Fotografia in stile still life moderno. Natura morta moderna. Parte 4 Il posto della natura morta nell'arte contemporanea. Costruire una composizione di natura morta

Negli anni '70, nella cultura occidentale, sfidando l'arte ormai astratta, emerse un nuovo movimento pittorico: il fotorealismo (o iperrealismo, superrealismo). Enormi tele di pittura ad olio, che si distinguono solo per le dimensioni dalla fotografia. Non c'è mai stato nulla di simile nell'arte: gli artisti hanno preso come base la fotografia, non la vita e, inoltre, la fotografia amatoriale quotidiana. Nei dipinti dei fotorealisti c'è la quotidianità banale, la realtà impersonale, bidimensionale, fredda, impersonale, priva di emozioni, passata attraverso la fotografia. L'iperrealtà si combina con il distacco quando si copiano tali fotografie. L’ideologia del fotorealismo è il riconoscimento che la pubblicità, la televisione e, soprattutto, la fotografia nelle loro varie manifestazioni sono così dominanti nella percezione visiva delle persone moderne da sostituire la realtà in quanto tale. La fotografia è un oggetto reale e importante quanto la realtà: spesso la fotografia è ancora più convincente della realtà stessa. Discutendo i principi della percezione visiva moderna e il ruolo dell’artista nella società, il fotorealismo divenne la prima arte concettuale.
Il fotorealismo ha dimostrato che la fotografia è il linguaggio visivo più adeguato per la coscienza e la percezione moderne, la base di tutta la cultura visiva moderna.

Ralph Goings. "Porta tovaglioli blu." 1980

Ralph Goings.

La fotografia contemporanea (fotografia contemporanea) si è formata negli anni '90, quando gli artisti hanno iniziato a lavorare con la fotografia come media. La fotografia moderna non esiste fuori dal contesto ed è incomprensibile per uno spettatore inesperto. La fotografia ha cessato di essere un oggetto estetico. Tutta la fotografia moderna può essere divisa in due aree:
1. Fotografia concettuale (esplora se stessa);
2. Fotografia interdisciplinare (le discipline correlate possono essere: scienza, cultura, sociologia; ad esempio, studi sociali o dialogo culturale con la fotografia classica).

Parallelamente alla fotografia moderna, ci sono le belle arti (belle arti, arte sulla bellezza), il cui unico compito è trasmettere la bellezza del mondo circostante. L’arte non si applica alla fotografia moderna.

La fotografia concettuale è la fotografia sulla fotografia, l'arte che analizza l'arte. È impegnata ad esplorare se stessa: il suo linguaggio, la sua funzione, il suo ruolo, la sua natura.
Il compito principale dell'artista è far riflettere lo spettatore, mentre la fotografia concettuale pone domande piuttosto che dare risposte. Mentre viene creata una fotografia, si svolgono ricerche e ragionamenti, che sono più importanti del risultato finale: la fotografia stessa. La fotografia è semplicemente un mezzo, una forma di espressione visiva, l'esplorazione di un artista.
La serie nella fotografia moderna ha un nuovo significato: non è storia della fotografia, come nel modernismo, ma tipologia, come in Karl Blossfeldt. Ad eccezione di alcuni autori, gli artisti lavorano in serie (un'affermazione nasce solo in una serie), dove ogni singola fotografia non è una sorta di storia.

Inizialmente, la fotografia concettuale era esteticamente poco attraente, documentaristica e visivamente poco interessante. Pertanto, gli artisti hanno definito un nuovo linguaggio fotografico, un nuovo scopo. Rimuovendo dall'immagine tutti i consueti fattori scatenanti della fotografia classica ("il momento decisivo", la composizione, le emozioni, i gesti, una scena riconoscibile, che evidenzia l'essenziale), gli artisti hanno cercato di costringere lo spettatore a guardare la fotografia stessa e a pensare sulla sua natura. La fotografia concettuale non giudica, è secca e distante.

Successivamente apparve la cosiddetta “fotografia post-concettuale”, diventata più comune dal punto di vista estetico e costosa da produrre, che di conseguenza influenzò il prezzo dell’opera d’arte finale. Di norma, tali opere, seguendo il fotorealismo, sono di dimensioni enormi, scattate con fotocamere di grande formato e stampate in modo tale che tutti i più piccoli dettagli siano visibili. Grazie a questo metodo di presentazione dell'immagine, la fotografia si avvicina il più possibile alla realtà, consentendo allo spettatore di condividere la realtà rappresentata nella fotografia. L’iperdettaglio dà un’iperrealtà ipertrofica. Allo stesso tempo, molti artisti utilizzano l’estetica delle fotografie amatoriali per trasmettere le proprie idee.

Gli artisti usano il linguaggio moderno nella fotografia, tranne quando entrano in dialogo culturale con la storia dell'arte o con la storia della fotografia.

L’approccio concettuale alla fotografia potrebbe aver inizialmente smorzato l’interesse per il genere della natura morta. Tuttavia, grazie ad alcuni artisti, la natura morta fotografica ha ricevuto una nuova fase di sviluppo. Così Jan Gruver (1943-2012) ha trasformato gli utensili da cucina in composizioni artistiche. Gruver spesso preferisce la forma al contenuto, quasi cancellando il tema dal suo lavoro. Le sue composizioni spesso consistono solo nei bordi degli oggetti, ridotti al di là del riconoscimento. La struttura è importante quanto la forma. Le fotografie della serie di Gruver non sono tanto istantanee di utensili da cucina quanto rappresentazioni più complesse, a volte astratte, di disposizioni spaziali che coinvolgono forma, colore e consistenza.

Jan Gruver. Senza titolo. 1978

Il lavoro degli artisti svizzeri Peter Fischli (nato nel 1952) e David Weiss (1946-2012) afferma la fotografia come mezzo attraverso il quale l'artista è in grado di presentare la quotidianità, ma nel loro caso - distorta, convenzionale, dubbia. Per la loro serie “Equilibrium/Quiet Afternoon”, hanno preso oggetti di uso quotidiano e li hanno bilanciati in strutture precarie in modo che le strane sculture vacillano sull’orlo del collasso. Le loro sculture, non soggette alla gravità, hanno una piccante fragilità e fragilità, ma la fotocamera le ha rese eterne.

Peter Fischli e David Weiss. "Pomeriggio tranquillo" 1984-1985

Nobuyoshi Araki (nato nel 1940), considerato un genio e il più grande fotografo giapponese vivente, ha un interesse particolare per i temi della femminilità, della figura femminile e del sesso. Utilizzando il nucleo di un frutto maturo e leggermente rugoso, Araki ha ripetuto la forma dell'organo femminile. Creando la serie “Erotos” nel 1993, Araki ha inventato il nome, combinando due temi che giocano un ruolo chiave nella sua arte: i temi di Eros e Thanatos (secondo la teoria di S. Freud, “Eros” è amore, creazione, sesso, vita, “ Thanatos" - il desiderio di crudeltà, aggressività, sadismo e morte). Nelle fotografie di Araki, queste forze si scontrano: la fonte della lussuria maschile diventa un frutto che ha già cominciato ad ammuffire e a marcire. Il critico d’arte Jerry Badger ha detto: “La pornografia è davvero negli occhi di chi guarda”.

Nobuyoshi Araki. "Eroto". 1993

La fotografia di Margriet Smulders “Love Conquers All” suscita sentimenti contrastanti. In esso si nota l'influenza dei dipinti del XVII secolo e si sentono echi del tema del comfort domestico. La bellezza qui è indissolubilmente legata al decadimento. I fiori nelle fotografie, che Smulders spesso scatta con gli specchi, sembrano sul punto di cadere. Lei stessa definisce i fiori “attori” che raffigurano “il mondo intero, con tutte le relazioni e le situazioni drammatiche”. C'è un vago senso di minaccia in questa fotografia: la composizione è tagliata qua e là da rami curvi, e il vuoto blu acquoso al centro minaccia di inondare l'intera immagine e distruggere i fragili fiori. Smulders lavora nel classico genere della natura morta, ma i colori esagerati e non realistici creano un effetto stridente che non si trova tipicamente nella fotografia di fiori. Come molti fotografi contemporanei, Smulders vedeva la morte e l'inevitabilità del decadimento della natura. I fiori nella sua fotografia sembrano parti separate del corpo, come denti e lingue, destinate a marcire. “Dipinti lussureggianti e insolitamente erotici ti portano in un'altra dimensione. Specchi enormi, vasi di vetro elaborati, tendaggi spessi, frutta e mazzi di fiori tagliati: ecco di cosa sono fatte queste "tele", dice la stessa Margriet Smulders delle sue opere.

Margriet Smulders. "L'amore conquista tutto." 125x1100 cm Frammento. 2005

Questo lavoro è in buona risoluzione sul sito dell'autore http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 dove puoi scorrerlo a un ritmo comodo e attenersi a qualsiasi parte
Un delizioso sito di Smulders con altri lavori http://www.margrietsmulders.nl

Il fotografo americano James Welling (nato nel 1951) definisce la sua pratica “un revival del modernismo, ma in un contesto storico”. La serie Flower è un'analisi approfondita del passato della fotografia e della sua evoluzione. Welling posiziona i ritagli di pianta su una pellicola in bianco e nero e li espone, con le loro ombre bianche riflesse sullo sfondo nero del negativo. Poi, utilizzando filtri colorati di forme diverse, espone nuovamente. Il risultato sono vibranti fotogrammi di fiori: i loro contorni scuri su uno sfondo bianco con una miriade di sfumature morbide e luminose. John Herschel coniò il termine “fotografia” (scrivere con la luce), mentre William Henry Fox Talbot coniò un altro termine, “sciografia” (arte delle ombre). La serie “Fiore” è il frutto di entrambe le definizioni: nella prima fase (creando un negativo) viene utilizzata l'ombra di una pianta, nella seconda (creando un positivo colorato) l'ombra viene riempita di luce intensa, dando vita ad un fotografia. Welling ci ricorda che l'ombra gioca un ruolo importante nella fotografia quanto la luce. "Non è che non sia interessato al contenuto, ma il contenuto non è l'unica cosa che dà significato a una fotografia", afferma Welling.

James Welling. Dalla serie “Fiore”. Tecnica del fotogramma d'autore. 2006
Fotogrammi di fiori sul sito di Welling, dove potete trovare anche altri progetti http://jameswelling.net/projects/17

Astrazioni monumentali di Christian Marclay (nato nel 1955) – “Promemoria (Survival of the Fittest).” Il titolo funge da indizio: ricorda un medium morente. Ad un esame più attento, si notano cassette rotte, diventa chiaro che un nastro magnetico svolto è allungato lungo l'intera immagine. Per la sua allusione alla teoria di Darwin e all'"estinzione" del nastro, Marclay ricreò abilmente la quasi estinta tecnologia della cianotipia del XIX secolo e imitò lo stile "estinto" dell'impressionismo astratto e di Jackson Pollock.

Cristiano Marclay. "Il più forte sopravvive". Cianotipi. 2008

“Le radiazioni emanano dal corpo reale che era “lì”, toccandomi, situato in un altro punto; il corpo della cosa fotografata è collegato al mio sguardo da una sorta di cordone ombelicale”, ha scritto Roland Barthes, e le sue parole hanno fatto eco all’affermazione di Susan Sontag secondo cui “una fotografia permette all’oggetto raffigurato in essa di toccarci come raggi tardivi di stelle”. Una traccia, un segnale, un qualsiasi filo che collega la fotografia con la realtà sono intrecciati in modo interessante nelle opere del fotografo britannico Richard Learoyd (nato nel 1966). Nel suo laboratorio ha sviluppato una tecnica fotografica completamente nuova. Utilizzando lo spazio come una camera oscura, crea enormi tele su carta fotografica positiva. La luce che rimbalza su un oggetto è la stessa luce che brilla nei tuoi occhi. Come direbbe Barthes, l'oggetto e lo spettatore sono collegati da un cordone ombelicale di fotoni. Le immagini speculari di Learoyd appaiono incredibilmente vicine; I primi teorici della fotografia chiamavano tali fotografie “la follia della materia” o, come diceva André Bazin, “un’allucinazione anch’essa vera”.
Nella fotografia “Concrete Blocks with a Hare”, il corpo senza vita di una lepre “trattiene” blocchi di cemento in uno stato semi-sospeso, rappresentando una parodia congelata della vita. Le riproduzioni di Learoyd, come quelle di molti altri artisti contemporanei, raramente incontrano il favore degli spettatori. Le sue innovative tecniche fotografiche gli permettono di creare immagini monumentali con dettagli incredibilmente nitidi, anche osservando l'opera da vicino. Gli spettatori sono attratti da enormi tele con immagini iperrealistiche. Nella fotografia qui presentata, una tale forza di presenza, una tale credibilità crea un netto contrasto con il corpo senza vita di un animale morto. L'uso della carta fotografica positiva da parte di Learoyd evoca una delle prime forme di fotografia (resa popolare per fotografare i morti): il dagherrotipo. La luce proviene direttamente dall'oggetto e si deposita sulla superficie del dagherrotipo, dove, proprio come nella tecnica Learoyd, non esiste alcun negativo intermedio.

Richard Learoyd. "Blocchi di cemento con una lepre." 2007

Video su Learoyd e la sua macchina fotografica http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

La maggior parte delle opere del maestro tedesco Thomas Demand (nato nel 1964) sono copiate da fotografie, comprese quelle di cronaca, acquisendo un triplice significato: si tratta in sostanza di fotografie di sculture di carta di fotografie dell'immagine originale. La realizzazione di ciò conduce lo sguardo dello spettatore lungo la galleria di specchi, dove diventa evidente la differenza tra realtà e finzione. Demand inizia selezionando una foto, quindi crea una copia 3D a grandezza naturale da carta e cartone, che distrugge dopo lo scatto. Le fotografie originali raffigurano spesso eventi noti: nella sua opera “Voting Center” riproduce le fotografie del Centro operativo di emergenza di Palm Beach, dove si sono svolte le elezioni presidenziali degli anni 2000. L'immagine solleva la questione del processo di "contemplazione della carta bucata per più di 6 settimane, quando due o trecento fogli di carta influenzerebbero in modo significativo il destino di questo mondo". A prima vista, l'immagine nella foto ricorda un grande ufficio. Tuttavia, ad un esame più attento, si nota che tutti i telefoni sono uguali, le superfici sono piatte e questo è un ufficio fatto di carta. La carta è allo stesso tempo mezzo di rilievo e oggetto di immagine (schede elettorali). Imitando sottilmente la realtà, Demand solleva interrogativi sull'autenticità della fotografia. Puoi fidarti della fotografia? Ciò che è raffigurato è reale?

Tommaso Domanda. "Punto di voto". 2001
Il lavoro di Demand sul suo sito web (non dimenticare che è tutto solo carta) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Le persone spesso percepiscono la fotografia come un vettore di informazioni che cattura in modo veritiero un pezzo di mondo. Il lavoro di Ori Gersht (nato nel 1967) complica questa visione, costringendo lo spettatore a cercare discrepanze tra la fotografia e la visione umana. L'immagine "Explosion" della serie "Time after Time" mostra un'immagine iperrealistica che divide il tempo in minuscole particelle, che va oltre il potere dell'occhio umano. Porta anche in superficie la tensione che esiste tra bellezza e crudeltà. Gersht ammette: “Mi interessano gli opposti – bellezza e rifiuto, come il momento di distruzione durante l’esplosione di un bouquet diventi per me un momento di creazione”. Gersht ha prima congelato i fiori con azoto liquido, poi ha posizionato minuscoli proiettili esplosivi tra i petali e ha catturato il momento dell'esplosione utilizzando fotocamere digitali ad alta velocità e un dispositivo elettronico appositamente progettato che li ha lanciati. Un mazzo di fiori è stato immortalato nel momento dell'esplosione.

Ori Gersht. "Mazzo di fiori". 2000

Un altro progetto sul sito della CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Sharon Core (nata nel 1965) inizialmente ha studiato per diventare artista e successivamente si è riqualificata come fotografa. Di conseguenza, traccia una linea netta tra questi due mezzi di espressione. Entrando in dialogo con fotorealisti che dipingevano immagini da fotografie, Kor crea fotografie basate su dipinti. La foto “Apples” è stata inclusa nella serie “Colonial Style”. Quando guardi questa foto, sembra che sia solo una fotografia di un dipinto dell'era degli antichi maestri. “Metto in scena la “realtà” di un dipinto del XIX secolo in termini di illuminazione, idea e scala... per finire con un’immagine illusoria di un’altra epoca.” La sua ispirazione fu Raffaelle Peale, autrice di oltre un centinaio di nature morte realizzate nel periodo 1812-1824. Nel ricreare la composizione del dipinto di Peale nel suo studio, Cor ha tentato di trasformare oggetti tridimensionali in superfici bidimensionali in rilievo dal dipinto dell'artista. La sua tecnica traccia una linea audace tra fotografia e pittura, costringendo gli spettatori a mettere in discussione il genere dell'opera e il ruolo dell'autenticità.

Sharon Cor. "Mele". 2009

L'opera di Laura Letinsky (nata nel 1962) “Untitled No. 23” nel suo stile ricorda un'antica natura morta, dove le tradizioni olandesi e fiamminghe sono chiaramente visibili. Ammette di essere influenzata dalla strana mescolanza del Rinascimento del Nord e del Sud, e le sue creazioni riflettono questo senso dello spazio "ambiguo, confuso e pesante". Le composizioni di Letinski sono presentate alla luce naturale. Per lei la luce è anche attrice, “incontrollabile... La luce è capace di sorprendere”. Quando crea la maggior parte delle sue opere, utilizza la luce del mattino, ma per la serie "Dog and Wolf" ha scelto una luce crepuscolare vellutata e una velocità dell'otturatore molto lunga. Il titolo dell'episodio è un'allusione al detto francese sul crepuscolo, il momento magico in cui i cani si trasformano in lupi.
Le sue fotografie di grandi dimensioni creano un'atmosfera di tattilità e intimità, come se bastasse allungare la mano per toccare
soggetto. “Mi ha colpito il fatto che L'Ultima Cena sia una scena di pasto in cui il cibo sulla tavola appare come un personaggio aggiuntivo, ha un ruolo secondario. E ho pensato cosa sarebbe successo se avessi rimosso i personaggi principali e lasciato tutto il resto così com’è”. La sua enfasi principale è sull'idea che la fotografia mostri qualcosa che non esiste più.
La buccia scartata di un'arancia mangiata a metà e gusci di pistacchi sparsi: l'intera scena ricorda un tavolo non sparecchiato dopo cena. “Fotografo avanzi e scarti per esplorare la relazione tra maturità e distruzione, raffinatezza e goffaggine, controllo e possibilità”. La prospettiva dell'immagine è molto insolita: il tavolo appare geometricamente sproporzionato, e i pistacchi sul pavimento si fondono praticamente con le conchiglie sul tavolo. La composizione spettrale di Letinski crea un'atmosfera inquietante di insicurezza e assenza di presenza umana nel passato. “Mi interessa quello che è successo “dopo”, quello che è rimasto… e quello che è andato per sempre.”

Laura Letinsky. "Senza titolo n. 23." 2009

Ogni autore ha il proprio approccio alla natura morta, ognuno risolve i propri problemi, utilizzando metodi unici per ottenere immagini e forme di presentazione. Ma in ogni caso, nella natura morta moderna, come in tutta la fotografia moderna, l'idea viene alla ribalta. A seconda della dichiarazione, vengono selezionati sia il metodo di ripresa (scenico o documentaristico) sia il metodo di presentazione dell'immagine finale (plastificazione, lightbox, libri fotografici dell'autore, immagini ottenute con metodi di stampa alternativi o utilizzando le prime tecnologie fotografiche, ecc.). .

Consideriamo l'uso e la combinazione di diversi tipi di composizioni a seconda dell'immagine e del design scelti utilizzando esempi.

La natura morta si intitola “La storia di una lanterna dimenticata durante un viaggio”.
Durante la creazione di questa natura morta, è stata utilizzata solo una lanterna accesa dagli oggetti, che è stata portata sulla riva di un bacino coperto di neve. Successivamente è stata aggiunta in Photoshop la texture della copertina di un vecchio libro, enfatizzando le fiamme.
L'idea è stata molto importante nella scelta della composizione di una natura morta. Avrebbero dovuto esserci un minimo di oggetti in modo che nulla distraesse dall'oggetto principale, e il punto di vista avrebbe dovuto essere scelto in modo tale da poter leggere il paesaggio sullo sfondo con la prospettiva sfuggente della riva. La sovrapposizione delle texture rende la foto più drammatica. La composizione è diagonale, lineare per enfatizzare la forma degli oggetti e la linea della costa. L'accento principale della composizione è il fuoco, situato all'intersezione delle linee della sezione aurea. La maggior parte della composizione viene spostata sul bordo sinistro, in conseguenza del quale lo sguardo dal fuoco continua a seguire la linea della costa fino all'angolo in alto a destra, cercando lì un punto di equilibrio diagonalmente opposto. Un punto del genere potrebbe essere una nave all’orizzonte, la cui assenza aumenta la sensazione di solitudine sul lavoro.

La natura morta si chiama “Sinfonia nei toni del rosso e dell’oro”. Il titolo e lo stile dell'opera si ispirano al lavoro di Whistler, artista che trattava i temi delle armonie cromatiche come elementi chiave del design artistico. Chiamava spesso le sue opere "sinfonie". La composizione è costruita in un ovale per enfatizzare le forme morbide e arrotondate degli oggetti; la forma ovale prosegue nella finestra dell'orologio. I contorni degli oggetti sono ammorbiditi, sfocati, creando l'effetto di foschia, bagliore, quasi sonno. Gli oggetti stessi sono selezionati come simboli della conoscenza: una melagrana spezzata è la struttura della conoscenza, i libri e una pergamena sono i suoi risultati e un orologio (simbolo del tempo) è una condizione necessaria. Il lavoro si basa sull'unità delle relazioni tonali e cromatiche (nei toni scuri).

"Storia del vecchio marinaio" oppure "Storia del vecchio marinaio". La storia di questa natura morta è abbastanza semplice: gli oggetti sono stati selezionati in base ad associazioni con i paesi del sud, elaborati nello stile di una vecchia fotografia, parzialmente colorata. Ma la natura morta stessa è messa in scena in modo tale che i suoi oggetti nella loro massa assomiglino a un ritratto (come base vengono prese le opere dell'artista rinascimentale D. Arcimboldo). Di conseguenza, nella produzione c'è una doppia associazione con i viaggi a lunga distanza: oggetti provenienti da "paesi lontani" e il narratore - "nonno viaggiatore".

"Aspettativa". La foto è stata scattata al Museo delle auto d'epoca di Mosca. Composizione equilibrata con ritmo silhouette tonale. Il punto del lavoro è che ogni soggetto ha il suo tempo. La composizione è costruita in modo da creare la sensazione di una stazione ferroviaria, dove i passeggeri (cose) aspettano davanti a un tabellone (per ore) il loro turno...

"Autunno". Le nature morte sul tema autunnale sono molto diverse, ricche e belle ovunque. Se ricordiamo le pittoresche nature morte di M. di Caravaggio, incarnano tutta la fertilità dell '"autunno", il trionfo di Bacco. Pertanto, la composizione di questa natura morta si basa sulle tecniche utilizzate dall'artista italiano. Gli oggetti sono presentati in modo sagomato e decorativo, la composizione è costruita secondo la forma di un “triangolo”. La texture applicata conferisce inoltre all'opera un aspetto classico.

“Margherite” o “Natura morta di campagna”. Anche la composizione è costruita in un triangolo, ma l'enfasi principale è sull'illuminazione: leggera, calda, morbida. L'unità dei rapporti tonali e cromatici (in toni chiari) conferisce all'opera una sensazione di serenità, bellezza senza pretese e semplice.

"Ribes". Una composizione lineare con fregio è molto adatta per enfatizzare la bellezza delle linee dei grappoli di ribes e la morbidezza delle loro transizioni. Il ritmo delle forme arrotondate crea la sensazione di perle sparse.

"È tutto finito." Composizione tonale, fregio, chiusa a triangolo. Fiori secchi, mele “appassite”, un piatto polveroso scheggiato erano considerati simboli della vecchiaia. Le linee di inclinazione dei fiori creano la presenza di “dialogo” tra oggetti, conversazione, assistenza reciproca e sostegno. Gli accenti sono posti in tonalità giallo-verde.

"Autunno gelido". La bellissima tonalità fredda blu-viola presente negli oggetti crea un'atmosfera di nobiltà, una sensazione di leggero gelo e gelo. La colorazione originale della mela ricorda i motivi gelidi sul vetro.

"Tutto è dimenticato." Composizione lineare del contorno del fregio. Fiori secchi, mele “appassite”, un piatto polveroso scheggiato sono simboli della vecchiaia. A differenza della natura morta “Everything Is Gone”, non ci sono dialoghi, motivo per cui il titolo contiene la parola “dimenticato”. Gli accenti sono posti nelle tonalità del giallo e del bianco.

"Tè alle bacche" Composizione diagonale dinamica, lineare, costruita sul ritmo dei colori rosso, nero e bianco. Le combinazioni di colori sono state scelte in associazione con il tè ai fiori di bacche: caldo, con una complessa tonalità rosso-marrone. Una leggera enfasi nella lavorazione è data allo stile retrò.

"Mora". Stile retrò. Le nobili sfumature cremisi scuro delle more e dei fiori di malva sono enfatizzate dal contrasto con il colore giallo della coppa
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"Sinfonia". Composizione diagonale, lineare. Fiori e foglie sono disposti in un ordine simile agli spartiti. I fiori in un vaso simboleggiano le diverse sfumature della musica (forte, pianoforte). Il drappeggio sullo sfondo fornisce supporto alle linee in primo piano.

Il lavoro si basa sull'unità delle relazioni tonali e cromatiche. Composizione lineare in una gamma simile. La natura morta contiene l'idea di confrontare due principi: 1. Fragilità, tenerezza, leggerezza, fugacità, fragilità (phlox), 2. Durezza, eternità, costanza, staticità (vaso di pietra) e combinarli: calore, eleganza , plasticità e unicità dei contorni dei fiori e delle linee coloranti della pietra.

"Conchiglia". La composizione è costruita a forma di cerchio. I fiori sono simboli (allegorie) di stelle marine e il vaso sono conchiglie. La texture aggiunta conferisce all'opera l'effetto di onde dorate che brillano al sole.

"Pastorella". Qui lo stesso vaso funge da cestino. La disposizione degli oggetti (fiori, foglie e vaso) è planare, decorativa, di contorno. L'opera evoca associazioni con la pittura francese dell'epoca rococò.

"Ombre della sera" In questa natura morta, nella costruzione della composizione, un ruolo importante è stato svolto non solo dagli oggetti stessi (astri e mele), ma anche dalle ombre che cadono da essi, che agiscono (per la loro forma chiara e leggibile) come soggetti indipendenti. della fotografia.

“Per lei...” La soluzione tonale della composizione. La natura morta è realizzata nello stile delle vecchie cartoline. Fiori (grandi peonie bianche) in un vaso, fili di perle bianche, anelli e orecchini con perle: tutto indica la “femminilità” della natura morta. La foschia aggiunta e altre trame conferiscono all'opera ulteriore leggerezza e ariosità.

"Vita naturale." La natura morta si traduce letteralmente come “natura morta”. Ma negli ultimi tempi, da quando questo genere è apparso nell'arte, la situazione ha cominciato a cambiare. Nella fotografia è apparso un nuovo nome per questo genere: "Natura morta" - "vita tranquilla", sempre più esperimenti. L’idea di quest’opera era “la nascita di una nuova natura morta”. Il gattino nella natura morta è il centro della composizione, il componente principale della natura morta. La composizione dai toni lineari è costruita in un triangolo. Il tono chiaro della natura morta, i peli in controluce del pelo del gattino e la sua posa sono simboli di nascita. Anche i frutti vengono scelti di piccole dimensioni per mantenere l'atmosfera.

"Astri". Una classica natura morta, la forma del vaso è sottolineata da uno sfondo scuro. La composizione è diagonale, la predominanza di due astri (lilla e bianco) nel bouquet sul lato destro crea una storia su come 2 fiori si affacciano dalla massa totale per ammirarsi allo specchio. E lo specchio stesso, in combinazione con uno sfondo scuro, conferisce all'opera un tocco di ambientazione teatrale.

Bucher. La composizione classica, costruita sui rapporti tonali tra gli oggetti, è costruita in una figura “triangolare”, dove anche il suo asse centrale gioca un ruolo importante (su di essa ci sono punti semantici: la testa di una ragazza alla finestra di Vermeer, un contrasto foglio bianco su sfondo scuro di un libro, una moneta). Due candele parallele e il fumo che ne esce danno una composizione dinamica.

Natura morta classica con la farfalla. Una composizione in due parti, costruita sull'unione di gruppi di oggetti e sulla conclusione delle loro figure compositive: il gruppo portante (in questa natura morta - un triangolo ottenuto da un gruppo di foglie) si trova all'interno di quello principale (un'ellisse ottenuta dalla disposizione generale degli oggetti). Composizione “contorno”, “lineare”. Anche il supporto del colore degli angoli in basso a sinistra e in alto a destra (farfalla e drappeggio sullo sfondo) è (insieme alla linea visiva dal beccuccio della brocca) e l'output dinamico nell'angolo in alto a sinistra.

Mamut. Classica “composizione tonale, disposta in una figura di “triangolo rettangolo”. Gli oggetti della natura morta formano due gruppi in equilibrio tra loro: gruppo 1 - due brocche, gruppo 2 - due elefanti.

Ceramica. Composizione “Tone”, disposta in un ovale. I risultati dinamici in esso contenuti sono linee visive provenienti da una foglia d'acero, due spighe di grano e il manico di una tavola. Combinazioni di colori ravvicinate non solo uniscono gli oggetti, ma sottolineano anche la loro individualità valorizzando il ruolo della trama.

Natura morta classica. Composizione “contorno”, “lineare”, costruita sull'interazione di due gruppi di oggetti, combinati in forme geometriche: 1 gruppo - costruito su accenti nei toni del giallo-verde - il “semi-ovale” - quello principale, 2 gruppi - "triangolo", costruito su colori ravvicinati - aggiuntivo. La composizione contiene uscite dinamiche negli angoli in alto a sinistra e in alto a destra: foglie di fiori, maniglia di cestino, parte superiore di candela, maniglia di brocca.

Teekane. “Una composizione tonale basata sul contrasto tra toni chiari e scuri. Il centro compositivo principale è costruito su punti contrastanti, quello aggiuntivo su punti vicini. Il ritmo nella composizione è stabilito dalle strisce sullo sfondo, anch'esse bilanciate.

Mandarini. Impostazione 1. Composizione diagonale con un gruppo di oggetti ulteriormente combinati in una figura geometrica “ellisse”. La composizione è di contorno, costruita su combinazioni di colori simili.

Mandarini. Impostazione 2. Composizione in due parti (triangolo ed ellisse), contorno, costruita su combinazioni di colori simili. Risultati dinamici: 1 - linee visive lungo la foglia e il collo della brocca fino all'angolo superiore sinistro; 2 - linee visive lungo le bucce di mandarino negli angoli inferiori sinistro e destro.

Autore: Yulia Dorofeeva

La natura morta può essere giustamente definita uno dei generi più complessi in qualsiasi forma di belle arti. E anche nella fotografia. La natura, ad esempio, è bella di per sé. Per creare un buon paesaggio, l'artista deve solo trovare un luogo attraente, in altre parole, una natura meravigliosa, e trasmettere lo stato della natura sulla tela. Sì, ovviamente è difficile. Molto difficile. Non tutti riescono a trasmettere l'atmosfera in un'immagine. È più difficile farlo nella natura morta. Infatti, in una natura morta, a differenza, ad esempio, di un paesaggio o di un ritratto, l'artista stesso organizza questa natura, costruisce lui stesso la composizione, seleziona gli oggetti per l'immagine... Tutto questo vale per i fotografi. Quando si lavora su una natura morta, un ruolo molto importante è giocato dall'immaginazione creativa dell'autore, dalla conoscenza delle leggi della composizione, dal senso della consistenza e della luce... Dopotutto, a differenza del paesaggio già creato dalla natura e dall'uomo prima dell'artista , l'artista crea da zero una natura morta, organizzandola su un foglio di carta bianco. Dove prima non c'era niente. Questo è probabilmente il motivo per cui non tutti gli artisti sono in grado di creare una buona natura morta. Basta guardare i pittori. Ci sono molti veri maestri della natura morta tra loro? Ci sono molti altri ritrattisti e paesaggisti... Lo stesso si può dire dell’arte della fotografia.

In questo articolo cercheremo di dirti come creare una buona still life fotografica. Naturalmente daremo qualche consiglio in merito. Speriamo che ti aiuteranno nel tuo lavoro creativo. Diventeranno un incentivo per la crescita creativa.

Dove inizia la natura morta?

Una natura morta inizia con un concetto, cioè con un'idea. Guardati intorno: cosa c'è nella tua casa che ti interessa come oggetto per comporre una composizione di natura morta? Quali oggetti “chiedono” di essere inclusi nella cornice? Oggetti vecchi e "strutturati" stanno molto bene in una natura morta - vari vasi, orologi, libri antichi, statuette di porcellana, lampade da tavolo, set, candelieri e candele, alcuni oggetti fatti di tessuto a trama grossa e larga - tovaglioli, tovaglie... Stai bene nelle nature morte di frutta e verdura. I fiori sono anche uno degli oggetti preferiti dei pittori di nature morte. Inoltre, i fiori non sono solo freschi, ma anche essiccati. Non c'è limite all'immaginazione qui. Una varietà di oggetti sono adatti per la natura morta. La cosa principale è che tutti questi oggetti siano in armonia tra loro nella forma, nel colore, nella consistenza, nel significato... Beh, per esempio, qual è l'idea di combinare, diciamo, una pinza e un vaso di mele in un unico alambicco? vita?

Cominciamo almeno con la composizione più semplice: una natura morta, il cui “personaggio” principale sarà una ciotola di frutta. Qualcuno dirà che una tale natura morta è la più comune, diffusa e tutt'altro che nuova. E allora! D'accordo, cosa potrebbe esserci di più bello e interessante dei bei frutti in un bel vaso? Questa sarà l’idea della nostra natura morta. Ora decidiamo quali oggetti abbiamo che possano essere accostati a tanta bellezza, quali trame e colori saranno in armonia con i colori e le trame del frutto e del vaso stesso. Considerando tutto ciò, ricorda il contenuto semantico della natura morta. Dopotutto, una natura morta, come qualsiasi altro dipinto, dovrebbe raccontare una storia. Bene, immagina, ad esempio: un vaso con mele, pere e ciliegie, e accanto a loro ci sono diversi fiori di campo e una tazza di latte. Tutto questo si trova su un tavolo rustico a tavola semplice. Ecco una storia di una mattina presto nel villaggio!

Scegliere un luogo per scattare una natura morta

Qualunque cosa può servire come tavolo porta oggetti per una natura morta. Qualsiasi tavolo della tua casa può svolgere questo ruolo. E non solo il tavolo. Gli oggetti per la fotografia still life possono essere posizionati sul davanzale della finestra, sul comodino, anche su uno scaffale nell'armadio. Il criterio principale qui è la forza di questa tabella degli oggetti e la sua area sufficiente. In modo che ci sia un luogo in cui la tua immaginazione creativa si sente calma, in modo che sia spazioso e facile per lei vivere lì. Anche sul pavimento puoi organizzare composizioni di oggetti per scattare nature morte. Ebbene, se la superficie su cui posizioni i tuoi oggetti è antiestetica o non soddisfa affatto tutti i criteri possibili per la natura morta su cui stai lavorando, allora puoi coprirla con un bel tessuto: una tovaglia o un tovagliolo. Ad esempio, puoi semplicemente metterci sopra un pezzo di carta o un bellissimo compensato.

Non dimenticare lo sfondo della tua natura morta. Lo sfondo in questo genere di belle arti gioca un ruolo molto importante. Dopotutto, è lui a creare l'intera atmosfera del dipinto (e della fotografia, ovviamente)! Bene, ad esempio, se lo sfondo della tua natura morta è nero, bordeaux, marrone scuro o una combinazione di questi colori, la tua immagine risulterà drammatica, per certi versi anche un po' cupa. Uno sfondo chiaro - bianco, rosa, verde chiaro, blu - darà alla natura morta tenerezza, sensualità e romanticismo. È bello fotografare nature morte “femminili” su uno sfondo chiaro e nature morte “maschili” su uno sfondo scuro. Cioè quelli in cui gli oggetti di natura morta sembrano appartenere a una donna o a un uomo, o a loro destinati.

Il materiale per lo sfondo di una natura morta può essere compensato o cartone, verniciato nel colore desiderato, o qualsiasi altro materiale, preferibilmente non abbagliante, ma opaco. È molto difficile, anche per i bravi fotografi, lavorare con uno sfondo abbagliante. Se usi il tessuto come sfondo, può essere meravigliosamente drappeggiato, cioè posato in pieghe spettacolari. Alcune persone riescono a scattare nature morte senza utilizzare lo sfondo come oggetto. Questo può essere fatto se non usi la luce naturale, ma scatti solo con illuminazione artificiale in una stanza buia. In questo caso i dispositivi di illuminazione dovrebbero essere diretti esclusivamente verso gli oggetti da fotografare. Allo stesso tempo, tutto ciò che rimane al di fuori di questo punto di luce entra nell'oscurità completa e si trasforma in uno sfondo nero opaco profondo e bellissimo.

Costruire una composizione di natura morta

Creare una composizione è forse la fase più difficile nel lavorare su una natura morta. Per alcuni, questa fase può sembrare poco importante e semplice. Sembra che, a prima vista, tutto sia semplice: metti bellissimi oggetti sul tavolo e inizia a fotografarli. Ma questo non è affatto vero. Più precisamente, è completamente sbagliato! Molto presto capirai che alcuni oggetti non sono in armonia tra loro, ad esempio nel colore, nelle dimensioni, nel significato... La composizione risulta essere sproporzionata, “cadendo” da una parte o dall'altra. In breve, la consapevolezza che questa fase del lavoro su una natura morta è la più difficile e la più importante ti arriverà più tardi o prima. E capirai che non è così perfetto, ma anche solo posizionare correttamente gli oggetti per una natura morta è un compito molto, molto difficile. E non tutti i fotografi e gli artisti possono risolverlo rapidamente.

Quindi, passiamo al lavoro vero e proprio. Iniziamo a creare la composizione della nostra futura natura morta.

Prima di tutto, dobbiamo determinare quale sarà il centro di interesse per lo spettatore nella nostra natura morta. In poche parole, quale sarà l'oggetto principale della nostra immagine, quello attorno al quale si svilupperà e ruoterà l'intera storia che si sta creando. Bene, visto che abbiamo iniziato a parlare di natura morta usando l’esempio di un cesto di frutta, continuiamo questo argomento. Lascia che questo vaso sia il centro, l'oggetto principale dell'intera composizione.

La prima cosa che devi tenere in considerazione è che i centri semantici e geometrici di qualsiasi dipinto, comprese le fotografie e, naturalmente, le nature morte, non sempre coincidono. In breve, se la nostra ciotola di frutta si trova chiaramente al centro dell'area dell'inquadratura, all'intersezione delle sue diagonali, questo è un male (molto spesso un male. Ma non dimenticare che ci sono delle eccezioni a qualsiasi regola...). Consigliamo quindi di spostare il vaso su un lato della cornice. Puoi posizionare o mettere uno o più altri oggetti nelle vicinanze. Bene, ad esempio, metti una mela vicino a un vaso. Oppure metteteci accanto un bel bicchiere di vino... Se lo desiderate, potete lasciare il cesto di frutta in splendido isolamento. E questo può essere anche bello e armonioso. Ma, tuttavia, sarà abbastanza difficile farlo. Il minimalismo è sempre stato un genere difficile nelle belle arti. Più semplice è, meglio è: questo è il principio fondamentale del minimalismo. E non tutti gli artisti possono portarlo in vita, nella realtà. Quindi, per cominciare, ti consigliamo di creare comunque una composizione di natura morta da diversi oggetti. Ma non dimenticare che tutti questi oggetti sono collegati tra loro nel significato, armonizzati nel colore, nella forma, nelle dimensioni e nella consistenza. Ad esempio, se le mele rosse si trovano comodamente nel tuo vaso, accanto ad essa, su una bellissima tovaglia bianca come la neve, puoi mettere un'orgogliosa rosa rossa. O papavero rosso. Ma, diciamo, il mixer che hai portato dalla cucina, anche se rosso, sarà del tutto inappropriato in questa composizione. Dobbiamo sforzarci di garantire che gli oggetti nella natura morta si completino a vicenda, non discutano tra loro e non causino una sensazione di smarrimento nello spettatore.

Quindi, abbiamo deciso le composizioni. Passiamo alla fase successiva del lavoro:

Accendere la luce

La luce correttamente posizionata o scelta in una natura morta non è meno importante della sua composizione stessa.

Se stai lavorando a una natura morta a casa, non in uno studio speciale, ma nel tuo appartamento, è meglio iniziare a scattare alla luce del giorno naturale. In questo caso consigliamo di posizionare il tavolo portaoggetti non lontano dalla finestra oppure di fronte ad essa. La luce morbida, diffusa e allo stesso tempo diretta che cade dalla finestra sulla composizione del soggetto creerà ombre belle, lunghe e morbide dagli oggetti e allo stesso tempo enfatizzerà favorevolmente e rivelerà la trama di questi oggetti, dando loro volume.

Non importa quanto possa sembrarti strano, è abbastanza facile controllare e regolare la luce solare naturale da una finestra. Questo è facile da fare manipolando vari riflettori e smorzatori realizzati, ad esempio, da cartone, compensato o altri materiali a portata di mano. Un riflettore, ad esempio, può essere un normale foglio di carta A4 appoggiato a qualcosa sul tavolo degli oggetti. Sì, anche un giornale piegato a “capanna” e messo accanto può funzionare da riflettore! Puoi schermare la luce dalla finestra utilizzando tende o persiane.

Se lavori alla tua natura morta di sera e la luce del giorno semplicemente non è a tua disposizione, devi lavorare con la luce artificiale. Un normale flash funzionerà bene come fonte di tale luce. Devi solo metterci un diffusore. Se non si esegue questa operazione e si scatta senza diffusore, sullo sfondo potrebbero formarsi ombre dure, ruvide e antiestetiche. Se hai a disposizione una buona fonte di luce artificiale costante, allora è meglio usarla insieme a un softbox.

Puoi utilizzare una lampada da tavolo come fonte di luce aggiuntiva. Un raggio di luce da esso, ad esempio, può essere diretto verso lo sfondo. Ma in questo caso è necessario posizionarlo lontano dallo sfondo, a una distanza di circa un metro. Altrimenti, il punto luminoso sullo sfondo risulterà molto nitido, ruvido e brutto. Puoi anche installare una lampada da tavolo dietro la composizione di oggetti che hai costruito e utilizzarla come fonte di controluce.

Ecco qui. La composizione è costruita. La luce è accesa. Tutto è pronto. Iniziamo le riprese. Le nature morte sono meglio scattate su un treppiede. Perché? Perché potrebbe essere necessario lavorare con tempi di posa piuttosto lunghi per raggiungere determinati obiettivi. E senza un treppiede, tali riprese sono semplicemente impossibili. La fotocamera deve essere stabile. Un esempio sono le nature morte del classico della fotografia cecoslovacca della metà del secolo scorso, Vaclav Jiru, che ha realizzato nel suo studio o all'aperto di notte, esclusivamente al chiaro di luna, senza utilizzare fonti di luce aggiuntive. Bene, se non ti fissi obiettivi così ambiziosi, quando scatti a mano libera, prova a tenere la fotocamera in modo che non si muova. Sono escluse la sfocatura e lo sfocato nella natura morta. Questo è un genere nell'arte: tutto deve essere chiaro.

Nel processo di ripresa di una natura morta, ti consigliamo di riorganizzare gli oggetti da un luogo all'altro, sentiti libero di cambiare la luce e spostare le sue fonti in direzioni diverse. Scatta con velocità dell'otturatore e aperture diverse. Modifica altre impostazioni sulla fotocamera. Scatta da diverse angolazioni, da diversi punti di ripresa. Scatta con obiettivi diversi. Improvvisa in movimento! Cerca diverse opzioni! È nel processo di ripresa di una natura morta che nasce una certa eccitazione, una sorta di coraggio. Avrai voglia di creare sempre più nuove opzioni per la composizione di nature morte e sempre più nuovi schemi di illuminazione. Non limitare il volo della tua immaginazione creativa! Forse oggi creerai il tuo scatto migliore, che in seguito ti glorificherà!

Sì, e un'altra nota. La nostra ultima raccomandazione per oggi. Se nella tua natura morta è presente molto bianco, prima di iniziare a fotografare, ti consigliamo vivamente di ricordarti di impostare correttamente il bilanciamento del bianco nelle impostazioni della fotocamera. Altrimenti, in seguito, nel processo di post-elaborazione dell'immagine su un computer, dovrai armeggiare molto con la correzione del colore in un editor grafico. In altre parole, in Photoshop.

La natura morta come genere d'arte apparve nel XV secolo e quindi aveva sfumature religiose molto chiare. Molte immagini di santi erano incorniciate con composizioni floreali. Già nel XVII secolo la natura morta si formò finalmente come genere, momento in cui sorsero le regole fondamentali della composizione e delle tecniche classiche.

Dall'avvento della fotografia, la natura morta non ha perso la sua popolarità, anche se la maggior parte dei fotografi di oggi è attratta dall'opportunità di scattare in azione. I maestri si sforzano di riprendere qualcosa di momentaneo e inaspettato; le immagini statiche sono meno attraenti e interessanti per molti.

Alcuni potrebbero erroneamente pensare che la fotografia di still life non sia un tipo di fotografia difficile, perché può sembrare che fotografare qualcosa che non si muove o non cambia nel tempo non sia così difficile. In effetti, le fotografie di still life sono il risultato di un lavoro lungo e monotono. Un fotografo di still life deve lavorare continuamente con la luce e gli oggetti. Cambia periodicamente luogo di soggetti, sfondi e angolazioni.

Come ottimi esempi di fotografie di still life, ti mostreremo le immagini Paoletta Tavormina- un famoso fotografo di New York. Vivendo in una grande città, Paulette ha trovato il modo di fuggire dal trambusto. Trascorre ore nel suo studio, fotografando nature morte composte da verdure, frutta e fiori. Le fotografie di Paulette Tavormina ricordano le immagini classiche della pittura classica. Sono altamente artistici e affascinanti.

Paulette Tavormina crea anche sorprendenti composizioni di fiori, piante e piccoli insetti su un aereo. Le immagini sembrano più illustrazioni di libri di botanica o fantastici modelli di piante.

Le fotografie di Paulette Tavormina si trovano in musei, collezioni aziendali e private e sono state presentate a Parigi, Londra, Mosca, New York, Los Angeles, Miami e Chicago. Paulette è una fotografa autodidatta; ha sviluppato lei stessa la sua tecnica unica per scattare nature morte, imparando dai dipinti dei maestri olandesi.