Fotografie v moderním zátiší. Moderní zátiší. 4. část Místo zátiší v současném umění. Vytvoření kompozice zátiší

V 70. letech 20. století se v západní kultuře, zpochybňující nyní abstraktní umění, objevilo nové hnutí malby - fotorealismus (nebo hyperrealismus, superrealismus). Obrovská plátna olejomalby, která se od fotografie liší pouze velikostí. V umění nikdy nic takového nebylo – umělci brali jako základ fotografii, nikoli život, a navíc každodenní amatérskou fotografii. V obrazech fotorealistů je banální každodennost, neosobní, dvourozměrná, chladná, neosobní, emotivní realita, procházející fotografií. Hyperrealita se při kopírování takových fotografií kombinuje s odstupem. Ideologií fotorealismu je poznání, že reklama, televize a hlavně fotografie ve svých různých projevech dominují ve vizuálním vnímání moderního člověka natolik, že vytlačují realitu jako takovou. Fotografie je objekt stejně skutečný a důležitý jako realita – fotografie je často ještě přesvědčivější než realita samotná. V diskusi o principech moderního vizuálního vnímání a roli umělce ve společnosti se fotorealismus stal prvním konceptuálním uměním.
Fotorealismus dokázal, že fotografie je nejvhodnějším vizuálním jazykem pro moderní vědomí a vnímání, základ veškeré moderní vizuální kultury.

Ralph Goings. "Modrý držák na ubrousky." 1980

Ralph Goings.

Současná fotografie (současná fotografie) vznikla v 90. letech 20. století, kdy umělci začali pracovat s fotografií jako médiem. Moderní fotografie neexistuje mimo kontext a pro netrénovaného diváka je nesrozumitelná. Fotografie přestala být estetickým objektem. Celou moderní fotografii lze rozdělit do dvou oblastí:
1. Konceptuální fotografie (zkoumá sama sebe);
2. Interdisciplinární fotografie (příbuzné obory mohou být: věda, kultura, sociologie; např. sociální studia nebo kulturní dialog s klasickou fotografií).

Paralelně s moderní fotografií existuje Fine art (výtvarné umění, umění o kráse), jehož jediným úkolem je zprostředkovat krásu okolního světa. Výtvarné umění se nevztahuje na moderní fotografii.

Konceptuální fotografie je fotografie o fotografii, umění, které analyzuje umění. Je zaneprázdněna zkoumáním sebe sama: svého vlastního jazyka, své funkce, své role, své povahy.
Hlavním úkolem umělce je přimět diváka k zamyšlení, zatímco konceptuální fotografie spíše klade otázky, než dává odpovědi. Zatímco fotografie vzniká, probíhají výzkumy a úvahy, jsou důležitější než konečný výsledek – fotografie samotná. Fotografie je prostě médium, vizuální forma vyjádření, umělcovo zkoumání.
Série v moderní fotografii má nový význam – není to fotohistorie jako v modernismu, ale typologie jako u Karla Blossfeldta. S výjimkou některých autorů pracují umělci v sériích (výpověď se rodí až v sérii), kde každá jednotlivá fotografie není jakýmsi příběhem.

Zpočátku byla konceptuální fotografie esteticky neatraktivní, dokumentární a vizuálně nezajímavá. Umělci tak definovali nový jazyk fotografie, nový účel. Odstraněním všech obvyklých spouštěčů klasické fotografie („rozhodující okamžik“, kompozice, emoce, gesta, rozpoznatelná scéna, zvýraznění toho hlavního) se umělci snažili přimět diváka, aby se na fotografii sám podíval a zamyslel se. o jeho povaze. Konceptuální fotografie je nehodnotící, suchá a vzdálená.

Později se objevila tzv. „postkonceptuální fotografie“, která se stala běžnější z estetického hlediska a nákladnější na výrobu, což následně ovlivnilo cenu výsledného uměleckého díla. Taková díla, navazující na fotorealismus, jsou zpravidla obrovských rozměrů, točená na velkoformátové fotoaparáty a tištěná tak, aby byly vidět všechny ty nejmenší detaily. Díky tomuto způsobu prezentace obrazu se fotografie co nejvíce přibližuje realitě a umožňuje divákovi sdílet realitu zobrazenou na fotografii. Hyper-detailnost dává hypertrofovanou hyperrealitu. Mnoho umělců přitom využívá estetiku amatérských fotografií k předávání svých myšlenek.

Umělci používají ve fotografii moderní jazyk, kromě případů, kdy vstupují do kulturního dialogu s historií umění nebo historií fotografie.

Konceptuální přístup k fotografii možná zpočátku utlumil zájem o žánr zátiší. Fotografické zátiší však díky některým umělcům dostalo novou etapu vývoje. Jan Gruver (1943-2012) tak přeměnil kuchyňské náčiní v rafinované kompozice. Gruver často dává přednost formě před obsahem, přičemž téma ze své tvorby téměř vymazává. Její kompozice se často skládají pouze z okrajů předmětů, zmenšených k nepoznání. Textura je stejně důležitá jako tvar. Fotografie v sérii Gruver jsou méně snímky kuchyňského náčiní a složitější, někdy abstraktní, zobrazení prostorového uspořádání zahrnujícího tvar, barvu a texturu.

Jan Gruver. Nepojmenovaná. 1978

Dílo švýcarských umělců Petera Fischliho (nar. 1952) a Davida Weisse (1946-2012) potvrzuje fotografii jako prostředek, jehož prostřednictvím je umělec schopen prezentovat každodenní, v jejich případě však pokřivené, konvenční, pochybné. Pro svou sérii „Equilibrium/Quiet Afternoon“ vzali každodenní předměty a vyvážili je do nejistých struktur, takže podivné sochy balancovaly na pokraji zhroucení. Jejich sochy nepodléhající gravitaci mají pikantní křehkost a křehkost, ale kamera je učinila věčnými.

Peter Fischli a David Weiss. "Klidné odpoledne" 1984-1985

Nobuyoshi Araki (nar. 1940), považovaný za génia a největšího žijícího japonského fotografa, má zvláštní zájem o témata ženskosti, ženské postavy a sexu. Pomocí jádra zralého, mírně vrásčitého ovoce Araki zopakovala tvar ženského orgánu. Při vytváření série „Erotos“ v roce 1993 přišel Araki s názvem, který kombinuje dvě témata, která hrají klíčovou roli v jeho umění: témata Erosa a Thanatose (podle teorie S. Freuda je „Eros“ láska, stvoření, sex, život, „Thanatos“ – touha po krutosti, agresi, sadismu a smrti). Na Arakiho fotografiích se tyto síly střetávají: zdrojem mužského chtíče se stává ovoce, které již začalo plesnivět a chátrat. Umělecký kritik Jerry Badger řekl: "Pornografie je skutečně v očích diváka."

Nobuyoshi Araki. "Erotos". 1993

Fotografie Margriet Smulders „Láska přemáhá vše“ vyvolává rozporuplné pocity. Je v ní patrný vliv obrazů 17. století a zaznívají ozvěny tématu domácí pohody. Krása je zde nerozlučně spjata s rozkladem. Zdá se, že květiny na fotografiích, které Smulders často pořizuje se zrcadly, jsou na spadnutí. Sama květiny nazývá „herci“, kteří zobrazují „celý svět, se všemi vztahy a dramatickými situacemi“. Na této fotografii je nejasný pocit ohrožení: kompozice je tu a tam proříznuta zakřivenými větvemi a vodnatá modrá prázdnota uprostřed hrozí, že zaplaví celý obraz a zničí křehké květiny. Smulders pracuje v klasickém žánru zátiší, ale přehnané, nerealistické barvy vytvářejí otřesný efekt, který se ve fotografii květin obvykle nevyskytuje. Stejně jako mnoho současných fotografů viděl Smulders smrt a nevyhnutelnost rozkladu v přírodě. Květiny na její fotografii vypadají jako samostatné části těla, jako jsou zuby a jazyky, které jsou odsouzeny k rozkladu. „Svěží a neobvykle erotické malby vás přenesou do jiné dimenze. Obrovská zrcadla, propracované skleněné vázy, tlusté závěsy, ovoce a řezané kytice – z toho jsou tato „plátna“ vyrobena, říká o svých dílech sama Margriet Smulders.

Margriet Smuldersovou. "Láska vítězí." 125x1100 cm.Fragment. 2005

Tato práce je v dobrém rozlišení na autorově webu http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7, kde ji můžete procházet pohodlným tempem a držet se jakékoli části
Nádherná stránka od Smulderse s dalšími díly http://www.margrietsmulders.nl

Americký fotograf James Welling (nar. 1951) nazývá svou praxi „obrodou modernismu, ale v historickém kontextu“. Série Flower je hloubkovou analýzou minulosti fotografie a jejího stavu, jak se vyvíjel. Welling umístí rostlinné řízky na černobílý film a vystaví je, jejich bílé stíny se odrážejí na černém pozadí negativu. Poté pomocí barevných filtrů různých tvarů exponuje znovu. Výsledkem jsou živé fotogramy květin - jejich tmavé obrysy na bílém pozadí s nesčetnými jemnými, zářivými odstíny. John Herschel vytvořil termín „fotografie“ (psaní světlem), zatímco William Henry Fox Talbot vytvořil jiný termín, „sciografie“ (umění stínů). Série „Květina“ je plodem obou definic: v první fázi (vytvoření negativu) se použije stín rostliny, ve druhé (vytvoření barevného pozitivu) se stín naplní jasným světlem a zrodí fotografie. Welling nám připomíná, že stín hraje ve fotografii stejně důležitou roli jako světlo. "Není to tak, že by mě obsah nezajímal, ale obsah není jediná věc, která dává fotografii smysl," říká Welling.

James Welling. Ze série "Květina". Technika autorského fotogramu. 2006
Fotogramy květin na stránkách Welling’s, kde najdete i další projekty http://jameswelling.net/projects/17

Monumentální abstrakce od Christiana Marclaye (nar. 1955) – „Připomenutí (přežití nejschopnějších). Titulek slouží jako vodítko – připomínka umírajícího média. Při bližším zkoumání jsou patrné rozbité kazety, je zřejmé, že podél celého obrazu je natažena rozvinutá magnetická páska. Pro svou narážku na Darwinovu teorii a „zánik“ kazety Marclay chytře znovu vytvořil téměř zaniklou technologii kyanotypie z 19. století a napodobil „zaniklý“ styl abstraktního impresionismu a Jacksona Pollocka.

Christian Marclay. "Nejsilnější přežije". Kyanotypie. 2008

„Záření vychází ze skutečného těla, které bylo „tam“, dotýkalo se mě a bylo umístěno v jiném bodě; tělo fotografované věci je s mým pohledem spojeno jakousi pupeční šňůrou,“ napsal Roland Barthes a jeho slova odrážela výrok Susan Sontagové, že „fotografie umožňuje, aby se nás objekt na ní dotkl jako opožděné paprsky hvězd.“ Stopa, rozcestník, jakákoli nit spojující fotografii s realitou jsou zajímavě vetkány do děl britského fotografa Richarda Learoyda (nar. 1966). Ve své dílně vyvinul zcela novou fotografickou techniku. Prostor využívá jako temnou komoru a vytváří obrovská plátna na pozitivním fotografickém papíře. Světlo, které se odráží od předmětu, je stejné světlo, které svítí do vašich očí. Jak by řekl Barthes, objekt a divák jsou spojeni pupeční šňůrou fotonů. Learoydovy zrcadlové obrazy vypadají neuvěřitelně blízko; První teoretici fotografie nazývali takové fotografie „šílenstvím hmoty“ nebo, jak řekl Andre Bazin, „halucinací, která je také pravdivá“.
Na fotografii „Betonové bloky se zajícem“ bezvládné tělo zajíce „drží“ betonové bloky v polozavěšeném stavu, což představuje zmrazenou parodii života. Learoydovy reprodukce, stejně jako reprodukce mnoha jiných současných umělců, u diváků jen zřídka rezonují. Jeho inovativní fotografické techniky mu umožňují vytvářet monumentální snímky s neuvěřitelně ostrými detaily, a to i při pohledu na dílo zblízka. Diváky přitahují obrovská plátna s hyperrealistickými obrazy. Na zde prezentované fotografii taková síla přítomnosti, taková uvěřitelnost vytváří ostrý kontrast s bezvládným tělem mrtvého zvířete. Learoydovo použití pozitivního fotografického papíru evokuje jednu z nejranějších forem fotografie (oblíbené pro fotografování mrtvých): daguerrotypii. Světlo vychází přímo z objektu a usazuje se na povrchu daguerrotypie, kde stejně jako v Learoydově technice není žádný intermediální negativ.

Richard Learoyd. "Betonové bloky se zajícem." 2007

Video o Learoydovi a jeho fotoaparátu http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Většina děl německého mistra Thomase Demanda (nar. 1964) je zkopírována z fotografií, včetně těch ze zpráv, a nabývají trojího významu: v podstatě jde o fotografie papírových plastik fotografií původního obrazu. Uvědomění si toho vede oko diváka dolů po galerii zrcadel, kde se ukáže rozdíl mezi realitou a fikcí. Poptávka začíná výběrem fotografie, poté vytvoří 3D kopii v životní velikosti z papíru a kartonu, kterou po focení zničí. Zdrojové fotografie často zobrazují známé události: ve svém díle „Voting Center“ reprodukuje fotografie nouzového operačního centra v Palm Beach, kde se konaly prezidentské volby po 21. století. Snímek nastoluje otázku procesu „uvažování o papíru s dírami na více než 6 týdnů, kdy by dvě nebo tři sta listů papíru výrazně ovlivnily osud tohoto světa“. Obrázek na fotografii na první pohled připomíná velkou kancelář. Při bližším zkoumání je však patrné, že všechny telefony jsou stejné, plochy rovné a jedná se o kancelář z papíru. Papír je současně reliéfním médiem a obrazovým objektem (hlasovací lístky). Demand nenápadně napodobující realitu vyvolává otázky o pravosti fotografie. Můžete fotografii věřit? Je to, co je na něm vyobrazeno, skutečné?

Thomas Demand. "Hlasovací bod". 2001
Demandova práce na jeho webu (nezapomeňte, že je to všechno jen papír) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Lidé často vnímají fotografii jako nositele informace, která pravdivě zachycuje kus světa. Dílo Ori Gershta (nar. 1967) tento pohled komplikuje a nutí diváka hledat rozpory mezi fotografií a lidským viděním. Obrázek "Explosion" ze série "Time after Time" ukazuje hyperrealistický obraz, který rozděluje čas na drobné částice, což je mimo síly lidského oka. Také vynáší na povrch napětí, které existuje mezi krásou a krutostí. Gersht přiznává: „Zajímají mě protiklady – krása a odmítnutí, jak se pro mě okamžik zkázy při výbuchu kytice stává okamžikem tvoření.“ Gersht květiny nejprve zmrazil tekutým dusíkem, poté mezi okvětní lístky umístil drobné výbušné projektily a zachytil okamžik exploze pomocí vysokorychlostních digitálních kamer a speciálně navrženého elektronického zařízení, které je odpálilo. V okamžiku výbuchu byla zvěčněna kytice květin.

Ori Gersht. "Kytice květin". 2000

Další projekt na webu CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Sharon Core (1965) původně studovala jako výtvarnice, později se přeškolila na fotografku. V důsledku toho vytváří jasnou hranici mezi těmito dvěma výrazovými prostředky. Kor vstupuje do dialogu s fotorealisty, kteří malovali obrazy z fotografií, a vytváří fotografie podle obrazů. Fotografie „Jablka“ byla zařazena do série „Colonial Style“. Když se podíváte na tuto fotografii, zdá se, že je to jen fotografie obrazu z doby starých mistrů. „Inscenuji „realitu“ malby z 19. století z hlediska osvětlení, nápadu a měřítka... abych skončil s iluzorním obrazem jiné doby.“ Inspirací mu byla Raffaelle Peale, autorka více než stovky zátiší vytvořených v období 1812-1824. Při obnově kompozice z Pealeova obrazu ve svém ateliéru se Cor pokusila přeměnit trojrozměrné objekty na reliéfní dvourozměrné plochy z umělcovy malby. Její technika kreslí odvážnou hranici mezi fotografií a malbou a nutí diváky zpochybňovat žánr díla a roli autenticity.

Sharon Cor. "Jablka". 2009

Dílo Laury Letinsky (nar. 1962) „Bez názvu č. 23“ svým stylem připomíná starodávné zátiší, kde jsou jasně patrné holandské a vlámské tradice. Přiznává, že byla ovlivněna podivnou směsí severní a jižní renesance a její výtvory odrážejí tento „nejednoznačný, matoucí a těžký“ smysl pro prostor. Letinského kompozice jsou prezentovány v přirozeném světle. Světlo je pro ni také hercem, „nekontrolovatelným... Světlo dokáže překvapit“. Při tvorbě většiny svých děl využívá ranní světlo, ale pro sérii „Pes a vlk“ zvolila sametovou záři za šera a velmi dlouhou rychlost závěrky. Název epizody je narážkou na francouzské rčení o soumraku, magické době, kdy se psi mění ve vlky.
Její velkoplošné fotografie vytvářejí atmosféru hmatu a intimity, jako by se člověk potřeboval jen natáhnout, aby se dotkl
předmět. „Zarazilo mě, že Poslední večeře je scéna s jídlem, ve které jídlo na stole vystupuje jako další postava, hraje vedlejší roli. A přemýšlel jsem, co by se stalo, kdybych odstranil hlavní postavy a nechal všechno ostatní tak, jak je.“ Jeho hlavní důraz je kladen na myšlenku, že fotografie ukazuje něco, co již neexistuje.
Odhozená kůra z napůl snědeného pomeranče a rozházené skořápky pistácií – celá scéna připomíná po večeři neuklizený stůl. "Fotím zbytky a výměty, abych prozkoumal vztah mezi zralostí a destrukcí, sofistikovaností a nemotorností, kontrolou a náhodou." Perspektiva obrazu je velmi neobvyklá: stůl vypadá geometricky disproporčně a pistácie na podlaze prakticky splývají se skořápkami na stole. Letinského přízračná kompozice vytváří strašidelnou atmosféru nejistoty a absence lidské přítomnosti v minulosti. "Zajímá mě, co se stalo "poté", co zůstalo... a co je navždy pryč."

Laura Letinská. "Bez názvu č. 23." 2009

Každý autor má svůj vlastní přístup k zátiší, každý řeší své vlastní problémy pomocí jedinečných metod získávání obrázků a forem prezentace. Ale každopádně v moderním zátiší, stejně jako ve všech moderních fotografiích, se nápad dostává do popředí. V závislosti na výpovědi se volí jak způsob natáčení (inscenovaný nebo dokumentární), tak způsob prezentace výsledného obrazu (plastifikace, lightboxy, autorské fotoknihy, snímky získané alternativními metodami tisku nebo pomocí prvních fototechnologií atd.). .

Zvažme použití a kombinaci různých typů kompozic v závislosti na zvoleném obrázku a designu pomocí příkladů.

Zátiší se jmenuje „Příběh lucerny zapomenuté na cestách“.
Při tvorbě tohoto zátiší byla použita pouze hořící lucerna z předmětů, která byla vynesena na břeh zasněžené nádrže. Poté byla do Photoshopu přidána textura staré knižní obálky se zdůrazněním plamenů.
Nápad byl velmi důležitý při výběru kompozice zátiší. Objektů mělo být minimum, aby nic neodvádělo pozornost od hlavního objektu, a úhel pohledu měl být zvolen tak, aby se dala číst krajina v pozadí s ustupující perspektivou břehu. Překrytí textury činí fotografii dramatičtější. Kompozice je diagonální, lineární, aby zdůraznila tvar objektů a linii pobřeží. Hlavním akcentem kompozice je oheň, umístěný na průsečíku čar zlatého řezu. Převážná část kompozice je posunuta k levému okraji, v důsledku čehož oko od ohně nadále sleduje linii břehu do pravého horního rohu a hledá tam diagonálně protilehlé vyvažující místo. Takovým místem by mohla být loď na obzoru, která chybí pro zvýšení pocitu osamělosti v práci.

Zátiší se nazývá „Symfonie v červených a zlatých tónech“. Název a styl díla jsou inspirovány dílem Whistlera, umělce, který se zabýval problematikou barevných harmonií jako klíčových prvků uměleckého designu. Svá díla často nazýval „symfoniemi“. Kompozice je zabudována do oválu pro zdůraznění měkkých, zaoblených tvarů předmětů, oválný tvar pokračuje v okně hodin. Obrysy objektů jsou zjemněny, rozmazané, vytvářejí efekt oparu, záře, téměř spánku. Samotné předměty jsou vybírány jako symboly vědění: rozbité granátové jablko je strukturou vědění, knihy a svitek jsou jeho výsledky a hodiny (symbol času) jsou nezbytnou podmínkou. Práce je založena na jednotě tonálních a barevných vztahů (v tmavých tónech).

„Příběh starého námořníka“ nebo „Příběh starého námořníka“. Historie tohoto zátiší je vcelku jednoduchá: předměty byly vybírány podle asociací s jižními zeměmi, zpracované ve stylu staré fotografie, částečně kolorované. Samotné zátiší je ale inscenováno tak, že jeho objekty ve své hmotě vypadají jako portrét (za základ jsou vzata díla renesančního umělce D. Arcimbolda). Inscenace tedy obsahuje dvojí spojení s cestováním na dlouhé vzdálenosti: předměty ze „vzdálených zemí“ a vypravěče – „dědeček cestovatel“.

"Očekávání". Fotografie byla pořízena v Muzeu historických automobilů v Moskvě. Vyvážená kompozice s rytmem tonální siluety. Smyslem práce je, že každý předmět má svůj čas. Kompozice je postavena tak, aby navozovala pocit vlakového nádraží, kde cestující (věci) čekají před tabulí (hodiny), až na ně přijde řada...

"Podzim". Zátiší na podzimní téma jsou všude velmi rozmanitá, bohatá a krásná. Připomeneme-li si malebná zátiší M. di Caravaggia, ztělesňují veškerou plodnost „podzimu“, triumfu Baccha. Kompozice tohoto zátiší proto vychází z technik, které italský umělec používá. Předměty jsou prezentovány konturovaným, dekorativním způsobem, kompozice je postavena podle tvaru „trojúhelníku“. Aplikovaná textura také dodává dílu klasický vzhled.

„Sedmikrásky“ nebo „venkovské zátiší“. Kompozice je také postavena v trojúhelníku, ale hlavní důraz je kladen na osvětlení - lehké, teplé, měkké. Jednota tonálních a barevných vztahů (ve světlých tónech) dodává dílu pocit klidu, neokázalosti, prosté krásy.

"Rybíz". Pro zdůraznění krásy linií rybízových shluků a plynulosti jejich přechodů se velmi dobře hodí vlysová lineární kompozice. Rytmus zaoblených tvarů vytváří pocit rozptýlených korálků.

"Všechno je pryč." Tónová, vlysová, trojúhelníková kompozice. Sušené květiny, „zvadlá“ jablka, naštípaný zaprášený talíř byly brány jako symboly stáří. Sklony květin vytvářejí přítomnost „dialogu“ mezi předměty, konverzací, vzájemnou pomocí a podporou. Akcenty jsou umístěny ve žlutozelených odstínech.

"Mrazivý podzim". Krásný studený modrofialový odstín, který je v objektech přítomen, vytváří atmosféru noblesy, pocit lehkého mrazu a mrazu. Originální zbarvení jablka připomíná mrazivé vzory na skle.

"Všechno je zapomenuto." Vlysový obrys lineární kompozice. Sušené květiny, „vadnoucí“ jablka, oprýskaný zaprášený talíř jsou symboly stáří. Na rozdíl od zátiší „Všechno je pryč“ zde není žádný dialog, a proto název obsahuje slovo „zapomenuté“. Akcenty jsou umístěny ve žlutých a bílých odstínech.

"Berry čaj" Dynamická diagonální kompozice, lineární, postavená na rytmu červené, černé a bílé barvy. Barevné kombinace byly zvoleny ve spojení s bobulově-květinovým čajem - teplý, s komplexním červenohnědým odstínem. Mírný důraz ve zpracování je kladen na retro styl.

"Ostružina". Retro styl. Ušlechtilé tmavě karmínové odstíny ostružin a květů slézu jsou zdůrazněny kontrastem se žlutou barvou šálku
.

"Symfonie". Diagonální kompozice, lineární. Květiny a listy jsou uspořádány v pořadí podobném notám. Květiny ve váze symbolizují různé odstíny hudby (forte, piano). Drapérie v pozadí poskytuje podporu pro linie popředí.

Práce je založena na jednotě tonálních a barevných vztahů. Lineární složení v podobném rozsahu. Zátiší obsahuje myšlenku srovnání dvou principů - 1. Křehkost, něha, lehkost, pomíjivost, křehkost (flox), 2. Tvrdost, věčnost, stálost, statika (váza z kamene) a jejich spojení: teplo, elegance , plasticita a jedinečnost kontur květin a barevných linií kamene.

"Mořská mušle". Kompozice je postavena ve tvaru kruhu. Květiny jsou symboly (alegorie) hvězdice a vázou jsou mušle. Přidaná textura dodává dílu efekt zlatých vln třpytivých na slunci.

"Pastýřka". Zde stejná váza funguje jako koš. Uspořádání předmětů (květiny, listy a váza) je plošné, dekorativní, obrysové. Dílo evokuje asociace s francouzskou malbou z období rokoka.

"Večerní stíny" V tomto zátiší sehrály při výstavbě kompozice důležitou roli nejen samotné předměty (astry a jablka), ale také z nich padající stíny, které působí (díky jasné, čitelné formě) jako samostatné subjekty fotografie.

"Pro ni..." Tónové řešení kompozice. Zátiší je vyrobeno ve stylu starých pohlednic. Květiny (velké bílé pivoňky) ve váze, šňůry bílých perel, prsteny a náušnice s perlami - to vše naznačuje „ženskost“ zátiší. Přidaný zákal a další textury dodávají dílu další lehkost a vzdušnost.

"Přirozený život." Zátiší se doslova překládá jako „mrtvá příroda“. Ale od doby, kdy se tento žánr objevil v umění, se situace začala měnit. Ve fotografii se objevil nový název pro tento žánr - "Zátiší" - "tichý život", stále více experimentů. Myšlenkou tohoto díla bylo „zrození nového zátiší“. Kotě v zátiší je středem kompozice - hlavní složkou zátiší. Lineární tónová kompozice je postavena v trojúhelníku. Světlý tón v zátiší, podsvícené chlupy koťátka a jeho póza jsou symboly zrození. Plody jsou také voleny tak, aby byly malé velikosti, aby se zachovala atmosféra.

"Asters". Klasické zátiší, tvar vázy je zdůrazněn tmavým pozadím. Kompozice je diagonální, převaha dvou aster (lila a bílá) v kytici na pravé straně vytváří příběh o tom, jak 2 květiny vykukovaly z celkové hmoty, aby se obdivovaly v zrcadle. A samotné zrcadlo v kombinaci s tmavým pozadím dodává dílu nádech divadelního prostředí.

Buecher. Klasická kompozice, postavená na tonálních vztazích mezi objekty, je postavena v „trojúhelníkové“ postavě, kde důležitou roli hraje i její středová osa (jsou na ní sémantické body: hlava dívky u okna od Vermeera, kontrastní bílý list na tmavém pozadí knihy, mince). Dvě paralelní svíčky a z nich vycházející kouř dávají dynamickou kompozici.

Klasické zátiší s motýlem. Dvoudílná kompozice, postavená na sjednocení skupin objektů a uzavření jejich kompozičních figur - podpůrná skupina (v tomto zátiší - trojúhelník získaný skupinou listů) je umístěna uvnitř hlavní (získaná elipsa obecným uspořádáním objektů). Složení „konturové“, „lineární“. Barevná podpora levého dolního a pravého horního rohu (motýl a drapérie v pozadí) je také (spolu s vizuální linií od výlevky džbánu) a dynamický výstup do levého horního rohu.

Mamut. Klasická „tonální kompozice, uspořádaná do tvaru „pravoúhlého trojúhelníku“. Předměty zátiší tvoří dvě skupiny vzájemně vyvážené: skupina 1 - dva džbány, skupina 2 - dva sloni.

Keramika. Kompozice „Tone“, uspořádaná do oválu. Dynamickými výstupy v něm jsou vizuální linie z javorového listu, dvou klasů a rukojeti prkna. Blízká barevná schémata nejen spojují objekty, ale také zdůrazňují jejich individualitu posílením role textury.

Klasika zátiší. „Kontura“, „lineární“ kompozice, postavená na interakci dvou skupin objektů, kombinovaných do geometrických tvarů: 1 skupina - postavená na akcentech ve žlutozelených tónech - "poloovál" - hlavní, 2 skupiny - „trojúhelník“, postavený na blízkých barvách - další. Kompozice obsahuje dynamické výstupy v levém horním a pravém horním rohu: květinové listy, rukojeť koše, vršek svíčky, rukojeť džbánu.

Teekane. „Tónová kompozice založená na kontrastu světlých a tmavých tónů. Hlavní kompoziční centrum je postaveno na kontrastních bodech, další - na blízkých. Rytmus ve skladbě udávají pruhy v pozadí, jsou také vyvažující.

Mandarinky. Nastavení 1. Diagonální kompozice se skupinou objektů dodatečně zkombinovaných do geometrického útvaru „elipsy“. Kompozice je konturová, postavená na podobných barevných kombinacích.

Mandarinky. Nastavení 2. Dvoudílná kompozice (trojúhelník a elipsa), kontura, postavená na podobných barevných kombinacích. Dynamické výstupy: 1 - vizuální linie podél listu a hrdla džbánu do levého horního rohu; 2 - vizuální linie podél mandarinkových slupek v levém a pravém dolním rohu.

Autor: Yulia Dorofeeva

Zátiší lze právem nazvat jedním z nejsložitějších žánrů v jakékoli formě výtvarného umění. A ve fotografii také. Příroda je například krásná sama o sobě. Aby umělec vytvořil dobrou krajinu, stačí najít atraktivní místo, jinými slovy krásnou přírodu, a přenést stav přírody na plátno. Ano, je to samozřejmě těžké. Velmi obtížné. Ne každý dokáže zprostředkovat náladu na obrázku. V zátiší je to složitější. V zátiší, na rozdíl třeba od krajiny nebo portrétu, totiž umělec sám tuto přírodu organizuje, sám staví kompozici, vybírá objekty pro obraz... To vše platí pro fotoautory. Při práci na zátiší hraje velmi důležitou roli autorova tvůrčí fantazie, znalost zákonitostí kompozice, cit pro texturu a světlo... Ostatně na rozdíl od krajiny, kterou již před umělcem vytvořila příroda a člověk , umělec vytváří zátiší od nuly a organizuje je na prázdný list papíru. Kde předtím nic nebylo. To je pravděpodobně důvod, proč ne každý umělec dokáže vytvořit dobré zátiší. Stačí se podívat na malíře. Je mezi nimi mnoho skutečných mistrů zátiší? Portrétů a krajinářů je mnohem více... Totéž lze říci o umění fotografie.

V tomto článku se vám pokusíme říct, jak vytvořit dobré fotografické zátiší. V této věci vám samozřejmě poradíme. Doufáme, že vám pomohou ve vaší kreativní práci. Stanou se pobídkou pro kreativní růst.

Kde začíná zátiší?

Zátiší začíná konceptem, tedy jinými slovy myšlenkou. Rozhlédněte se kolem sebe – co je u vás doma zajímavé jako objekt pro komponování kompozice zátiší? Jaké objekty „žádají“ o zahrnutí do rámce? Staré a „texturované“ předměty vypadají v zátiší velmi dobře - různé vázy, hodiny, starožitné knihy, porcelánové figurky, stolní lampy, soupravy, svícny a svíčky, některé věci z hrubé a velkovazné tkaniny - ubrousky, ubrusy... Vypadejte dobře v zátiších z ovoce a zeleniny. Květiny jsou také jedním z oblíbených předmětů malířů zátiší. Květiny jsou navíc nejen čerstvé, ale i sušené. Zde se fantazii meze nekladou. Pro zátiší se hodí různé předměty. Hlavní věc je, že všechny tyto předměty jsou ve vzájemné harmonii formou, barvou, texturou, významem... No, například, jaký je nápad spojit, řekněme, kleště a vázu s jablky v jednom destilátu život?

Začněme alespoň nejjednodušší kompozicí: zátiší, jehož hlavní „charakteru“ bude mísa ovoce. Někdo řekne, že takové zátiší je nejběžnější, nejrozšířenější a zdaleka ne nové. No a co! Souhlaste, co může být krásnější a zajímavější než krásné ovoce v krásné váze? To bude představa našeho zátiší. Nyní se pojďme rozhodnout, které předměty máme, které lze umístit vedle takové krásy, jaké textury a barvy budou v souladu s barvami a texturami ovoce a samotné vázy. Vzhledem k tomu všemu si vzpomeňte na sémantický obsah zátiší. Koneckonců, zátiší, jako každý jiný obraz, by mělo vyprávět příběh. No, představte si například: vázu s jablky, hruškami a třešněmi a vedle nich několik polních květin a hrnek mléka. To vše se nachází na jednoduchém prkenném rustikálním stole. Zde je příběh o časném ránu ve vesnici!

Výběr místa pro natáčení zátiší

Cokoli může sloužit jako stolek pro zátiší. Tuto roli může hrát jakýkoli stůl u vás doma. A nejen stůl. Předměty pro focení zátiší lze umístit na parapet, na noční stolek, dokonce i na poličku ve skříni. Hlavním kritériem je zde pevnost této tabulky objektů a její dostatečná plocha. Aby bylo místo, kde se vaše tvůrčí představivost uklidňuje, aby bylo prostorné a snadno se tam žilo. Dokonce i na podlaze můžete uspořádat kompozice objektů pro natáčení zátiší. Pokud je povrch, na který umístíte své předměty, nevzhledný nebo vůbec nesplňuje všechna možná kritéria pro zátiší, na kterém pracujete, můžete ho překrýt krásnou látkou: ubrusem nebo ubrouskem. Jednoduše na něj položíte například kus papíru nebo krásnou překližku.

Nezapomeňte na pozadí svého zátiší. Zázemí v tomto žánru výtvarného umění hraje velmi důležitou roli. Koneckonců, je to on, kdo určuje celou náladu obrazu (a fotografie, samozřejmě)! No, pokud je například pozadí vašeho zátiší černé, vínové, tmavě hnědé nebo kombinace těchto barev, váš obrázek bude dramatický, v některých ohledech dokonce trochu ponurý. Světlé pozadí - bílá, růžová, světle zelená, modrá - dodá zátiší něhu, smyslnost a romantiku. Je dobré fotit „ženská“ zátiší na světlém pozadí a „mužská“ zátiší na tmavém pozadí. Tedy takové, ve kterých předměty zátiší jakoby patřily ženě nebo muži, nebo jsou jim určeny.

Materiálem pro pozadí zátiší může být překližka nebo lepenka, natřená v požadované barvě nebo jakýkoli jiný materiál, nejlépe ne oslňující, ale matný. I pro dobré fotografy je velmi obtížné pracovat s odleskem pozadí. Pokud použijete látku jako pozadí, lze ji krásně zahalit, to znamená položit do velkolepých záhybů. Někomu se podaří natočit zátiší, aniž by pozadí vůbec použili jako objekt. To lze provést, pokud nepoužíváte přirozené světlo, ale natáčíte pouze pod umělým osvětlením v tmavé místnosti. V tomto případě by osvětlovací zařízení měla směřovat výhradně na fotografované objekty. Zároveň vše ostatní, co zůstane mimo tento světelný bod, jde do úplné tmy a promění se v hluboké, krásné matné černé pozadí.

Vytvoření kompozice zátiší

Vytvoření kompozice je možná nejtěžší etapa při práci na zátiší. Někomu se tato fáze může zdát nedůležitá a nekomplikovaná. Zdá se, že na první pohled je vše jednoduché: položte krásné předměty krásně na stůl - a začněte je fotografovat. To ale vůbec není pravda. Přesněji řečeno, je to úplně špatně! Velmi rychle pochopíte, že některé předměty spolu neladí, např. barevně, velikostně, významově... Kompozice se ukazuje jako nepřiměřená, „přepadávající se“ na jednu či druhou stranu. Zkrátka uvědomění, že tato fáze práce na zátiší je nejtěžší a nejdůležitější, se vám dostaví později nebo dříve. A pochopíte, že to není tak dokonalé, ale i jen správné umístění předmětů pro zátiší je velmi, velmi obtížný úkol. A ne každý fotograf a umělec to dokáže rychle vyřešit.

Pojďme tedy ke skutečné práci. Začínáme vytvářet kompozici našeho budoucího zátiší.

Nejprve si musíme určit, co bude v našem zátiší středem zájmu diváka. Jednoduše řečeno, co bude hlavním objektem na našem obrázku, tím, kolem kterého se bude vyvíjet a točit celý vznikající příběh. Protože jsme začali mluvit o zátiší na příkladu mísy ovoce, pokračujme v tomto tématu. Nechte ji, tuto vázu, být středem, hlavním objektem celé kompozice.

První věc, kterou musíte vzít v úvahu, je, že sémantické a geometrické středy jakéhokoli obrazu, včetně fotografií a samozřejmě zátiší, se ne vždy shodují. Stručně řečeno, pokud je naše mísa ovoce umístěna jasně ve středu plochy rámu, na průsečíku jeho úhlopříček, je to špatné (Nejčastěji špatné. Ale nezapomeňte, že existují výjimky z jakýchkoli pravidel...). Takže doporučujeme přesunout vázu na jednu stranu rámu. V blízkosti můžete umístit nebo umístit jeden nebo více dalších předmětů. No, například dát jedno jablko blízko vázy. Nebo k ní postavte krásnou sklenku vína... Pokud si to přejete, můžete misku s ovocem nechat v nádherné izolaci. A to může být také krásné a harmonické. Ale přesto to bude docela obtížné. Minimalismus byl ve výtvarném umění vždy obtížným žánrem. Čím jednodušší, tím lepší – to je hlavní princip minimalismu. A ne každý umělec to dokáže uvést do života, do reality. Pro začátek tedy doporučujeme, abyste i přesto vytvořili kompozici zátiší z několika objektů. Nezapomínejte však, že všechny tyto předměty na sebe navzájem navazují významově, sladěny barevně, tvarově, velikostně i strukturou. Například, pokud jsou červená jablka pohodlně umístěna ve váze, pak vedle ní, na krásný sněhově bílý ubrus, můžete položit hrdou červenou růži. Nebo červený mák. Ale řekněme, mixér, který jste si přinesli z kuchyně, i když je červený, bude v tomto složení zcela nevhodný. Musíme usilovat o to, aby se objekty v zátiší vzájemně doplňovaly, nehádaly se a nezpůsobovaly v divákovi pocit zmatku.

Takže jsme se rozhodli pro složení. Pojďme k další fázi práce:

Rozsvícení světla

Vhodně umístěné nebo zvolené světlo v zátiší je neméně důležité než jeho samotné složení.

Pokud pracujete na zátiší doma, ne ve speciálním ateliéru, ale ve svém bytě, pak je nejlepší začít fotit za přirozeného denního světla. V tomto případě doporučujeme umístit tabulku objektů nedaleko od okna nebo naproti němu. Měkké, rozptýlené a zároveň směrované světlo dopadající z okna na vaši kompozici objektu vytvoří krásné, dlouhé, měkké stíny z objektů a zároveň příznivě zdůrazní a odhalí texturu těchto objektů a dodá jim objem.

Bez ohledu na to, jak divné se vám to může zdát, je docela snadné ovládat a regulovat přirozené sluneční světlo z okna. To lze snadno provést manipulací s různými reflektory a tlumiči vyrobenými například z lepenky, překližky nebo jiných materiálů, které jsou po ruce. Reflektor, řekněme, může být obyčejný list papíru A4 opřený o něco na stole. Ano, i noviny složené do „chýše“ a položené vedle mohou fungovat jako odrazka! Světlo z okna můžete zastínit pomocí okenních závěsů nebo žaluzií.

Pokud na svém zátiší pracujete večer, a denní světlo vám prostě není k dispozici, musíte pracovat s umělým světlem. Jako zdroj takového světla dobře poslouží obyčejný blesk. Stačí na něj nasadit difuzér. Pokud to neuděláte a budete fotografovat bez difuzoru, mohou se na pozadí tvořit drsné, drsné a nevzhledné stíny. Pokud máte k dispozici kvalitní zdroj stálého umělého světla, pak je lepší jej použít ve spojení se softboxem.

Jako doplňkový zdroj světla můžete použít stolní lampu. Paprsek světla z něj může být například nasměrován na pozadí. Ale v tomto případě musí být umístěn daleko od pozadí, ve vzdálenosti asi jednoho metru. V opačném případě bude světlý bod na pozadí velmi ostrý, hrubý a nevzhledný. Stolní lampu lze instalovat i za kompozici objektů, které jste postavili a použili jako zdroj podsvícení.

Tady máš. Kompozice je postavena. Světlo svítí. Vše je připraveno. Začněme natáčet. Zátiší se nejlépe fotí na stativu. Proč? Protože k dosažení určitých cílů možná budete muset pracovat s poměrně dlouhými časy závěrky. A bez stativu je takové focení prostě nemožné. Kamera musí být stabilní. Příkladem jsou zátiší klasika československé fotografie poloviny minulého století Václava Jirů, které vytvářel ve svém ateliéru nebo venku v noci, výhradně za svitu měsíce, bez použití dalších zdrojů světla. Pokud si nekladete tak vysoké cíle, zkuste při fotografování z ruky držet fotoaparát tak, aby se netřásl. Rozmazání a rozmazání v zátiší jsou vyloučeny. To je takový žánr v umění – všechno musí být jasné.

V procesu natáčení zátiší doporučujeme přeskupovat předměty z místa na místo, klidně měnit světlo a posouvat jeho zdroje různými směry. Fotografujte při různých rychlostech závěrky a různých clonách. Změňte další nastavení fotoaparátu. Střílejte z různých úhlů, z různých střeleckých bodů. Fotografujte s různými objektivy. Improvizujte na cestách! Hledejte různé možnosti! Právě při natáčení zátiší vzniká určité vzrušení, jakási odvaha. Budete chtít vytvářet stále více nových možností kompozice zátiší, stále více nových schémat osvětlení. Neomezujte let své kreativní představivosti! Možná dnes vytvoříte svůj nejlepší záběr, který vás později oslaví!

Ano a ještě jedna poznámka. Naše dnešní poslední doporučení. Pokud je ve vašem zátiší hodně bílé, důrazně doporučujeme před zahájením fotografování nezapomenout na správné nastavení vyvážení bílé v nastavení fotoaparátu. Jinak později, v procesu následného zpracování obrazu na počítači, budete muset hodně pohrávat s korekcí barev v grafickém editoru. Jinými slovy, ve Photoshopu.

Zátiší jako žánr umění se objevilo již v 15. století a tehdy mělo velmi jasný náboženský podtext. Mnoho obrazů svatých bylo orámováno květinovými aranžmá. Již v 17. století se definitivně formovalo zátiší jako žánr, tehdy vznikla základní pravidla kompozice a klasické techniky.

Od nástupu fotografie neztratilo zátiší na oblibě, i když většinu dnešních fotografů láká možnost fotografovat v akci. Mistři se snaží natočit něco momentálního a nečekaného, statické snímky jsou pro mnohé méně atraktivní a zajímavé.

Někdo se může mylně domnívat, že fotografie zátiší není obtížným typem fotografie, protože se může zdát, že vyfotografovat něco, co se v čase nehýbe a nemění, není až tak složité. Fotografie zátiší jsou ve skutečnosti výsledkem dlouhé monotónní práce. Fotograf zátiší musí neustále pracovat se světlem a předměty. Pravidelně mění místa objektů, pozadí a úhly pohledu.

Jako skvělé příklady fotografií zátiší vám ukážeme obrázky Paulette Tavormina- slavný fotograf z New Yorku. Paulette, která žije ve velkém městě, našla svůj vlastní způsob, jak uniknout před shonem. Tráví hodiny ve svém vlastním ateliéru a natáčí zátiší sestávající ze zeleniny, ovoce a květin. Fotografie Paulette Tavorminy připomínají klasické obrazy z klasické malby. Jsou vysoce umělecké a fascinující.

Paulette Tavormina také vytváří úžasné kompozice květin, rostlin a drobného hmyzu v letadle. Obrázky vypadají spíše jako ilustrace z botanických knih nebo úžasné rostlinné vzory.

Fotografie Paulette Tavorminy jsou v muzeích, firemních i soukromých sbírkách a byly prezentovány v Paříži, Londýně, Moskvě, New Yorku, Los Angeles, Miami a Chicagu. Paulette je fotografka-samouk, svou jedinečnou techniku focení zátiší sama vyvinula, přičemž se učila z obrazů holandských mistrů.