagana ang Smulders sa classic na still life genre, ngunit ang pinalaking at hindi makatotohanang mga kulay ay lumikha ng nakakaasar na epekto na hindi karaniwang makikita sa flower photography. Tulad ng maraming kontemporaryong photographer, nakita ng Smulders ang kamatayan at ang hindi maiiwasang pagkabulok sa kalikasan. Ang mga bulaklak sa kanyang larawan ay tila magkahiwalay na bahagi ng katawan, tulad ng mga ngipin at mga dila, na tiyak na mabubulok. "Ang malago at hindi pangkaraniwang erotikong mga pagpipinta ay nagdadala sa iyo sa ibang dimensyon. Malaking salamin, detalyadong glass vase, makakapal na tela, prutas, at cut bouquet - iyan ang gawa ng mga "canvases" na ito, sabi mismo ni Margriet Smulders tungkol sa kanyang mga gawa.

Margriet Smulders. "Ang pag-ibig ay nananaig sa lahat." 125x1100 cm ang Fragment. 2005

Ang gawaing ito ay nasa magandang resolusyon sa website ng may-akda na http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 kung saan maaari kang mag-scroll dito sa komportableng bilis at manatili sa anumang bahagi
Isang kasiya-siyang site ng Smulders kasama ang iba pang mga gawa http://www.margrietsmulders.nl

Ang American photographer na si James Welling (b. 1951) ay tinawag ang kanyang pagsasanay na "isang muling pagbabangon ng modernismo, ngunit sa isang kontekstong pangkasaysayan." Ang serye ng Bulaklak ay isang malalim na pagsusuri ng nakaraan ng photography at ang katayuan nito habang ito ay umunlad. Inilalagay ni Welling ang mga pinagputulan ng halaman sa black-and-white film at inilantad ang mga ito, ang kanilang mga puting anino ay sumasalamin sa itim na background ng negatibo. Pagkatapos, gamit ang mga may kulay na mga filter ng iba't ibang mga hugis, ito ay naglalantad muli. Ang resulta ay makulay na mga photogram ng mga bulaklak - ang kanilang madilim na mga balangkas sa isang puting background na may napakaraming malambot, nagliliwanag na lilim. Si John Herschel ang naglikha ng terminong "litrato" (pagsusulat gamit ang liwanag), habang si William Henry Fox Talbot ay gumawa ng isa pang termino, "sciography" (sining ng mga anino). Ang seryeng "Bulaklak" ay bunga ng parehong mga kahulugan: sa unang yugto (paglikha ng negatibo) ang anino ng halaman ay ginagamit, sa pangalawa (paglikha ng isang kulay na positibo) ang anino ay puno ng maliwanag na liwanag, na nagsilang ng isang litrato. Ipinapaalala sa atin ng Welling na ang anino ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa photography bilang liwanag. "Hindi naman sa hindi ako interesado sa content, pero hindi lang content ang nagbibigay kahulugan sa isang litrato," sabi ni Welling.

James Welling. Mula sa seryeng "Bulaklak". Teknik ng photogram ng may-akda. 2006
Mga larawan ng mga bulaklak sa website ni Welling, kung saan mahahanap mo rin ang iba pang mga proyekto http://jameswelling.net/projects/17

Monumental abstraction ni Christian Marclay (b. 1955) – “Reminder (Survival of the Fittest).” Ang pamagat ay nagsisilbing pahiwatig—isang paalala ng isang namamatay na daluyan. Sa mas malapit na pagsusuri, ang mga sirang cassette ay nagiging kapansin-pansin na ang isang unwound magnetic tape ay nakaunat sa buong imahe. Para sa kanyang parunggit sa teorya ni Darwin at sa "extinction" ng tape, matalinong muling nilikha ni Marclay ang halos wala nang 19th-century cyanotype na teknolohiya at ginaya ang "extinct" na istilo ng Abstract Impressionism at Jackson Pollock.

Christian Marclay. "Ang pinakamalakas ay nabubuhay". Mga cyanotype. 2008

"Ang mga radiation ay nagmumula sa tunay na katawan na "doon", humipo sa akin, na matatagpuan sa ibang punto; ang katawan ng bagay na nakuhanan ng larawan ay konektado sa aking tingin sa pamamagitan ng isang uri ng pusod,” ang isinulat ni Roland Barthes, at ang kanyang mga salita ay umalingawngaw sa pahayag ni Susan Sontag na “ang isang larawan ay nagpapahintulot sa bagay na inilalarawan dito na hawakan tayo tulad ng mga nahuli na sinag ng mga bituin.” Ang isang bakas, isang signpost, anumang thread na nag-uugnay sa litrato sa katotohanan ay kawili-wiling hinabi sa mga gawa ng British photographer na si Richard Learoyd (b. 1966). Sa kanyang workshop ay nakabuo siya ng isang ganap na bagong diskarte sa pagkuha ng litrato. Gamit ang espasyo bilang darkroom, gumagawa siya ng malalaking canvases sa positibong photographic paper. Ang liwanag na tumatalbog sa isang bagay ay ang parehong liwanag na sumisikat sa iyong mga mata. Tulad ng sasabihin ni Barthes, ang bagay at ang viewer ay konektado sa pamamagitan ng isang pusod ng mga photon. Lumilitaw na hindi kapani-paniwalang malapit ang mga larawang salamin ni Learoyd; Tinawag ng unang mga teorista sa potograpiya ang gayong mga larawan na "kabaliwan ng bagay" o, gaya ng sinabi ni Andre Bazin, "isang guni-guni na totoo rin."
Sa larawang "Concrete Blocks with a Hare," ang walang buhay na katawan ng isang liyebre ay "may hawak" na mga kongkretong bloke sa isang semi-suspendido na estado, na kumakatawan sa isang nakapirming parody ng buhay. Ang mga reproduksyon ni Learoyd, tulad ng sa maraming iba pang kontemporaryong artista, ay bihirang tumutugon sa mga manonood. Ang kanyang mga makabagong diskarte sa pagkuha ng litrato ay nagpapahintulot sa kanya na lumikha ng mga monumental na larawan na may hindi kapani-paniwalang matalim na detalye, kahit na tinitingnan ang trabaho nang malapitan. Naaakit ang mga manonood sa malalaking canvases na may mga hyperrealistic na larawan. Sa larawang ipinakita dito, ang gayong puwersa ng presensya, ang gayong paniniwala ay lumilikha ng isang matalim na kaibahan sa walang buhay na katawan ng isang patay na hayop. Ang paggamit ni Learoyd ng positibong photographic paper ay nagbubunga ng isa sa mga pinakaunang anyo ng photography (na ginawang tanyag para sa pagkuha ng litrato sa mga patay): daguerreotype. Ang liwanag ay direktang nagmumula sa bagay at tumira sa ibabaw ng daguerreotype, kung saan, tulad ng sa Learoyd technique, walang intermediate na negatibo.

Richard Learoyd. "Mga kongkretong bloke na may liyebre." 2007

Video tungkol kay Learoyd at sa kanyang camera http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Karamihan sa mga gawa ng German master na si Thomas Demand (b. 1964) ay kinopya mula sa mga litrato, kabilang ang mga mula sa balita, na nakakakuha ng triple na kahulugan: sa esensya, ito ay mga larawan ng mga papel na eskultura ng mga larawan ng orihinal na imahe. Ang pagsasakatuparan nito ay humahantong sa mata ng manonood pababa sa gallery ng mga salamin, kung saan ang pagkakaiba sa pagitan ng katotohanan at fiction ay nagiging maliwanag. Nagsisimula ang demand sa pamamagitan ng pagpili ng isang larawan, pagkatapos ay lumikha ng isang life-size na 3D na kopya mula sa papel at karton, na sinisira niya pagkatapos ng shoot. Ang mga pinagmulang larawan ay madalas na naglalarawan ng mga kilalang kaganapan: sa kanyang gawaing "Voting Center," nire-reproduce niya ang mga larawan ng Palm Beach Emergency Operations Center, kung saan ginanap ang presidential elections noong 2000s. Ang imahe ay nagtataas ng tanong ng proseso ng "pag-iisip ng papel na may mga butas sa loob ng higit sa 6 na linggo, kung ang dalawa o tatlong daang mga sheet ng papel ay makabuluhang makakaimpluwensya sa kapalaran ng mundong ito." Sa unang tingin, ang larawan sa larawan ay kahawig ng isang malaking opisina. Gayunpaman, sa mas malapit na pagsusuri, kapansin-pansin na ang lahat ng mga telepono ay pareho, ang mga ibabaw ay patag at ito ay isang opisina na gawa sa papel. Ang papel ay sabay-sabay na isang relief medium at isang imaheng bagay (mga balota). Bahagyang ginagaya ang katotohanan, ang Demand ay nagtataas ng mga tanong tungkol sa pagiging tunay ng litrato. Mapagkakatiwalaan mo ba ang larawan? Totoo ba ang nakalarawan dito?

Hinihiling ni Thomas. "Punto ng pagboto". 2001
Ang gawa ni Demand sa kanyang website (huwag kalimutang papel lang ang lahat) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Kadalasang nakikita ng mga tao ang photography bilang isang tagapagdala ng impormasyon na tunay na nakakakuha ng isang bahagi ng mundo. Ang gawain ni Ori Gersht (b. 1967) ay nagpapalubha sa pananaw na ito, na pinipilit ang manonood na maghanap ng mga pagkakaiba sa pagitan ng litrato at paningin ng tao. Ang larawang "Pagsabog" mula sa seryeng "Time after Time" ay nagpapakita ng isang hyperrealistic na imahe na naghahati sa oras sa maliliit na particle, na lampas sa kapangyarihan ng mata ng tao. Inilalabas din nito ang tensyon na umiiral sa pagitan ng kagandahan at kalupitan. Inamin ni Gersht: "Interesado ako sa magkasalungat - kagandahan at pagtanggi, kung paano ang sandali ng pagkawasak sa panahon ng pagsabog ng isang palumpon ay naging isang sandali ng paglikha para sa akin." Pinalamig muna ni Gersht ang mga bulaklak gamit ang likidong nitrogen, pagkatapos ay naglagay ng maliliit na paputok na projectiles sa pagitan ng mga petals at nakunan ang sandali ng pagsabog gamit ang mga high-speed digital camera at isang espesyal na dinisenyong electronic device na naglunsad ng mga ito. Isang bouquet ng mga bulaklak ang na-immortalize sa sandali ng pagsabog.

Ori Gersht. "Bouquet of flowers". 2000

Isa pang proyekto sa website ng CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Si Sharon Core (b. 1965) ay orihinal na nag-aral upang maging isang artista, at kalaunan ay muling nagsanay bilang isang photographer. Dahil dito, gumuhit siya ng malinaw na linya sa pagitan ng dalawang paraan ng pagpapahayag na ito. Ang pagpasok sa pakikipag-usap sa mga photorealist na nagpinta ng mga larawan mula sa mga litrato, si Kor ay gumagawa ng mga larawan batay sa mga painting. Ang larawang "Mansanas" ay kasama sa seryeng "Estilo ng Kolonyal". Kung titingnan mo ang larawang ito, tila ito ay isang larawan lamang ng isang pagpipinta mula sa panahon ng mga matandang master. "Isinasagawa ko ang "katotohanan" ng isang pagpipinta noong ika-19 na siglo sa mga tuntunin ng pag-iilaw, ideya at sukat... upang magtapos sa isang ilusyon na imahe ng ibang panahon." Ang inspirasyon nito ay si Raffaelle Peale, ang may-akda ng higit sa isang daang buhay pa rin na nilikha noong panahon ng 1812-1824. Nang muling likhain ang komposisyon mula sa pagpipinta ni Peale sa kanyang studio, sinubukan ni Cor na baguhin ang mga three-dimensional na bagay sa mga relief na dalawang-dimensional na ibabaw mula sa pagpipinta ng artist. Ang kanyang diskarte ay gumuhit ng isang matapang na linya sa pagitan ng photography at pagpipinta, na pinipilit ang mga manonood na tanungin ang genre ng trabaho at ang papel ng pagiging tunay.

Sharon Cor. "Mansanas". 2009

Ang gawa ni Laura Letinsky (b. 1962) "Walang Pamagat Blg. 23" sa istilo nito ay kahawig ng isang sinaunang still life, kung saan malinaw na nakikita ang mga tradisyon ng Dutch at Flemish. Inamin niya na naiimpluwensyahan siya ng kakaibang pinaghalong Northern at Southern Renaissance, at ang kanyang mga nilikha ay sumasalamin sa "hindi maliwanag, nakakalito at mabigat" na kahulugan ng espasyo. Ang mga komposisyon ni Letinski ay ipinakita sa natural na liwanag. Para sa kanya, artista rin si light, “uncontrollable... Light is capable of surprise.” Kapag nililikha ang karamihan sa kanyang mga gawa, gumagamit siya ng liwanag sa umaga, ngunit para sa seryeng "Dog and Wolf" pinili niya ang isang velvety twilight glow at isang napakahabang bilis ng shutter. Ang pamagat ng episode ay isang parunggit sa kasabihang Pranses tungkol sa takip-silim, ang mahiwagang panahon kapag ang mga aso ay nagiging lobo.
Ang kanyang malakihang mga larawan ay lumikha ng isang kapaligiran ng tactility at pagpapalagayang-loob, na para bang kailangan lamang ng isa na makipag-ugnayan upang hawakan
paksa. "Nagulat ako sa katotohanan na ang Huling Hapunan ay isang eksena sa pagkain kung saan ang pagkain sa mesa ay lumilitaw bilang isang karagdagang karakter, ay gumaganap ng isang sumusuportang papel. At naisip ko kung ano ang mangyayari kung aalisin ko ang mga pangunahing karakter at iiwan ang lahat ng iba pa." Ang pangunahing diin nito ay ang ideya na ang photography ay nagpapakita ng isang bagay na hindi na umiiral.
Ang itinapon na balat ng isang kalahating kinakain na orange at nakakalat na mga pistachio shell - ang buong eksena ay kahawig ng isang mesa na hindi nalinis pagkatapos ng hapunan. "Kinukuhaan ko ng larawan ang mga scrap ng pagkain at itinatapon upang tuklasin ang kaugnayan sa pagitan ng kapanahunan at pagkasira, pagiging sopistikado at kakulitan, kontrol at pagkakataon." Ang pananaw ng imahe ay napaka hindi pangkaraniwan: ang talahanayan ay mukhang geometrically disproportionate, at ang mga pistachio sa sahig ay halos sumanib sa mga shell sa mesa. Ang makamulto na komposisyon ni Letinski ay lumilikha ng nakakatakot na kapaligiran ng kawalan ng kapanatagan at ang kawalan ng presensya ng tao sa nakaraan. "Interesado ako sa nangyari "pagkatapos", kung ano ang natitira... at kung ano ang nawala nang tuluyan."

Laura Letinsky. "Walang pamagat No. 23." 2009

Ang bawat may-akda ay may sariling diskarte sa buhay na buhay, bawat isa ay nilulutas ang kanyang sariling mga problema, gamit ang mga natatanging pamamaraan ng pagkuha ng mga imahe at anyo ng pagtatanghal. Ngunit sa anumang kaso, sa modernong buhay pa rin, tulad ng sa lahat ng modernong photography, ang ideya ay dumating sa unahan. Depende sa pahayag, parehong ang paraan ng pagbaril (itanghal o dokumentaryo) at ang paraan ng pagtatanghal ng panghuling larawan (plasticization, lightboxes, photo book ng may-akda, mga larawang nakuha gamit ang mga alternatibong paraan ng pag-print o gamit ang mga unang teknolohiya ng larawan, atbp.) ay pinili. .

Isaalang-alang natin ang paggamit at kumbinasyon ng iba't ibang uri ng komposisyon depende sa napiling imahe at disenyo gamit ang mga halimbawa.

Ang still life ay tinatawag na “The Story of a Lantern Forgotten on a Travel.”
Kapag nilikha ang buhay na ito, isang nasusunog na parol lamang ang ginamit mula sa mga bagay, na dinala sa baybayin ng isang reservoir na natatakpan ng niyebe. Pagkatapos ang texture ng isang lumang pabalat ng libro ay idinagdag sa Photoshop, na nagbibigay-diin sa apoy.
Napakahalaga ng ideya sa pagpili ng komposisyon ng isang still life. Dapat ay mayroong isang minimum na mga bagay upang walang makagambala sa pangunahing bagay, at ang punto ng view ay dapat na pinili upang ang tanawin sa background na may papalayong pananaw ng baybayin ay maaaring mabasa. Ang texture overlay ay ginagawang mas dramatic ang larawan. Ang komposisyon ay dayagonal, linear upang bigyang-diin ang hugis ng mga bagay at ang linya ng baybayin. Ang pangunahing accent ng komposisyon ay apoy, na matatagpuan sa intersection ng mga linya ng gintong ratio. Ang karamihan ng komposisyon ay inilipat sa kaliwang gilid, bilang isang resulta kung saan ang mata mula sa apoy ay patuloy na sumusunod sa linya ng baybayin sa kanang itaas na sulok, naghahanap ng isang pahilis na kabaligtaran na lugar ng pagbabalanse doon. Ang nasabing lugar ay maaaring isang barko sa abot-tanaw, na wala upang madagdagan ang pakiramdam ng kalungkutan sa trabaho.

Ang still life ay tinatawag na "Symphony in red and gold tones." Ang pamagat at istilo ng akda ay hango sa gawa ni Whistler, isang pintor na tumalakay sa mga isyu ng pagkakatugma ng kulay bilang mga pangunahing elemento ng masining na disenyo. Madalas niyang tawagin ang kanyang mga gawa na "symphony". Ang komposisyon ay binuo sa isang hugis-itlog upang bigyang-diin ang malambot, bilugan na mga hugis ng mga bagay; Ang mga contour ng mga bagay ay pinalambot, malabo, lumilikha ng epekto ng haze, glow, halos matulog. Ang mga bagay mismo ay pinili bilang mga simbolo ng kaalaman: isang sirang granada ay ang istraktura ng kaalaman, mga libro at isang scroll ang mga resulta nito, at isang orasan (isang simbolo ng oras) ay isang kinakailangang kondisyon. Ang gawain ay batay sa pagkakaisa ng mga relasyon sa tonal at kulay (sa madilim na mga tono).

"Kuwento ng matandang seaman" o "Ang kwento ng matandang marino." Ang kasaysayan ng buhay na ito ay medyo simple: ang mga bagay ay pinili ayon sa mga asosasyon sa mga bansa sa timog, na naproseso sa estilo ng isang lumang litrato, bahagyang may kulay. Ngunit ang buhay na buhay mismo ay itinatanghal sa paraang ang mga bagay nito sa kanilang masa ay parang isang larawan (ang mga gawa ng Renaissance artist na si D. Arcimboldo ay kinuha bilang batayan). Alinsunod dito, ang produksyon ay naglalaman ng isang dobleng kaugnayan sa malayuang paglalakbay: mga bagay mula sa "malayong bansa" at ang tagapagsalaysay - "lolo ang manlalakbay."

"Inaasahan". Ang larawan ay kinuha sa Vintage Car Museum sa Moscow. Balanseng komposisyon na may ritmo ng tonal silhouette. Ang punto ng gawain ay ang bawat paksa ay may sariling oras. Ang komposisyon ay binuo sa paraang lumikha ng pakiramdam ng isang istasyon ng tren, kung saan ang mga pasahero (mga bagay) ay naghihintay sa harap ng isang board (para sa mga oras) para sa kanilang turn...

"Autumn". Ang mga buhay pa rin sa isang tema ng taglagas ay napaka-magkakaibang, mayaman at maganda sa lahat ng dako. Kung ating aalalahanin ang mga kaakit-akit na buhay pa rin ng M. di Caravaggio, kinakatawan nila ang lahat ng pagkamayabong ng "taglagas", ang tagumpay ni Bacchus. Samakatuwid, ang komposisyon ng buhay na ito ay batay sa mga pamamaraan na ginamit ng artistang Italyano. Ang mga bagay ay ipinakita sa isang contoured, pandekorasyon na paraan, ang komposisyon ay itinayo ayon sa hugis ng isang "tatsulok". Ang inilapat na texture ay nagbibigay din sa trabaho ng isang klasikong hitsura.

"Mga Daisies" o "Bansa Still Life". Ang komposisyon ay binuo din sa isang tatsulok, ngunit ang pangunahing diin ay sa pag-iilaw - liwanag, mainit-init, malambot. Ang pagkakaisa ng mga relasyon sa tonal at kulay (sa mga light tones) ay nagbibigay ng trabaho na may pakiramdam ng katahimikan, hindi mapagpanggap, simpleng kagandahan.

"Kurant". Ang isang frieze linear na komposisyon ay napakahusay na angkop para sa pagbibigay-diin sa kagandahan ng mga linya ng mga kumpol ng currant at ang kinis ng kanilang mga paglipat. Ang ritmo ng mga bilugan na hugis ay lumilikha ng pakiramdam ng mga nakakalat na kuwintas.

"Nawala na ang lahat." Tonal, frieze, tatsulok na nakapaloob na komposisyon. Ang mga pinatuyong bulaklak, "nalanta" na mga mansanas, isang tinadtad na maalikabok na plato ay kinuha bilang mga simbolo ng katandaan. Ang mga linya ng pagkahilig ng mga bulaklak ay lumilikha ng pagkakaroon ng "dialogue" sa pagitan ng mga bagay, pag-uusap, tulong sa isa't isa at suporta. Ang mga accent ay inilalagay sa dilaw-berde na lilim.

"Frosty Autumn". Ang magandang malamig na asul-violet na lilim na naroroon sa mga bagay ay lumilikha ng isang kapaligiran ng maharlika, isang pakiramdam ng magaan na hamog na nagyelo at hamog na nagyelo. Ang orihinal na kulay ng mansanas ay kahawig ng mga frosty pattern sa salamin.

"Lahat ay nakalimutan." Frieze contour linear na komposisyon. Ang mga pinatuyong bulaklak, "kupas" na mga mansanas, isang tinadtad na maalikabok na plato ay mga simbolo ng katandaan. Hindi tulad ng buhay na buhay na "Everything Is Gone," walang dialogue, kaya naman ang pamagat ay naglalaman ng salitang "nakalimutan." Ang mga accent ay inilalagay sa dilaw at puting lilim.

"Berry tea" Dynamic na diagonal na komposisyon, linear, na binuo sa ritmo ng pula, itim at puti na mga kulay. Ang mga kumbinasyon ng kulay ay pinili kasabay ng berry-floral tea - mainit-init, na may kumplikadong pula-kayumanggi na kulay. Ang isang bahagyang diin sa pagproseso ay ibinibigay sa istilong retro.

"Blackberry". Estilo ng retro. Ang marangal na dark crimson shades ng mga blackberry at mallow na bulaklak ay binibigyang-diin ng kaibahan sa dilaw na kulay ng tasa
.

"Simponya". Diagonal na komposisyon, linear. Ang mga bulaklak at dahon ay nakaayos sa isang pagkakasunud-sunod na katulad ng sheet music. Ang mga bulaklak sa isang plorera ay sumisimbolo sa iba't ibang mga kulay sa musika (forte, piano). Ang drapery sa background ay nagbibigay ng suporta para sa mga linya sa harapan.

Ang gawain ay batay sa pagkakaisa ng mga relasyon sa tono at kulay. Linear na komposisyon sa isang katulad na hanay. Ang still life ay naglalaman ng ideya ng paghahambing ng dalawang prinsipyo - 1. Fragility, tenderness, lightness, fleetingness, fragility (phlox), 2. Hardness, eternity, constancy, static (plorera na gawa sa bato) at pagsasama-sama ng mga ito: init, kagandahan , kaplastikan at ang kakaiba ng mga contour ng mga bulaklak at mga linya ng pangkulay ng bato.

"Kabibi ng dagat". Ang komposisyon ay binuo sa isang bilog na hugis. Ang mga bulaklak ay mga simbolo (mga alegorya) ng starfish, at ang plorera ay mga shell. Ang idinagdag na texture ay nagbibigay sa trabaho ng epekto ng mga gintong alon na kumikinang sa araw.

"Pastor". Dito gumaganap ang parehong plorera bilang isang basket. Ang pag-aayos ng mga bagay (bulaklak, dahon at plorera) ay planar, pandekorasyon, tabas. Ang gawain ay nagbubunga ng mga kaugnayan sa pagpipinta ng Pransya mula sa panahon ng Rococo.

"Mga anino sa Gabi" Sa buhay na ito, sa pagbuo ng komposisyon, isang mahalagang papel ang ginampanan hindi lamang ng mga bagay mismo (asters at mansanas), kundi pati na rin ng mga anino na bumabagsak mula sa kanila, na kumikilos (dahil sa kanilang malinaw, nababasa na anyo) bilang mga independiyenteng paksa. ng photography.

"Para sa kanya..." Ang tonal na solusyon ng komposisyon. Ang still life ay ginawa sa istilo ng mga lumang postkard. Ang mga bulaklak (malaking puting peonies) sa isang plorera, mga string ng puting perlas, singsing at mga hikaw na may mga perlas - lahat ay nagpapahiwatig ng "pagkababae" ng buhay na buhay. Ang idinagdag na haze at iba pang mga texture ay nagbibigay sa trabaho ng karagdagang liwanag at airiness.

"Likas na buhay." Ang still life ay literal na isinalin bilang "patay na kalikasan." Ngunit sa nakaraan mula nang lumitaw ang genre na ito sa sining, nagsimulang magbago ang sitwasyon. Ang isang bagong pangalan para sa genre na ito ay lumitaw sa photography - "Still life" - "tahimik na buhay", parami nang parami ang mga eksperimento. Ang ideya ng gawaing ito ay "ang pagsilang ng isang bagong buhay na buhay." Ang kuting sa still life ay ang sentro ng komposisyon - ang pangunahing bahagi ng still life. Ang linear-tone na komposisyon ay nakaayos sa isang tatsulok. Ang magaan na tono sa still life, ang mga backlit na buhok ng balahibo ng kuting, at ang pose nito ay mga simbolo ng kapanganakan. Ang mga prutas ay pinili din na maliit ang laki upang mapanatili ang kapaligiran.

"Asters". Isang klasikong buhay pa rin, ang hugis ng plorera ay binibigyang diin ng isang madilim na background. Ang komposisyon ay dayagonal, ang pamamayani ng dalawang aster (lilac at puti) sa palumpon sa kanang bahagi ay lumilikha ng isang kuwento tungkol sa kung paano tumingin ang 2 bulaklak mula sa kabuuang masa upang humanga sa kanilang sarili sa salamin. At ang salamin mismo, kasama ang isang madilim na background, ay nagbibigay sa trabaho ng isang touch ng isang theatrical setting.

Buecher. Ang klasikal na komposisyon, na binuo sa mga ugnayan ng tonal sa pagitan ng mga bagay, ay itinayo sa isang "tatsulok" na figure, kung saan ang gitnang axis nito ay gumaganap din ng isang mahalagang papel (may mga semantikong punto dito: ang ulo ng isang batang babae sa bintana ni Vermeer, isang contrasting. puting sheet sa isang madilim na background ng isang libro, isang barya). Dalawang magkatulad na kandila at ang usok na nagmumula sa mga ito ay nagbibigay ng isang dynamic na komposisyon.

Still life classic kasama ang butterfly. Ang isang dalawang bahagi na komposisyon, na binuo sa pag-iisa ng mga grupo ng mga bagay at ang pagtatapos ng kanilang mga compositional figure - ang sumusuporta sa grupo (sa buhay pa rin na ito - isang tatsulok na nakuha ng isang grupo ng mga dahon) ay matatagpuan sa loob ng pangunahing isa (isang ellipse na nakuha sa pamamagitan ng pangkalahatang pag-aayos ng mga bagay). Komposisyon "contour", "linear". Ang kulay na suporta ng ibabang kaliwa at kanang itaas na sulok (butterfly at drapery sa background) ay din (kasama ang visual na linya mula sa spout ng pitsel) at dynamic na output sa itaas na kaliwang sulok.

Mamut. Klasikong "tonal na komposisyon, na nakaayos sa isang "kanang tatsulok" na pigura. Ang mga bagay na walang buhay ay bumubuo ng dalawang grupo na balanseng may kaugnayan sa isa't isa: pangkat 1 - dalawang pitsel, pangkat 2 - dalawang elepante.

Mga keramika. "Tone" na komposisyon, na nakaayos sa isang hugis-itlog. Ang mga dynamic na output dito ay mga visual na linya mula sa isang dahon ng maple, dalawang tainga ng mais at ang hawakan ng isang board. Ang mga malapit na scheme ng kulay ay hindi lamang nagkakaisa ng mga bagay, ngunit binibigyang diin din ang kanilang sariling katangian sa pamamagitan ng pagpapahusay ng papel ng texture.

Classic pa rin ang buhay. "Contour", "linear" na komposisyon, na binuo sa pakikipag-ugnayan ng dalawang pangkat ng mga bagay, pinagsama sa mga geometric na hugis: 1 pangkat - binuo sa mga accent sa dilaw-berdeng mga tono - ang "semi-oval" - ang pangunahing isa, 2 pangkat - "tatsulok", na binuo sa malapit na mga kulay - karagdagang. Ang komposisyon ay naglalaman ng mga dynamic na labasan sa itaas na kaliwa at kanang itaas na sulok: mga dahon ng bulaklak, hawakan ng basket, tuktok ng kandila, hawakan ng pitsel.

Teekane. "Isang komposisyon ng tono batay sa kaibahan ng maliwanag at madilim na mga tono. Ang pangunahing compositional center ay itinayo sa magkakaibang mga punto, ang karagdagang isa - sa malapit. Ang ritmo sa komposisyon ay itinakda ng mga guhit sa background, sila rin ay nagbabalanse.

Tangerines. Setting 1. Diagonal na komposisyon na may isang pangkat ng mga bagay na karagdagang pinagsama sa isang geometric na figure na "ellipse". Ang komposisyon ay tabas, na binuo sa malapit na mga kumbinasyon ng kulay.

Tangerines. Setting 2. Dalawang bahagi na komposisyon (tatsulok at ellipse), tabas, na binuo sa magkatulad na mga kumbinasyon ng kulay. Mga dinamikong output: 1 - mga visual na linya sa kahabaan ng dahon at leeg ng pitsel sa itaas na kaliwang sulok; 2 - mga visual na linya kasama ang mga balat ng tangerine sa ibabang kaliwa at kanang sulok.

May-akda: Yulia Dorofeeva

Ang buhay pa rin ay nararapat na matawag na isa sa mga pinaka kumplikadong genre sa anumang anyo ng pinong sining. At sa photography din. Ang kalikasan, halimbawa, ay maganda sa sarili. Upang lumikha ng isang magandang tanawin, kailangan lamang ng artist na makahanap ng isang kaakit-akit na lugar, sa madaling salita, isang magandang kalikasan, at ihatid ang estado ng kalikasan sa canvas. Oo, siyempre, mahirap. Napakahirap. Hindi lahat ay kayang ihatid ang mood sa isang larawan. Mas mahirap gawin ito sa buhay pa. Sa katunayan, sa isang buhay na buhay, hindi katulad, sabihin, isang landscape o isang portrait, ang artist mismo ay nag-aayos ng kalikasan na ito, nagtatayo ng komposisyon sa kanyang sarili, pumipili ng mga bagay para sa imahe... Ang lahat ng ito ay nalalapat sa mga photo artist. Kapag nagtatrabaho sa isang still life, isang napakahalagang papel ang ginagampanan ng malikhaing imahinasyon ng may-akda, kaalaman sa mga batas ng komposisyon, isang pakiramdam ng texture at liwanag... Pagkatapos ng lahat, hindi katulad ng tanawin na nilikha ng kalikasan at ng tao bago ang artist , lumilikha ang artist ng still life mula sa simula, inaayos ito sa isang blangkong papel. Kung saan wala noon. Ito marahil ang dahilan kung bakit hindi lahat ng artista ay nakakagawa ng magandang still life. Tingnan mo na lang ang mga pintor. Marami bang tunay na panginoon ng buhay pa rin sa kanila? Marami pang portrait at landscape na pintor... Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa sining ng photography.

Sa artikulong ito susubukan naming sabihin sa iyo kung paano lumikha ng isang magandang photographic still life. Siyempre, magbibigay kami ng ilang payo sa bagay na ito. Umaasa kaming matutulungan ka nila sa iyong malikhaing gawain. Sila ay magiging isang insentibo para sa malikhaing paglago.

Saan magsisimula ang buhay pa rin?

Ang still life ay nagsisimula sa isang konsepto, iyon ay, sa madaling salita, sa isang ideya. Tumingin sa paligid - ano ang nasa iyong tahanan na kawili-wili bilang isang bagay para sa pagbuo ng isang still life composition? Anong mga bagay ang "hinihiling" na isama sa frame? Ang mga luma at "naka-texture" na mga bagay ay mukhang napakaganda sa isang buhay na buhay - iba't ibang mga plorera, orasan, antigong libro, porselana na pigurin, lampara sa mesa, set, kandelero at kandila, ilang mga bagay na gawa sa magaspang at malalaking habi na tela - napkin, tablecloth... Magmukhang maganda sa buhay ng mga prutas at gulay. Ang mga bulaklak ay isa rin sa mga paboritong bagay ng mga pintor ng still life. Bukod dito, ang mga bulaklak ay hindi lamang sariwa, ngunit tuyo din. Walang limitasyon sa imahinasyon dito. Ang iba't ibang mga bagay ay angkop para sa still life. Ang pangunahing bagay ay ang lahat ng mga bagay na ito ay magkakasuwato sa bawat isa sa anyo, kulay, pagkakayari, kahulugan... Buweno, halimbawa, ano ang ideya ng pagsasama-sama, sabihin nating, mga pliers at isang plorera ng mga mansanas sa isa pa. buhay?

Magsimula tayo sa hindi bababa sa pinakasimpleng komposisyon: isang buhay na buhay, ang pangunahing "karakter" kung saan ay isang mangkok ng prutas. May magsasabi na ang gayong buhay na patay ay ang pinakakaraniwan, laganap at malayo sa bago. E ano ngayon! Sumang-ayon, ano ang maaaring maging mas maganda at kawili-wili kaysa sa magagandang prutas sa isang magandang plorera? Ito ang magiging ideya ng ating buhay pa. Ngayon, magpasya tayo kung aling mga bagay ang mayroon tayo na maaaring ilagay sa tabi ng gayong kagandahan, kung anong mga texture at mga kulay ang magiging kasuwato ng mga kulay at texture ng prutas at ang plorera mismo. Isinasaalang-alang ang lahat ng ito, tandaan ang tungkol sa semantikong nilalaman ng buhay na walang buhay. Pagkatapos ng lahat, ang isang buhay na buhay, tulad ng iba pang pagpipinta, ay dapat magkuwento. Buweno, isipin, halimbawa: isang plorera na may mga mansanas, peras at seresa, at sa tabi ng mga ito ay ilang mga wildflower at isang tabo ng gatas. Ang lahat ng ito ay matatagpuan sa isang simpleng plank rustic table. Narito ang isang kuwento tungkol sa isang madaling araw sa nayon!

Pagpili ng lugar kung saan kukunan ang isang still life

Ang anumang bagay ay maaaring magsilbi bilang isang object table para sa isang still life. Anumang mesa sa iyong tahanan ay maaaring gampanan ang papel na ito. At hindi lang ang mesa. Ang mga bagay para sa still life photography ay maaaring ilagay sa windowsill, sa bedside table, kahit na sa isang istante sa closet. Ang pangunahing criterion dito ay ang lakas ng object table na ito at ang sapat na lugar nito. Upang mayroong isang lugar kung saan ang iyong malikhaing imahinasyon ay nakakaramdam ng kalmado, upang ito ay maluwang at madali para dito manirahan doon. Kahit na sa sahig maaari mong ayusin ang mga komposisyon ng mga bagay para sa pagbaril ng mga buhay pa rin. Buweno, kung ang ibabaw kung saan mo inilalagay ang iyong mga bagay ay hindi magandang tingnan o hindi nakakatugon sa lahat ng posibleng pamantayan para sa buhay na buhay na iyong ginagawa, maaari mo itong takpan ng magandang tela: isang tablecloth o napkin. Maaari kang maglagay lamang ng isang piraso ng papel o magandang playwud dito, halimbawa.

Huwag kalimutan ang tungkol sa background ng iyong still life. Ang background sa genre na ito ng fine art ay gumaganap ng isang napakahalagang papel. Pagkatapos ng lahat, siya ang nagtatakda ng buong mood ng pagpipinta (at photography, siyempre)! Well, halimbawa, kung ang background ng iyong still life ay itim, burgundy, dark brown, o isang kumbinasyon ng mga kulay na ito, kung gayon ang iyong larawan ay magiging dramatiko, sa ilang mga paraan kahit na medyo madilim. Ang isang maliwanag na background - puti, rosas, mapusyaw na berde, asul - ay magbibigay ng tahimik na buhay na lambing, senswalidad, at romansa. Mahusay na kunan ng larawan ang "babae" na nabubuhay pa sa maliwanag na background, at ang "lalaki" ay nabubuhay pa rin sa madilim na background. Iyon ay, ang mga kung saan ang mga bagay na walang buhay ay tila pag-aari ng isang babae o isang lalaki, o inilaan para sa kanila.

Ang materyal para sa background ng isang still life ay maaaring plywood o karton, pininturahan sa nais na kulay, o anumang iba pang materyal, mas mabuti na hindi glare, ngunit matte. Napakahirap para sa kahit na mahuhusay na photographer na magtrabaho nang may nakasisilaw na background. Kung gumamit ka ng tela bilang isang background, pagkatapos ay maaari itong maganda na naka-draped, iyon ay, inilatag sa mga kamangha-manghang fold. Ang ilang mga tao ay namamahala sa pag-shoot ng mga buhay na buhay nang hindi ginagamit ang background bilang isang bagay. Magagawa ito kung hindi ka gumagamit ng natural na liwanag, ngunit mag-shoot lamang sa ilalim ng artipisyal na pag-iilaw sa isang madilim na silid. Sa kasong ito, ang mga kagamitan sa pag-iilaw ay dapat na nakadirekta ng eksklusibo sa mga bagay na nakuhanan ng larawan. Kasabay nito, lahat ng bagay na nananatili sa labas ng lugar na ito ng liwanag ay napupunta sa ganap na kadiliman at nagiging isang malalim, magandang matte na itim na background.

Pagbuo ng isang still life composition

Ang paglikha ng isang komposisyon ay marahil ang pinakamahirap na yugto sa paggawa sa isang still life. Para sa ilan, ang yugtong ito ay maaaring mukhang hindi mahalaga at hindi kumplikado. Tila, sa unang sulyap, ang lahat ay simple: maglagay ng magagandang bagay sa mesa - at simulan ang pagkuha ng litrato sa kanila. Ngunit ito ay hindi totoo sa lahat. Mas tiyak, ito ay ganap na mali! Napakabilis mong mauunawaan na ang ilang mga bagay ay hindi magkakasuwato sa bawat isa, halimbawa, sa kulay, sa laki, sa kahulugan... Ang komposisyon ay lumalabas na hindi katimbang, "nahuhulog" sa isang gilid o sa iba pa. Sa madaling salita, ang pagkaunawa na ang yugtong ito sa pagtatrabaho sa isang still life ay ang pinakamahirap at pinakamahalaga ay darating sa iyo mamaya o mas maaga. At mauunawaan mo na hindi ito perpekto, ngunit kahit na ang tamang paglalagay ng mga bagay para sa isang still life ay isang napakahirap na gawain. At hindi lahat ng photographer at artist ay mabilis na malulutas ito.

Kaya, bumaba tayo sa aktwal na gawain. Nagsisimula tayong lumikha ng komposisyon ng ating hinaharap na buhay pa rin.

Una sa lahat, kailangan nating matukoy kung ano ang magiging sentro ng interes para sa manonood sa ating buhay pa. Sa madaling salita, kung ano ang magiging pangunahing bagay sa ating larawan, ang sa paligid kung saan bubuo at iikot ang buong kwentong nilikha. Buweno, dahil nagsimula tayong mag-usap tungkol sa buhay pa rin gamit ang halimbawa ng isang mangkok ng prutas, ipagpatuloy natin ang paksang ito. Hayaan itong, ang plorera na ito, ang maging sentro, ang pangunahing bagay ng buong komposisyon.

Ang unang bagay na kailangan mong isaalang-alang ay ang semantiko at geometric na mga sentro ng anumang pagpipinta, kabilang ang mga litrato at, natural, buhay pa rin, ay hindi palaging nag-tutugma. Sa madaling salita, kung ang aming mangkok ng prutas ay malinaw na matatagpuan sa gitna ng lugar ng frame, sa intersection ng mga diagonal nito, ito ay masama (Kadalasan ay masama. Ngunit huwag kalimutan na may mga pagbubukod sa anumang mga patakaran...). Kaya inirerekomenda naming ilipat ang plorera sa isang gilid ng frame. Maaari kang maglagay o maglagay ng isa o higit pang mga bagay sa malapit. Halimbawa, maglagay ng isang mansanas malapit sa isang plorera. O maglagay ng magandang baso ng alak sa tabi nito... Kung gusto mo, maaari mong iwanan ang mangkok ng prutas sa napakagandang paghihiwalay. At ito ay maaari ding maging maganda at magkakasuwato. Ngunit, gayunpaman, medyo mahirap gawin ito. Ang minimalism ay palaging isang mahirap na genre sa fine art. Ang mas simple ang mas mahusay - ito ang pangunahing prinsipyo ng minimalism. At hindi lahat ng artista ay kayang buhayin ito, sa katotohanan. Kaya, upang magsimula sa, inirerekumenda namin na lumikha ka pa rin ng isang still life na komposisyon mula sa ilang mga bagay. Ngunit huwag kalimutan na ang lahat ng mga bagay na ito ay konektado sa bawat isa sa kahulugan, magkakasuwato sa kulay, hugis, sukat at texture. Halimbawa, kung ang mga pulang mansanas ay kumportable na matatagpuan sa iyong plorera, pagkatapos ay sa tabi nito, sa isang magandang snow-white tablecloth, maaari kang maglagay ng isang mapagmataas na pulang rosas. O pulang poppy. Ngunit, sabihin nating, ang panghalo na dinala mo mula sa kusina, kahit na ito ay pula, ay magiging ganap na hindi naaangkop sa komposisyon na ito. Dapat tayong magsikap na matiyak na ang mga bagay sa buhay na walang buhay ay umakma sa isa't isa, at hindi nakikipagtalo sa isa't isa, at hindi nagdudulot ng pagkalito sa manonood.

Kaya, nagpasya kami sa mga komposisyon. Lumipat tayo sa susunod na yugto ng trabaho:

Paglalagay ng ilaw

Ang wastong inilagay o napiling liwanag sa isang still life ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa mismong komposisyon nito.

Kung nagtatrabaho ka sa isang buhay na buhay sa bahay, hindi sa isang espesyal na studio, ngunit sa iyong apartment, kung gayon ito ay pinakamahusay na simulan ang pagbaril sa natural na liwanag ng araw. Sa kasong ito, inirerekumenda namin ang paglalagay ng object table sa hindi kalayuan sa bintana o sa tapat nito. Ang malambot, nagkakalat, at sa parehong oras ay nakadirekta sa liwanag na bumabagsak mula sa bintana papunta sa komposisyon ng iyong paksa ay lilikha ng maganda, mahaba, malambot na mga anino mula sa mga bagay, at sa parehong oras ay pabor na bigyang-diin at ibunyag ang texture ng mga bagay na ito, na nagbibigay sa kanila ng lakas ng tunog.

Hindi mahalaga kung gaano ito kakaiba sa iyo, medyo madaling kontrolin at ayusin ang natural na sikat ng araw mula sa isang bintana. Madaling gawin ito sa pamamagitan ng pagmamanipula ng iba't ibang mga reflector at damper na ginawa, halimbawa, mula sa karton, playwud o iba pang mga materyales na nasa kamay. Ang isang reflector, halimbawa, ay maaaring isang ordinaryong sheet ng A4 na papel na nakasandal sa isang bagay sa iyong object table. Oo, kahit na ang isang pahayagan na nakatiklop sa isang "kubo" at inilagay sa tabi nito ay maaaring gumana bilang isang reflector! Maaari mong lilim ang liwanag mula sa bintana gamit ang mga kurtina ng bintana o mga blind.

Kung ikaw ay nagtatrabaho sa iyong still life sa gabi, at ang liwanag ng araw ay hindi magagamit sa iyo, kailangan mong magtrabaho gamit ang artipisyal na liwanag. Ang isang ordinaryong flash ay gagana nang maayos bilang isang mapagkukunan ng naturang liwanag. Kailangan mo lang maglagay ng diffuser dito. Kung hindi mo ito gagawin at mag-shoot nang walang diffuser, maaaring mabuo ang malupit, magaspang at hindi magandang tingnan na mga anino sa background. Kung mayroon kang isang mahusay na mapagkukunan ng patuloy na artipisyal na ilaw sa iyong pagtatapon, pagkatapos ay mas mahusay na gamitin ito kasabay ng isang softbox.

Maaari kang gumamit ng table lamp bilang karagdagang pinagmumulan ng liwanag. Ang isang sinag ng liwanag mula dito, halimbawa, ay maaaring idirekta sa background. Ngunit sa kasong ito kailangan itong ilagay palayo sa background, sa layo na halos isang metro. Kung hindi, ang liwanag na lugar sa background ay magiging napakatalas, magaspang at pangit. Maaari ding maglagay ng table lamp sa likod ng komposisyon ng mga bagay na iyong ginawa at ginamit bilang pinagmumulan ng backlight.

Eto na. Ang komposisyon ay binuo. Bukas ang ilaw. Handa na ang lahat. Magsimula tayo sa paggawa ng pelikula. Ang mga still life ay pinakamahusay na kinunan sa isang tripod. Bakit? Dahil maaaring kailanganin mong magtrabaho sa medyo mahabang bilis ng shutter upang makamit ang ilang partikular na layunin. At kung walang tripod, imposible lamang ang naturang pagbaril. Dapat stable ang camera. Ang isang halimbawa dito ay ang still lifes ng classic ng Czechoslovak na photography noong kalagitnaan ng huling siglo, si Vaclav Jiru, na ginawa niya sa kanyang studio o sa labas sa gabi, eksklusibo sa pamamagitan ng liwanag ng buwan, nang hindi gumagamit ng anumang karagdagang pinagmumulan ng liwanag. Buweno, kung hindi ka magtatakda ng ganoong mataas na layunin para sa iyong sarili, pagkatapos ay kapag nag-shoot ng handheld, subukang hawakan ang camera upang hindi ito manginig. Hindi kasama ang pag-blur at pag-blur sa still life. Ito ay isang genre sa sining - dapat na malinaw ang lahat.

Sa proseso ng pag-shoot ng still life, inirerekomenda namin ang muling pagsasaayos ng mga bagay mula sa isang lugar patungo sa lugar, huwag mag-atubiling baguhin ang liwanag, at ilipat ang mga pinagmumulan nito sa iba't ibang direksyon. Mag-shoot sa iba't ibang bilis ng shutter at iba't ibang aperture. Baguhin ang iba pang mga setting sa iyong camera. Mag-shoot mula sa iba't ibang mga anggulo, mula sa iba't ibang mga shooting point. Mag-shoot gamit ang iba't ibang lente. Improvise on the go! Maghanap ng iba't ibang mga pagpipilian! Nasa proseso ng pagbaril ng isang still life na lumitaw ang isang tiyak na kaguluhan, isang uri ng katapangan. Gusto mong bumuo ng higit at higit pang mga bagong opsyon para sa still life composition, parami nang parami ang mga bagong lighting scheme. Huwag limitahan ang paglipad ng iyong malikhaing imahinasyon! Marahil ngayon ay gagawa ka ng iyong pinakamahusay na pagbaril, na sa kalaunan ay luluwalhati sa iyo!

Oo, at isa pang tala. Ang aming huling rekomendasyon para sa araw na ito. Kung maraming puti sa iyong still life, bago ka magsimulang kumuha ng litrato, masidhi naming inirerekomenda na tandaan mong itakda nang tama ang white balance sa mga setting ng camera. Kung hindi, sa paglaon, sa proseso ng post-processing ng imahe sa isang computer, kakailanganin mong mag-tinker ng maraming gamit ang pagwawasto ng kulay sa isang editor ng graphics. Sa madaling salita, sa Photoshop.

Ang buhay pa rin bilang isang genre ng sining ay lumitaw noong ika-15 siglo at pagkatapos ay nagkaroon ng napakalinaw na relihiyosong mga tono. Maraming mga imahe ng mga santo ay naka-frame na may floral arrangement. Nasa ika-17 siglo na, ang buhay pa rin sa wakas ay nabuo bilang isang genre, kung saan lumitaw ang mga pangunahing tuntunin ng komposisyon at mga klasikal na pamamaraan.

Mula nang dumating ang photography, ang buhay pa rin ay hindi nawala ang katanyagan nito, kahit na karamihan sa mga photographer ngayon ay naaakit ng pagkakataong mag-shoot sa aksyon. Nagsusumikap ang mga master na mag-shoot ng isang bagay na panandalian at hindi inaasahang hindi gaanong kaakit-akit at kawili-wili para sa marami.

Maaaring maling akala ng ilan na ang still life photography ay hindi isang mahirap na uri ng photography, dahil maaaring mukhang hindi masyadong mahirap ang pagkuha ng larawan ng isang bagay na hindi gumagalaw o nagbabago sa paglipas ng panahon. Sa katunayan, ang mga still life na litrato ay resulta ng mahaba, walang pagbabago sa trabaho. Ang isang still life photographer ay dapat gumana sa liwanag at mga bagay sa lahat ng oras. Pana-panahong binabago niya ang mga lugar ng mga paksa, background at anggulo.

Bilang magagandang halimbawa ng mga larawan ng still life, magpapakita kami sa iyo ng mga larawan Paulette Tavormina- isang sikat na photographer mula sa New York. Nakatira sa isang malaking lungsod, nakahanap si Paulette ng sarili niyang paraan upang makatakas mula sa pagmamadali at pagmamadali. Siya ay gumugugol ng mga oras sa kanyang sariling studio, shooting still lifes na binubuo ng mga gulay, prutas at bulaklak. Ang mga litrato ni Paulette Tavormina ay nakapagpapaalaala sa mga klasikong larawan mula sa klasikal na pagpipinta. Ang mga ito ay lubos na masining at kaakit-akit.

Lumilikha din si Paulette Tavormina ng mga kamangha-manghang komposisyon ng mga bulaklak, halaman at maliliit na insekto sa isang eroplano. Ang mga larawan ay mas mukhang mga ilustrasyon mula sa mga aklat ng botanika o kamangha-manghang mga pattern ng halaman.

Ang mga litrato ni Paulette Tavormina ay nasa mga museo, korporasyon at pribadong koleksyon, at ipinakita sa Paris, London, Moscow, New York, Los Angeles, Miami at Chicago. Si Paulette ay isang self-taught na photographer na binuo niya ang kanyang natatanging pamamaraan para sa pagbaril ng mga buhay pa rin sa kanyang sarili, na natututo mula sa mga painting ng mga Dutch masters.